CINE POLICIACO Y NEGRO (2ª Parte – AÑOS 90 y 2000)

Llegamos a una época donde empiezan a resurgir con fuerza las películas de género policíaco, desde películas nuevas hasta continuaciones como es el caso de Arma Letal o la Jungla de Cristal.

El género en los últimos años, cambió en bastantes formas, de las cuales se pueden observar claramente dos: la mezcla de la novela negra y la escuela inglesa que dieron como resultado detectives con armas y entrenados para su uso (novela negra), al mismo tiempo también se sigue viendo el análisis que se hace para resolver el caso junto a la observación (escuela inglesa).

Una de las razones de esa mezcla es que ahora la mayoría de novelas policíacas que se ven por la televisión, son producidas en Estados Unidos, lugar en el cual se creó la novela negra; sin embargo, aún se conservan los rasgos de análisis y observación de la escuela inglesa, tal vez porque la hacen más interesante.

Analicemos las mejores películas policíacas y de género negro de estos años:

El principiante: Dos policías, uno veterano y con mucho genio, llamado Pulovski, y el otro novato y con problemas personales, llamado Ackerman, deben apresar a los asesinos del primer compañero del policía veterano, pertenecientes a una poderosa organización que se dedica a robar coches de lujo para cambiar sus señas de identidad y venderlos de nuevo. Sin embargo, a pesar de ser distintos, ambos están condenados a entenderse y a colaborar estrechamente para atrapar al cerebro de la banda criminal.

La jungla de cristal 2: El policía del departamento de Los Angeles, teniente John McLane, espera en el aeropuerto de Dulles de Washington a que aterrice el avión en el que viaja su esposa. Mientras tanto, el coronel del ejército Stuart, un militar bien entrando, expulsado del congreso, junto con otros mercenarios profesionales, montan una base de operaciones cerca de dicho aeropuerto, con el objetivo de liberar a un dictador sudamericano derrocado, considerado el mayor traficante del mundo, y que dentro de 58 minutos aterrizará en Dulles en calidad de prisionero político. Stuart anula todos los sistemas que permiten aterrizar a los demás aviones, condenados a permanecer en el aire con el riesgo de agotárseles el combustible. Exige, además, que un Boeing 747 esté a su disposición para huir con el dictador una vez liberado, pero McClane intentará que no prospere.

El silencio de los corderos: El FBI busca a un asesino en serie, apodado Buffalo Bill, que mata a sus víctimas, todas ellas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Para poder atraparlo contactan con Clarice Starling, una brillante licenciada universitaria, experta en conductas psicópatas, que aspira a formar parte del FBI. Siguiendo las instrucciones de su jefe, Jack Crawford, Clarice visita la cárcel de alta seguridad donde el gobierno mantiene encerrado a Hanibal Lecter, antiguo psicoanalista y asesino, dotado de una inteligencia superior a la normal. Su misión será intentar sacarle información sobre los patrones de conducta de “Buffalo Bill”.

Reservoir Dogs: Seis gángsters profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Eddie (Chris Penn) para un trabajo. Ellos no se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: Sr. Rosa (Steve Buscemi), Sr. Blanco (Harvey Keitel), Sr. Naranja (Tim Roth), Sr. Marrón (Quentin Tarantino), Sr. Azul (Edward Bunker) y Sr. Rubio (Michael Madsen). Preparan minuciosamente el robo a una joyería, pero la policía aparece inesperadamente en el momento del atraco convirtiéndolo en una masacre. Todo hace sospechar que hay un traidor infiltrado. Reunidos a puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, los supervivientes se enfrentan entre sí intentando descubrir quién les ha conducido a esta situación límite. Los únicos nombres que son revelados son el del Sr. Rubio, que es Vic Vega y el del Sr. Blanco, que es Larry Dimmick, debido a que ambos conocían a Joe antes de hacer este trabajo. El del Sr. Naranja también es revelado, el cual es Freddy Newandyk.

Arma Letal 3: Martin Riggs y Roger Murtaugh, la incombustible pareja de policías de Los Angeles, se enfrentan a un difícil caso: armas confiscadas y a punto de ser destruidas han desaparecido de las dependencias oficiales y están llegando a los delincuentes más peligrosos de la ciudad.

Atrapado por su pasado: Carlito Brigante (Al Pacino) es un puertorriqueño, ex convicto por trafico de drogas, que al pasar cinco años en prisión se da cuenta de no querer volver al mundo del hampa, reencontrándose a su paso con viejos amigos como Kleinfeld (Sean Penn) el abogado que hizo posible su salida de la cárcel, Pachanga (Luis Guzmán) a su vez enfrentándose a la sombra de su pasado en un inolvidable personaje llamado Benny Blanco (John Leguizamo) y reafirmando su amor a la hermosísima Gale (Penelope Ann Miller).

El especialista: Un experto en explosivos, antiguo miembro de la CIA, es contratado por una hermosa y misteriosa mujer con objeto de acabar con un grupo de mafiosos que asesinaron a sus padres cuando ella era una niña.

Asesinos Natos: Es violencia y crítica a la violencia en definitiva. Una enamorada pareja de criminales cuya pasión, a parte del amor entre ellos, es asesinar y enorgullecerse de ello superando a sus ídolos como por ejemplo Charles Mandson etc, mientras una sociedad insulsa siente atracción hacia ellos…así se presenta la historia.

El cliente: Un niño ve en los servicios de una estación de autobuses un asesinato. El asesino intenta localizarle ya que además de ser testigo tiene en su poder un botín de un atraco. Una abogada que perdió la custodia de sus propios hijos se encarga de protegerle e investigar para ver quién está detrás del robo.

Pulp Fiction: Para mi una de las mejores películas que haya dirigido Quentin Tarantino, por sus diálogos, por su banda sonora y por su forma de contra la historia. La película comienza con un hombre y una mujer llamados Pumpkin (Tim Roth) y Honey Bunny (Amanda Plummer) en una cafetería, la cual se disponen a atracar. Después de los créditos, la historia sigue con unos «gángsters», Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), que son enviados por su jefe, Marsellus Wallace (Ving Rhames), al apartamento de unos rateros llamados Marvin (Phil LaMarr), Brett (Frank Whaley) y Roger (Burr Steers) a recuperar una extraña maleta cuyo contenido nunca es revelado. Al llegar al lugar recuperan la maleta y matan a Roger y a Brett.

Heat: Neil McCauley es un experto ladrón, uno de los mejores. Su filosofía de vida: no atarse en la vida a nada de lo que no te puedas desprender si las cosas se ponen al rojo vivo. Su banda de criminales es un grupo de profesionales muy cualificados que llegan a impresionar incluso al detective Vincent Hanna. Pero Hannah, un hombre cuyo trabajo es el centro de su vida, se obsesiona con ello, poniendo su relación sentimental al borde del desastre. Cuando la banda de McCauley prepara el golpe definitivo y el equipo de Hannah intenta evitarlo, ambos comprenden que se encuentran ante las mentes más brillantes a las que se han enfrentado.

La jungla de cristal 3: Un hombre que se llama a sí mismo “Simon” inicia una oleada de terror por las calles de Nueva York. Hará detonar una serie de bombas por la ciudad a menos que el agente John McClane acceda a jugar a un juego llamado “Simón dice”. Con la ayuda de Zeus, un electricista del Harlem, comienza una trepidante carrera para averiguar las adivinanzas y las intenciones del terrorista.

Dos policias rebeldes: Un alijo de heroína valorado en unos 100 millones de dólares es robado del mismísimo depósito de la policía. El caso le será asignado a los agentes Burnett y Lowery, una pareja muy peculiar por los métodos que utilizan. La única pista que tienen para comenzar es la de una testigo que les ayudará a identificar a los atracadores, y a la que tendrán que proteger.

Seven: El detective Somerset (Morgan Freeman), se encuentra a días de jubilarse y le envían como reemplazo al detective David Mills (Brad Pitt). Juntos tendrán que resolver una serie de asesinatos cometidos por un psicópata letrado y metódico llamado John Doe (Kevin Spacey), que se basa en los siete pecados capitales para cometer sus grotescos crímenes. La película comparte trozos de cine negro, de “psycho thriller”, de thriller de asesinos en serie y de las “buddy movies”. A raíz del estreno de Seven se hicieron una serie de películas sobre psicópatas metódicos con un fin “intelectual” en su discurso, pero ninguno de estos filmes llegó a hacer sombra a Seven.

Ejecución inminente: A Steve, periodista “con olfato” pero problemático, le cae sin buscarla la última entrevista que concederá un condenado a muerte. A medida que conoce los detalles que significaron para Frank la condena a la pena capital, crece su convicción de que se ha cometido una monumental injusticia. De modo que, en una carrera contra el reloj, busca las pruebas que demuestren su inocencia.

Hora Punta: Dos detectives diferentes son asignados en un mismo caso. Ambos tendrán que adaptarse a las costumbres del otro para poder concluir su trabajo con éxito, pero no va a ser una tarea fácil. El detective inspector Lee (Jackie Chan) es el rey de las artes marciales y pertenece a la Royal Hong Kong Police. Su pupila preferida es la hija de once años del Cónsul chino, de la cual el inspector Lee es su guardaespaldas y su mejor amigo. Esta muchacha es capturada y llevada a los Estados Unidos por un peligroso grupo criminal. Hasta allí tendrá que viajar el inspector y, donde se unirá a la investigación con un departamento del FBI y, concretamente, al detective James Carter (Tucker), un arrogante e impulsivo agente de policía. La explosiva pareja tendrá que enfrentarse a una banda de criminales muy peligrosa, y contarán con la ayuda de Tania Johnson (Elizabeth Peña), una experta en artefactos explosivos.

Al caer el Sol: Harry Ross, un detective privado ya retirado, se presta a ayudar a unos antiguos amigos, una pareja de actores famosos de Hollywood en apuros. Pronto Ross se verá envuelto en una peligrosa y complicada intriga criminal.

Arma Letal 4: La pareja de policías formada por Martin Riggs y Roger Murtaugh vuelve a la carga para enfrentarse a un capo de la mafia asiática que ha extendido sus actividades a Los Angeles. En la investigación les ayudará un joven policía responsable de los quebraderos de cabeza familiares de Murtaugh, ya que ha dejado embarazada a su hija. En casa de Riggs, las cosas también se complican cuando su compañera espera un hijo y amenaza con hacerle pasar por el altar.

El coleccionista de huesos: Un diabólico asesino anda suelto por las calles de Manhattan. Sus brutales asesinatos dejan un rastro de mensajes crípticos escondidos en la escena del crimen, pistas que solamente una mente brillantes puede resolver. Mientras la ciudad está presa del miedo, Lincoln Rhyme, uno de los criminalistas con más prestigio de Estados Unidos, que ahora sufre las secuelas de un accidente grave en acto de servicio, investiga el caso con la ayuda de Amelia Donaghy, una policía experimentada, pese a su juventud, en la vida callejera neoyorquina. Ambos irán adentrándose poco a poco en la mente de un terrorífico demente, un asesino en serie que no dudará en atacar de nuevo… La próxima vez puede ser demasiado tarde.

Training Day: Alonzo Harris, un policía de Los Ángeles muy condecorado pero corrupto, tiene como nuevo compañero a Jake Hoyt, un agente novato y nuevo compañero de Alonzo que aspira a convertirse en parte de la unidad de Narcóticos.

Hora Punta 2: El detective James Carter se encuentra de vacaciones en Hong Kong con su buen amigo el detective Lee. Mientras Carter está ansioso por dedicarse a la juerga y las mujeres, Lee tiene que enfrentarse con un jefe de las Tríadas, responsable del asesinato de dos funcionarios de la embajada norteamericana. Conforme avancen en la investigación, descubrirán una trama de distribución de billetes falsos.

Deuda de sangre: Terry McCaleb, un veterano investigador del FBI, anda tras la pista de un psicópata apodado por lo medios de comunicación el “asesino del código”. Tras visitar una de las escenas del crimen donde acaba de actuar, Terry le descubre entre la multitud, comenzando una persecución que le provocará un infarto de corazón y su retiro del servicio activo.

Insomnio: Will Dormer, un veterano detective de la policía de Los Angeles, viaja con su compañero Hap a un pequeño pueblo de Alaska para investigar el inquietante asesinato de una adolescente. Bajo la luz perpetua de la región, Dormer y Hap se van acercando al principal sospechoso, el novelista Walter Finch, que vive apartado del pueblo.

Dos policías rebeldes 2: Los detectives de narcóticos Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence) han sido asignados a un nuevo caso en Miami, donde un astuto narcotraficante (Jorge Mollà) ha iniciado una sangrienta guerra. Además la amistad de los dos agentes se complica cuando Mike empieza a sentir algo por la hermana de Marcus.

Hollywood – Departamento de homicidios: Dos agentes de homicidios del cuerpo de policía de Los Ángeles investigan el asesinato de un grupo de raperos durante una actuación. Uno de ellos es Joe Gavilan -un veterano detective con problemas de dinero y tres ex-esposas. El otro es K.C. un joven policía indiscipliando y con pocas luces. Las primeras investigaciones del caso apuntan a un jefe de un sello de rap que se rumorea arregló la muerte de los raperos artistas que se negaron a firmar un contrato con él.

Infiltrados: El Departamento de Policía de Massachussets se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello (Jack Nicholson) desde dentro. A un joven novato, Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), criado en el sur de Boston, se le encarga infiltrarse en la mafia dirigida por Costello. Mientras Billy intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven policía que también ha surgido de las calles del sur, Colin Sullivan (Matt Damon), sube rápidamente de categoría dentro de la policía del Estado. Colin, que se ha ganado un buen puesto en la unidad de Investigaciones Especiales, forma parte de un grupo de oficiales de élite cuya misión es acabar con Costello. Pero lo que sus superiores no saben es que Colin trabaja para Costello, y le mantiene un paso por delante de la policía. Cada uno acaba totalmente consumido por su doble vida. Pero cuando los gángsters y la policía se dan cuenta de que hay un topo entre ellos, Billy y Colin se encuentran en peligro constante de que les cojan y están expuestos al enemigo, y cada uno debe darse prisa en desvelar la identidad del otro para salvarse a sí mismo.

LOS MUSICALES (2ª Parte – AÑOS 90 y 2000)

Llegamos al cine más actual y más moderno, llegan los años 90 y llega el nuevo milenio, nuevos musicales inundaron la gran pantalla, los actores estadounidenses nos vuelven a demostrar que no sólo saben hacer una película dramática o saben meterse en un papel cómico sino que también nos han hecho alegrarnos la vida y nos han hecho bailar con los nuevos musicales. El cine musical es un género cinematográfico que se caracteriza por películas que contienen interrupciones en su desarrollo para dar un breve receso por medio de un fragmento musical cantado o acompañados de una coreografía.

En los comienzos de este género, el fragmento tenía como objetivo impresionar sin mantener mucha conexión con el desarrollo narrativo. Sin embargo, al alcanzar su madurez, se estiliza el género y los números concatenan la historia. Ningún otro género cinematográfico (ni siquiera el western) es tan inequívocamente americano como el musical. El concepto del espectáculo que impera en todos los aspectos de la sociedad de EE. UU. alcanza uno de sus máximos exponentes en el cine y, dentro de él, en las elaboradas coreografías, las melodías inolvidables y simplemente las obras maestras que ha dado el musical.

Alan Parker rodó tres entre las décadas de los 80 y 90 Fame, The Commitments, Evita, Hollywood volvió a reconocer el género. Ahí están los éxitos conseguidos por Moulin Rouge, Chicago, El Fantasma de la ópera, Hairspray, Rent o Dreamgirls que los estudios han vuelto a poner sobre la mesa dinero para producir grandes melodía y estupendas coreografías con las que sentir alas en los pies.

 

 

BEYOND THE SEA

Kevin Spacey dirige y protagoniza la historia biográfica del cantante, Bobby Darin, cantante de éxitos de pop como "Splish Splash" o "Beyond the sea" y que más tarde cambiara al jazz con el gran éxito "Mack the Knife." La joven actriz Kate Bosworth protagoniza a su esposa, la estrella de cine Sandra Dee. Buena película en la que Spacey nos sorprende a todos cantando y bailando.

 

TODOS DICEN I LOVE YOU

Hasta Woody Allen tocó el género músical en esta entretenida película de enredos y amores. Steffi y Bob están casados, son ricos, liberales y socialmente comprometidos, el típico retrato de una familia acomodada de Nueva York. Steffi estuvo casada con Joe, un tipo sin suerte con las mujeres, con quien comparte una hija algo inestable. Bob tiene un hijo conservador, una hija que ha puesto en peligro su boda al enamorarse de un delincuente y otras dos hijas adolescentes que se pelean por chicos multimillonarios. Todos cantan sus sentimientos en Nueva York, París y Venecia…merece la pena

 

CHICAGO

En Chicago durante los años 1920, las asesinas Roxie Hart y Velma Kelly están dispuestas a todo, la una para evitar la pena de muerte, en el caso de Velma y para lo mismo y convertirse en una celebridad en el caso de Roxie. Para ello contarán con la ayuda nada desinteresada de Billy Flynn, uno de los abogados con menos escrúpulos de Chicago.

 

HAIRSPRAY

La historia trata sobre una muchacha cuyo sueño es bailar en el espectáculo de Corny Collins, un programa de baile de la TV local. Ella consigue una posibilidad de aparecer en el espectáculo y se hace una celebridad de la noche a la mañana. Ya una heroína juvenil, comienza a utilizar su fama para hablar en nombre de la causa en la que cree: la integración racial. Pero Tracy se gana la rivalidad de la estrella anterior del programa: Amber Von Tussle, así como la de su madre, una mujer manipuladora y racista. La rivalidad llega a una cumbre cuando Amber y Tracy luchan por el título de Miss Teenage Hairspray 1962.

 

MAMMA MIA!

Versión cinematográfica del popular musical de ABBA. Amanda Seyfried interpreta a una joven que ha crecido en una pequeña isla griega, educada por una madre rebelde en su juventud, que siempre se ha negado a revelar a su hija la identidad de su padre. Cuando parece que al final la joven va a descubrir quién es su padre… aparecen nada menos que tres posibles candidatos.

 

HIGH SCHOOL MUSICAL

Adaptación moderna de la novela Romeo y Julieta, y describe la historia de dos estudiantes enamorados que pertenecen a ámbitos muy diferentes entre sí:Troy Bolton, es el capitán del equipo de baloncesto de su escuela, mientras que Gabriella Montez, es una estudiante tímida, interesada en las ciencias y las matemáticas, recién llegada a la preparatoria de East High School. Tras enamorarse, intentan obtener los papeles principales en el musical decembrino de su escuela, causando la división entre sus respectivas amistades.

MOULINE ROUGE!

Trata de un joven escritor bohemio, Christian, que se enamora de una hermosa cortesana, del cabaret Moulin Rouge: Satine. Una noche, gracias al azar y a una serie de malentendidos, el destino los cruza. Él la enamora con su poesía, ella lo hechiza con la luz que irradian sus ojos. Pero todo se termina abruptamente, cuando ella advierte la confusión: no era él el millonario duque al que estaba predispuesta a convencer para financiar una obra teatral.

 

SWEENEY TODD, EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET

Narra la historia de Benjamin Barker, encarcelado durante 15 años lejos de su hogar en Londres debido a una falsa acusación del juez Turpin, que sólo quería quedarse con su esposa. Al regreso de su injusto cautiverio, Barker regresa buscando a su familia, pero descubre que su esposa se envenenó y que el juez Turpin tiene cautiva a su hija Johanna.Sweeney Todd, regresa a su antigua barbería y comienza a tramar su venganza, para ello, se aliará con la Sra. Lovett, la solitaria dueña del local ubicado debajo de la barbería. En la sangrienta venganza, ella encontrará un modo de reavivar su negocio de empanadas de carne con las víctimas de su compañero del piso de arriba.

DREAMGIRLS

La historia narra el ascenso, a finales de los años 60 y principios de los 70, de un trío vocal femenino, las Dreamettes (en una disimulada alusión a The Supremes, del que surgió Diana Ross).

 

TRABAJOS DE AMOR PERDIDOS

El Rey de Navarra y sus tres camaradas realizan el solemne y público juramento de estudiar juntos y de renunciar a las mujeres durante tres años. Su honor es inmediatamente puesto a prueba con la llegada de la Princesa de Francia y de sus tres adorables acompañantes. El encuentro supone un flechazo para todos ellos, encuentro que será seguido por los divertidos -aunque por otra parte inútiles- esfuerzos de los cuatro caballeros por esconder sus sentimientos. Una película algo endeblilla con canciones que ya conocíamos de musicales clásicos.

 

DE-LOVELY

Portarretrato musical del compositor americano Cole Porter con sus propias inolvidables canciones. En la película, Porter mira hacia atrás en su vida como si fuera uno de sus espectaculares shows, con las personas y eventos de su vida convirtiéndose en actores y acción en escena. A través del filme, varias producciones son presentadas junto con su música. El elegante y excesivo pasado sale a la luz incluyendo su profunda y complicada relación con su esposa y musa, Linda Lee Porter. No me agradó mucho la película me esperaba más de ella, la banda sonora muy buena.

 

LOS PRODUCTORES: EL MUSICAL

Nueva adaptación de la exitosa película de Mel Brooks (adaptación a su vez de una obra musical de Broadway) en la que dos hombres intentan defraudar a unas viejecitas sacándoles el dinero para montar una obra de teatro… que resulta ser un gran éxito.

 

EL FANTASMA DE LA ÓPERA

La Ópera de París prepara el estreno de su espectáculo más fastuoso, pero un misterio se oculta entre bastidores: la presencia del Fantasma. Nadie sabe quién es, pero sus apariciones son cada vez más frecuentes, creando el pánico. Sólo Christine una joven bailarina, puede acercarse a él: el Fantasma es su maestro y le está enseñando a cantar, creyéndole un enviado de su padre. Pero lo que Christine no sabe es que el Fantasma está profundamente enamorado de ella.

 

EN LA CUERDA FLOJA

Biopic del gran cantante de música country Johnny Cash. La historia comienza en Arkansas, en la era de la Gran Depresión. John R. Cash es el hijo de un aparcero pero no tardará en iniciar salvajes giras con los pioneros del rock and roll, Elvis Presley, Carl Perkins, Roy Orbison, Jerry Lee Lewis y Waylon Jennings; que culmina con su inolvidable concierto de 1968 en la Prisión de Folsom. Cash se convirtió en el artista más de moda del momento, vendiendo incluso más que los Beatles.

 

RAY

Película sobre la historia de Ray Charles, el papel de él fue interpretado por Jamie Foxx. La película cuenta de forma más o menos completa la vida de esta estrella del blues, su infancia, sus adicciones y, lo que en verdad interesa, la historia de su exitosísima carrera como un as del piano.

 

EVITA

Musical con música de Andrew Lloyd Webber y letra de Tim Rice. Está libremente inspirado en la vida y muerte de Eva Perón (1919-1952) y su influencia en la historia argentina a partir del ascenso al poder de su esposo Juan Perón como presidente del país.

EL CINE EN LOS AÑOS 90

El cine de los noventa aportó grandes películas, sobre todo comparándolas con la década anterior. De cara a los estrenos, las grandes compañías apostaron por multiplicar el número de copias para su exhibición, lo cual les obligaba a reforzar la mercadotecnia precisa para recuperar su inversión a corto o medio plazo. Y pese a la proliferación de festivales que impulsaban al cine independiente, éste último pasó a depender también de las majors, consolidando el vigor de los grandes grupos.

Lo cierto es que la década se abrió con el deseo de que el público adulto volviera a las salas. Por desgracia para los promotores de la medida, los estudios de mercado aún demostraban que la mayor parte de la audiencia estaba formada casi exclusivamente por adolescentes. En todo caso, surgió un grupo de cineastas independientes que reclamaba la herencia de los setenta y se dirigía a una audiencia madura, tanto por su edad como por sus ambiciones intelectuales. En dicho grupo se distinguieron tipos sumamente interesante. Por ejemplo, John Sayles, Ang Lee, los hermanos Coen, Edward Burns, etc…

Junto a las producciones de George Lucas y Steven Spielberg –aún más respetado tras el lanzamiento de la magistral La lista de Schindler (1993)–, nos encontramos con los esmerados trabajos de otros norteamericanos.

A la delicadeza de James Ivory (Regreso a Howards End, 1992), se sumaban la sorprendente y prolífica trayectoria de Woody Allen (Misterioso asesinato en Manhattan, 1993; Poderosa afrodita, 1995; Todos dicen I Love You, 1996) y la imaginería bizarra de Tim Burton (Eduardo Manostijeras, 1990; Ed Wood, 1994; Pesadilla antes de Navidad, 1995; Mars Attacks!, 1996). Tim Burton para mi se convirtió en uno de mis directores favoritos desde que vi Eduardo Manostijeras, aunque ya había visto Bitelchus.

Tras el enorme éxito de Atracción fatal (1987) e Instinto básico (1992) una de las fórmulas que se pusieron a prueba en el mercado fue el drama erótico. En esa corriente tan poco prometedora se inscribieron cintas olvidables, como Una proposición indecente  (1993) y Striptease (1995), e incluso un biopic inspirado en el creador de la revista "Hustler", El escándalo de Larry Flynt (1996).

 

La generación del vídeo impuso nuevos modos de narrar, influidos por  las novelas baratas, la televisión y los cómics. Desde el primer momento, el espectador medio agradeció esa combinación de diálogos de historieta, planificación dinámica y violencia estilizada que fue patentada por Quentin Tarantino, Tony Scott, Robert Rodríguez y Oliver Stone, y que se convirtió en la baza de títulos como Reservoir Dogs (1992), Amor a quemarropa (1993), Pulp Fiction (1994), Desperado (1994) y Asesinos natos (1994). Cuando vi Pulp Fiction sabía que Tarantino iba a formar parte de otros de mis directores favoritos seguido de Robert Rodriguez.

Si algo tenían en común todos estos largometrajes era la presencia de Tarantino en los créditos. Quizá por ello, se comenzó a hablar sobre el tarantinismo como una corriente con valor propio.

Junto a esas propuestas postmodernas, el cine convencional de aventuras aún demostraba su eficacia, alcanzando algunas cotas singulares con Maximo riesgo (1992), de Renny Harlin, y El fugitivo (1993), de Andrew Davis.

Por aquello de que nunca es malo aprovechar las sinergias del mercado, los best-sellers del momento fueron llevados a la pantalla sin pérdida de tiempo. Esto hizo ganar merecidísimas fortunas a escritores como Stephen King (La mitad oscura, 1992), Tom Clancy (Peligro inminente, 1994), Michael Crichton (Parque Jurásico, 1993) y John Grisham (El cliente, 1994).

Con la misma intención comercial, el universo del videojuego empezó a trasladarse al cine. Dos cintas muy mediocres fueron pioneras de esta corriente, Super Mario Bros (1993) y Mortal Kombat (1995). Por suerte, el modelo fue perfeccionándose, y en la década siguiente proporcionaría más de una obra interesante.

No está de más dedicar unas líneas a la campaña promocional que originó la adaptación de la novela, Parque Jurásico (1993), de Steven Spielberg. Digámoslo con claridad: si el público acudió a las salas, al margen del sello de calidad que ofrece el nombre de Spielberg, es porque la moderna tecnología digital había permitido unos efectos portentosos, llamativos por sí solos. Es aquí donde quedó establecido que un éxito contundente desde el primer fin de semana por fuerza debía ser también una película de efectos especiales.

Los efectos especiales fueron utilizados sin discriminar lo necesario de lo superfluo, y acabaron convirtiéndose en el signo distintivo de la ciencia-ficción y el thriller de acción de los noventa. Ello encareció los costos de producción y forzó una carrera tecnológica en la que el más difícil todavía fue una constante. La elaborada producción de Waterworld (1995), de Kevin Reynolds, fue una muestra indicativa. El guión, tirando a previsible, no era la baza decisiva de este film. Lo verdaderamente llamativo era la compleja imaginería acuática que, gracias a los efectos especiales, era mostrada en pantalla.

Con todo, Hollywood era mucho más que fuegos artificiales. Demostrando un talento que iba más allá de la interpretación, varios actores de primera fila se convirtieron en productores y directores. El ejemplo más citado era Clint Eastwood, que triunfó con Sin perdón (1992) tras casi dos décadas realizando películas excelentes.

Entre los más afortunados a la hora de dar este salto detrás de las cámaras, figuran Kevin Costner (Bailando con lobos, 1990), Mel Gibson (Braveheart, 1995), Jodie Foster (El pequeño Tate, 1991; A casa por vacaciones, 1995), Tim Robbins (Ciudadano Bob Roberts, 1992; Pena de muerte, 1995), Al Pacino (Looking for Richard, 1996) y Tom Hanks (The Wonders, 1996, película que no me gustó nada por cierto).

 

Por distintas razones, las tres películas más influyentes de la década en Estados Unidos fueron Titanic (1997) aunque yo no entiendo el éxito de esta película de efectos soporíferos, de James Cameron; Sexo, mentiras y cintas de vídeo (1989), de Steven Soderbergh, demostración de que el cine independiente podría ser taquillero; y Reservoir Dogs (1992), de Quentin Tarantino, cuyo influjo en el thriller fue destacadísimo.

Miramax Films, la compañía productora de Pulp Fiction (1994), fue adquirida por Disney, que a lo largo de la década consolidó su liderazgo en el campo del dibujo animado a través de títulos como La bella y la bestia (1991), Aladdin (1993) y El Rey León (1994). Corría el año 1995 cuando el primer largometraje de animación digital, Toy Story, fue producido por una filial de Disney, Pixar Animation Studios.

El cine europeo, que en una gran proporción se sostenía mediante las coproducciones, ofreció durante estos años un cine menos espectacular, aunque con una línea muy estable de calidad y creatividad.

Hubo, no obstante, grandes superproducciones europeas, como El pequeño Buda (1993), de Bertolucci, y Hamlet (1996), del prolífico shakespeariano Kenneth Branagh, Trainspotting (1996), de Danny Boyle, Rompiendo las olas (1996), de Lars von Trier, Secretos y mentiras (1996), de Mike Leigh, etc… El cine galo intentó mantener siempre el equilibrio entre la línea de autor y la comercial, abriéndose de esta forma al mercado internacional. Si Jean Marie Poiré situó su comedia Los visitantes (1992) entre las películas más comerciales de la década, Jean-Jacques Annaud se convirtió en el cineasta francés más internacional, abordando coproducciones de envergadura tan notable como El nombre de la rosa (1986), El amante (1991) y Enemigo a las puertas (2000).

Pero quien supo convertirse en un auténtico magnate cinematográfico fue Luc Besson. Después de acaparar la atención crítica con Subway (1984) y Nikita, dura de matar (1989), llegó a una audiencia universal con El quinto elemento (1997) y Juana de Arco (1999).

Bajo la influencia de Besson, se diseñaron producciones de corte norteamericano y patrocinio europeo, como Crying Freeman, los paraísos perdidos (1996), de Christophe Gans.

Claude Zidi tradujo a imágenes un cómic de Uderzo y Goscinny, Astérix y Obélix contra César (1999), una desigual película que se convirtió en otro fenómeno taquillero.

En los años 90 Kathy Bates gana el Oscar por Misery, otra adaptación de una novela de Stephen King. 1991 es el año de Terminator 2. El film era el más caro de la historia hasta la fecha, y contaba con unos impresionantes efectos especiales realizados por ordenador. A partir de Desafío Total (1990) y Terminator 2 el ordenador cobra una importancia primaria en el mundo de los efectos especiales, que se irá incrementando con el paso de los años.

 

Ese mismo año, Tim Burton parodiaba a la familia media norteamericana por medio de un moderno Frankenstein, inocente y encantador, en Eduardo Manostijeras. También en 1991, Tetsuo de Shinya Tsukamoto triunfa y abre las puertas del cyberpunk, por las que entraran más adelante films como Johnny Mnemonic y otros.

 

En el 92, David Cronenberg ve como se queda sin estrenar su adaptación de el Almuerzo Desnudo, y Peter Jackson estrena Braindead (tu Madre se ha Comido a mi Perro), mostrándonos aún más que en Mal Gusto. Ese año, el virus del SIDA se lleva a Anthony Perkins.
En el 93, las campañas publicitarias nos llevan al cine a ver Drácula, de Bram Stoker, o las imágenes por ordenador con las que hubo que terminar El Cuervo, tras la muerte en extrañas circunstancias del actor Brandon Lee durante el rodaje del film.

 

Alex de la Iglesia resucita el cine fantástico español con Acción Mutante.

En menos de un año, hay que despedir a dos grandes de la pantalla. En 1993, fallece Vincent Price. Le sigue, en 1994, Peter Cushing. Ambos nos dejan una extensa filmografía, llena de títulos inolvidables.
El año de la muerte de Price uno de sus grandes fans, Tim Burton, produce Pesadilla Antes de Navidad, antes de dirigir Ed Wood (1994), la biografía del peor director de ciencia ficción de toda la historia.

Durante los últimos años del siglo, el cine fantástico toma diversas direcciones, muchas de ellas apuntan al apocalipsis, y al terror del fin del milenio. Terry Gilliam dirige la también pesimista 12 Monos, el público americano se vuelve violento con Asesinos Natos de Oliver Stone, y Abel Ferrara convierte a Christopher Walken y Anabella Sciorra en vampiros nihilistas, creando una metáfora entre la drogadicción, el SIDA y el vampirismo en The Addiction.

Lejos de ese pesimismo, John Waters vuelve ese año con Los Asesinatos de Mamá y Brian Yuzna dirige Mortal Zombie, tercera parte de el Regreso de los Muertos Vivientes de O’Bannon.

Si mirais en cine de terror de los años 70 vereis como esta portada copia a la portada de La Profecía

En 1995, Alex de la Iglesia nos asombra con El Día de la Bestia, una salto de calidad del género en España, un año antes de que otro director joven, Robert Rodríguez, triunfe con Abierto Hasta el Amanecer, con guión de Quentin Tarantino.
Scream, Vigila Quien Llama será la película de terror del año 96, recuperando a los asesinos que tan de moda estuvieron durante los 80 y finales de los 70. El director Wes Craven produciría ese año el film gore Wishmaster, y el guionista Kevin Williamson escribirá otro éxito, Sé lo que Hicisteis el Último Verano, que se estrena un año después de Scream, coincidiendo con la secuela de ésta.

Del 96 también destacan Alien Resurrection, dirigida por Jean Pierre Jaunet y Mars Attacks!, el homenaje a los films espaciales de los 50 realizado por Tim Burton y que gustó más en Europa que en EEUU (quizás por como se burlaba del patriotismo americano y otros estereotipos).
En el 98, un Godzilla que no tiene ni la milésima parte del encanto del mítico saurio japonés original, se pasea por Nueva York.
Por otra parte, el fin del milenio vuelve a hacer estragos en las pantallas. Armageddon o Deep Impact son unas muestras de ello.

    

BILLY WILDER

 

UNO DE LOS DIRECTORES MÁS IMPORTANTES DEL CINE CLÁSICO, PARA MI EL MEJOR DE TODOS, HA SABIDO LLEVAR TANTO COMEDIAS COMO DRAMAS, Y SOBRE TODO UN USO DE INDIRECTAS E IRONÍA EN TODOS SUS FILMS.

Samuel Wilder, más conocido como Billy Wilder (Sucha, Austria, 22 de junio de 1906 – Hollywood, Estados Unidos, 27 de marzo de 2002) fue un director de cine estadounidense de origen austríaco. Nació en Sucha, en el entonces todavía Imperio Austrohúngaro.

Wilder pasó su infancia y su juventud en Austria. Su primer trabajo fue como cronista en el periódico austriaco Juranek. Continuó trabajando como cronista en Berlín, teniendo que alternar esta ocupación con otras para sobrevivir. Allí se aficionó al cine, tras ver diversas películas que le impresionaron hondamente. Una de ellas fue El acorazado Potemkin, de Sergei Eisenstein. Entró a trabajar para la UFA donde conoció a los grandes directores del momento.

Adolf Hitler llega al poder en Alemania durante el año 1933, lo que obliga a Wilder, por su condición de judío, a huir a París, ciudad en la que se produce su debut en la dirección, con la película Curvas Peligrosas, codirigida con el periodista húngaro Alexander Esway en 1934. El filme narra la historia de un grupo de ladrones de coches, dos de los cuales se enamoran y quieren abandonar la banda, pese al riesgo de represalias por parte del resto de los miembros. Wilder rodó la película sin demasiado entusiasmo y, según sus propias palabras, lo hizo por necesidad y sin experiencia. Tras su breve paso por la capital francesa, Wilder en 1934 se trasladó a Estados Unidos, junto al actor Peter Lorre. Para entrar en la industria estadounidense, Wilder tuvo primero que aprender el idioma, desconocido hasta entonces para él. Compartió apartamento en estos primeros tiempos con el genial actor Peter Lorre, uno de los personajes que le facilitaron el acceso a los estudios. En el año 1940, Wilder adoptó la nacionalidad americana, lo que le permitió ser coronel del ejército durante la 2º Guerra Mundial. La experiencia adquirida durante su etapa castrense, le permitió recrear fielmente el Berlín ocupado para su película Berlín Occidente (1948). Wilder y Lorre compartieron hambre y momentos muy difíciles durante una temporada. Allí comenzó a trabajar como guionista para la Paramount, y tuvo la ocasión de colaborar con Ernst Lubitsch, su gran maestro. El día de su funeral dijo: "Nos hemos quedado sin Lubitsch. Peor aún, nos hemos quedado sin las películas de Lubitsch".

Sus primeros años en Hollywood los dedica a trabajos como guionista en títulos de directores exiliados como él. Así podemos encontrar colaboraciones suyas en trabajos de William Dieterle, Joe May o Rolf Thiele. En esta época comienzan sus colaboraciones con el escritor Charles Brackett, fruto de lo cual surgieron películas como La octava mujer de Barba Azul (Ernst Lubitsch, 1938), Medianoche (Michael Leisen, 1939), Ninotchka (Ernst Lubitsch, 1939), Bola de fuego (Howard Hawks, 1941), Berlín Occidente (Billy Wilder, 1948) y El crepúsculo de los dioses (Billy Wilder, 1950) último trabajo en común de ambos. El mayor y la menor (1942) film protagonizado por Ginger Rogers y Ray Milland supone el segundo trabajo como director de Wilder, si bien es el primer trabajo del austriaco en Estados Unidos.

Cinco tumbas al cairo primera de las cuatro películas "alemanas" de B. Wilder (Cinco tumbas al Cairo, Berlín-Occidente, Traidor en el infierno y Uno, dos, tres).
Es un film sorprendente por varios motivos: utiliza la comedia e ironía
para tratar un tema trágico como era la II Guerra Mundial y por otra
parte evita el tópico sobre lo tontos y brutales que eran los soldados
nazis, como lo demuestra el hecho de asignar el papel del enemigo
Rommel a un actor como von Stroheim con el objetivo de darle al
personaje cierta grandeza. Con esto Wilder quería manifestar que odiaba
a los nazis pero no a los alemanes y él creía que los oficiales que
estaban en Africa actuaban como alemanes y no como nazis. Stroheim era un mito cinematográfico.

La consagración le llega con el título Perdición (Double Indemnity), 1944. Basada en una novela de James M. Cain, la historia nos presenta a un vendedor de seguros que conoce a la esposa de un posible cliente. Esta pretende liquidar a su marido para lo que cuenta con la ayuda del vendedor, cegado por la pasión que la mujer despierta en él. El título tiene el merito de lo que Raymond Chandler, coguionista del filme junto a Wilder, llamó la cacería, novedad consistente en que el espectador conoce a los culpables desde el comienzo y espera ansioso ver cuando se les atrapa. Durante el rodaje hubo diferencias entre Wilder y Chandler que hicieron a éste último elevar una protesta por escrito a los estudios. Wilder reconocía las diferencias que había entre él y Chandler: "primero estaba mi acento alemán. Segundo, yo conocía mejor las herramientas que teníamos que utilizar. Y, además, yo tenía algo: era joven y salía con chicas guapas. Todo esto lo hacía volverse loco. Me miraba fijamente. Yo encarnaba todo aquello que él odiaba de Hollywood. Además, no podía sobreponerse al hecho de que, en lo que se refería al guión, yo tuviera la última palabra." El éxito del filme fue clamoroso y el mismísimo Alfred Hitchcock mandó un telegrama a Wilder en el que escribía: “Desde, Perdición las dos palabras más importantes en el mundo del cine son Billy Wilder".

El siguiente trabajo de importancia de Billy Wilder le llega con Días sin huella (The lost weekend), 1945. La historia presenta a Don Brinam, fracasado profesionalmente y con una vida sumida en el infierno, debido al alcohol. Todo el rodaje se llevó a cabo en las calles de nueva York, con Ray Milland en el papel principal. El preestreno del filme resultó un total fracaso, por lo que la Paramount decidió archivar la película, golpeando de esa forma muy duramente al cineasta austriaco, pero meses después se reestrenó y el público si respondió. Además, el filme se hizo acreedor a cuatro Oscars de la Academia.
El vals del Emperador no es una película del gusto de Wilder. La rodó porque quiso hacerle un favor a los estudios, que buscaban un argumento para Bing Crosby. Y sin embargo la película tuvo bastante éxito, tanto económico como de crítica. Pese a todo, Wilder la considera dulzona, con excesivas canciones y músicas que interrumpen la historia.La película se rodó en las Rocosas canadienses, y muchos críticos han considerado que en el rodaje Wilder se lanzó a un despilfarro desmesurado. He aquí algunos ejemplos: hizo trasplantar al Canadá varias docenas de abetos crecidos, hizo construir una isla artificial en medio de un lago, hizo importar cuatro mil dientes de león de California y por si fuera poco, después de haber hecho plantar las flores, las hizo teñir de azul, pintó las calles de color ocre, etc… Pero ante estos presuntos abusos hay que aclarar que la película cubrió de sobras sus gastos, y lo más importante es que Wilder actuó de esta forma porque era su primera película en color y su forma de actuar durante el rodaje fue una manifestación de la lucha de Wilder con el color. Al director no le gustan los (primeros) colores: "Todo adquiría el aspecto de una heladería. Incluso el diálogo suena mal en color". Esto explica sus desesperados esfuerzos: cambiar el color de las flores y de las calles, son también el intento para corregir los colores de caramelo y de heladería de las películas en Tecnicolor.
En 1950, Wilder realiza una de sus películas más realistas y duras, El Crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard). La película presenta a un escritor mediocre, Joe Gillis,  que se refugia en la mansión de Norma Desmond, diva del cine mudo retirada del mundanal ruido. Norma pretende que Joe corrija un guión escrito por ella, parea que suponga su rutilante vuelta a la fama. Wilder afirmaría con su habitual franqueza y mordiente: "para mí esa película es Hollywood; el guionista, el agente, la estrella olvidada, todos eran retratos del natural." Louis B. Mayer se lanzó sobre Wilder enfurecido cuando visionó el producto final: "¡Bastardo, ha arrastrado por el lodo a la industria que lo ha convertido a usted en alguien y que le ha dado de comer. Habría que alquitranarlo y emplumarlo y echarlo de la ciudad!”. Wilder permaneció impasible aguantado el temporal y, cuando concluyó, dijo: "Fuck you!". Pero la crítica fue excelente para el filme y lo lanzó directamente al olimpo de las obras maestras. El N. Y. Times escribió: "El Ocaso de una Estrella es una rara mezcla de guión cáustico, interpretación magnífica, dirección magistral y fotografía discretamente artística con la que el público queda hechizado de manera automática y cautivo de un clímax desgarrador". Wilder continuó con sus duras  y realistas críticas en su siguiente trabajo, El Gran Carnaval (Ace in the hole, 1951), trabajo protagonizado por Kirk Douglas, pero que supuso el primer fracaso del cineasta. La década de los 50 resultó extraordinaria para el realizador austriaco. Prácticamente todos sus títulos son imprescindibles para entender la capacidad como autor de Wilder, aunque las películas más redondas de este periodo son El crepúsculo de los dioses (1950), Traidor en el infierno (1953), Testigo de cargo (1957) El año 1954 supone una rebaja en sus ansias de crítica de la sociedad y del ser humano, ya que lleva a cabo el rodaje de una deliciosa comedia: Sabrina, protagonizada por una bellísima Audrey Hepburn, Humphrey Bogart y William Holden. Trata sobre el clásico tema de la Cenicienta y supuso un gran éxito, lo que no evitó que el rodaje estuviera repleto de problemas. Billy Wilder afirmaría al respecto: "Bogart no me podía soportar; tampoco podía soportar su papel y no hacía un secreto de ambas cosas. Hasta entonces, había interpretado sobre todo a tipos duros que llevaban gabardina, que ocultaban sus sentimientos. Se había hecho famoso por su papel de Rick en "Casablanca" y acababa de ganar el Oscar por su papel en “La Reina de África”. Y ahora debía engañar a una muchachita cursi, para quedar, finalmente, a su merced. A él esto no le gustaba". El N. Y. Times declaró: "Sabrina es la mejor comedia romántica de los últimos tiempos". En 1957, Wilder comenzó a colaborar con I.A.L. Diamond para escribir sus guiones, trabajo del que surgieron Ariane (1957), Con faldas y a lo loco (1959), El apartamento (1960), que se convirtió en uno de sus título más populares y en el más galardonado de su carrera, pues logró el premio a la mejor película, mejor dirección y mejor guión. Uno, dos, tres (1961), Irma la dulce (1963), Bésame, tonto (1964), En bandeja de plata (1966),El guión de este film le proporcionaría su última nominación a los Oscar. La vida privada de Sherlock Holmes (1970), ¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre? (1972), Primera plana (1974) y Fedora (1978). Tras Sabrina Wilder llevó a cabo el rodaje de dos comedias muy sensuales: La Tentación vive arriba (1955) y Con faldas y a lo loco (1959). Ambas tienen como protagonista a Marilyn Monroe, de la que Wilder llegó a afirmar: “Existen más libros sobre Marilyn Monroe que sobre la Segunda Guerra Mundial. Hay una cierta semejanza entre las dos: era el infierno, pero valía la pena”. Cuando se le pregunta a Wilder por qué rodó El héroe solitario contesta: "Fue una decisión tonta". El director se encontró con muchas dificultades, por ejemplo con el reparto. En principio se quería a John Kerr, pero rechazó el papel porque no quería interpretar a Lindbergh, considerado simpatizante de los nazis. Al final fue James Stewart el que lo interpretó, entre otras razones por su gran admiración hacia el piloto.  Pero el gran problema para Wilder fue que al ser una historia autobiográfica no se le dejaba margen a él, y el libro de Lindbergh fue un corsé demasiado rígido y estrecho. Según Wilder: "Me hubiera gustado subrayar la soledad de Lindbergh en su vuelo, atribuyéndole una chica en su última noche antes de su despeque en Nueva York. Había pensado una escena en la que un par de periodistas hablan de la aventura tan peligrosa y solitaria que este joven va a emprender. Y durante una cena, mientras se imaginan y piensan que quizás el día siguiente Lindbergh esté muerto sin haber amado a una mujer, se les ocurre la idea de que seguramente sería agradable para él no tener que pasar la última noche completamente sólo con su miedo. Así que convencen a una guapa camarera para que vaya a su casa y pase con él esa noche. La chica va a casa de Lindbergh. Al día siguiente él parte hacia su aventura sobre el océano. Cuando vuelve triunfante, entre la multitud que le aclama está la camarera, pero él no la ve". Esto nunca se pudo rodar porque Lindbergh no lo hubiera admitido, ya que el contrato decía que había que mantenerse estrictamente fiel a la autobiografía. Existe una escena que inmortalizó a Marilyn  y a  La tentación vive arriba: Marilyn encima de un respiradero del metro y con el vestido ascendiendo sobre sus piernas. Wilder dijo sobre la escena: "Cuando rodé con ella la escena de la boca de ventilación del metro tenía la atención del mundo. Se reunieron veinte mil personas, hubo caos de circulación y una crisis matrimonial entre Joe DiMaggio y Marilyn. Reconozco que yo también me habría puesto nervioso si veinte mil personas hubieran estado observando una sola cosa: cómo mi mujer se levantaba las faldas por encima de la cabeza". La película obtuvo un buen resultado positivo en las taquillas, pese a que no fue muy del gusto de la crítica. El segundo trabajo con Marilyn es Con faldas y a lo loco, en la que también participan Tony Curtis y Jack Lemmon. El rodaje con la rubia fue bastante problemático, puesto que llegaba tarde con frecuencia, olvidaba las letras, hasta el punto de tener que repetir una escena 59 veces, pretendió imponer el color en vez del blanco y negro y, para colmo, se negó a perder 10 kilitos de nada para el rodaje, motivo por el cual aparece algo rolliza. Wilder diría sobre ella y su legendaria tardanza: "Sobre la impuntualidad de Marilyn debo decir que tengo una vieja tía en Viena que estaría en el plató cada mañana a las seis y sería capaz de recitar los diálogos incluso al revés. Pero, ¿quién querría verla?… Además, mientras esperamos a Marilyn Monroe todo el equipo, no perdemos totalmente el tiempo… Yo, sin ir más lejos, tuve la oportunidad de leer Guerra y Paz y Los miserables." Este fue el último trabajo de Wilder con la rubia, motivo por el cual afirmó: "Me han preguntado si volveré a trabajar con Marilyn Monroe, y tengo una respuesta clara. Lo he discutido con mi médico, mi psiquiatra y mi contable, y todos me han dicho que soy demasiado viejo y demasiado rico para someterme de nuevo a una prueba semejante.     Irma, La Dulce (1963) se convierte en uno de los mayores éxitos de Wilder. Sus protagonistas son una pareja ya conocida del director: Shirley MacLaine y Jack Lemmon. El filme cuenta una historia de amor entre una prostituta parisina y un policía. La película despertó opiniones desiguales entre la crítica. La Vida Privada De Sherlock Holmes (The private life of S. Colmes, 1970) supone una apuesta personal de Wilder, pero desafortunadamente el filme no alcanzó el éxito deseable, aunque con los años está comenzando a ser reconocida. En 1974, regresa a sus años de duras críticas y polémicas gracias al título Primera plana (Front Page). La película afronta el tema de la pena de muerte y su utilización morbosa por parte de los medios .La crítica no se sintió bien tratada en el filme y, haciendo acopio de corporativismo, no lo calificó bien. Incluso, el propio Wilder no quedó muy satisfecho con el trabajo. Aquí un amigo (Buddy, buddy, 1981) se erige como el último trabajo de Billy Wilder, para el que contó con sus dos cómicos favoritos: Jack Lemmon y Walter Matthau. Las críticas convirtieron al filme en un fracaso, hecho que fue asumido por el propio Wilder.

 

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CINE CÓMICO (1ª Parte – AÑOS 70 y 80)

El género del cine cómico, de vital importancia en los orígenes de la historia del cine, está asociado desde sus inicios con el "slapstick", un invento estadounidense para llevar a la gran pantalla la comedia burlesca, de modo que el actor se implique físicamente con aquello que hace reír al espectador, es decir, produzca la hilaridad del público a través de las acciones de su cuerpo, algo muy apropiado para el cine mudo, donde no se tenía el apoyo de la palabra, sino sólo la gesticulación y la mímica. Se caracteriza por la inclusión de gags, chistes o bromas, tanto visuales como verbales, inicia su andadura prácticamente con el comienzo de este arte. Como género cinematográfico implica que el desarrollo de argumentos se hace en tono jocoso y que por lo general acaben de forma feliz. En él se proponen episodios de la vida cotidiana tocados con la varita del humor o situaciones absurdas de poca credibilidad pero que den juego humorístico.

El cine a partir de los años 70 también cambió, uno de los directores que empezaron a cambiar el estilo de la comedia fue Woody Allen que en 1965 escribió el guión y apareció en un papel secundario en la película ¿Qué tal, Pussycat? (1965), una divertida farsa dirigida por Clive Donner y protagonizada por Peter Sellers, Romy Schneider y Peter O’Toole. Un año después debutó como director en Lili la tigresa (1966), aunque este título es sencillamente una adaptación en inglés de una mala película japonesa con nuevos diálogos escritos por Allen y puestos en boca de los intérpretes nipones.
En 1967 Woody aparecía en la parodia de James Bond, Casino Royale (1967), junto a David Niven, Peter Sellers, Ursula Andress y Orson Welles.

En 1968 rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que también actúa), Toma el dinero y corre. Al comienzo fue difícil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), Después de éste éxito, a Allen no le costó trabajo encontrar algún estudio que siguiera pagando sus películas, en 1970 firma un contrato con United Artists (productora creada por Charles Chaplin), comenzaría a rodar su segunda película Bananas.

Luego filmó El Dormilón (1973) construida como una sátira de las películas y los ideales futuristas, el cineasta neoyorquino evoca ambientes metálicos y situaciones absurdas, haciendo una comedia física (o slapstick) con una banda sonora jazzística compuesta por el propio Allen y su grupo de jazz de la época The New Orleans Funeral Ragtime Orchestra y La última noche de Boris Grushenko  (1975), Es una de las más destacadas comedias tempranas de Woody Allen como director, escritor y actor principal. Se trata de un homenaje/parodia a la literatura rusa, a la que el director neoyorquino tiene mucho cariño. Es una comedia alocada, en la que los personajes se debaten en discusiones filosóficas en los momentos más inoportunos, mezclando un hilarante espíritu humorístico con reflexiones profundamente existenciales.

Los años 80 continuaron ofreciendo importantes películas, entre ellas la bergmaniana La comedia sexual de una noche de verano (1982), siendo ésta la primera ocasión en que trabajó con Mia Farrow y la nostálgica Días de radio (1987). Luego en 1989 dirigió Delitos y faltas punzante, penetrante y mordazmente divertida, Delitos y Faltas es una historia que habla sobre la complejidad de las decisiones humanas y el pequeño microcosmos moral que éstas representan.

Otro de los directores que también me han gustado en cuanto a cine cómico ha sido Mel Brooks el cual no ha hecho una película seria en su vida salvo una de la que ya hablaré. Su entrada en el mundo del cine fue en 1968 con Los productores, siendo el director y el guionista. Da vida a un productor de musicales estafador y a un contable tímido y nervioso que encuentran la más grande estafa jamás creada: producir un musical cuyo fracaso es asegurado de forma de hacer más dinero que con un muscial exitoso. Ganó el Oscar al mejor guión en 1969.

Una de sus parodias más conocidas es sobre el clásico Ser o no ser, la película se llamó en España Soy o no soy, en la que interpreta el actor de teatro polaco que durante la Segunda Guerra Mundial tiene que actuar para salvar su vida y la de varios de los que le rodean en dicha comedia.

Entre sus obras más famosas se cuentan El jovencito Frankenstein (1974) protagonizada por Gene Wilder, Martin Feldman, Peter Boyle, Madeline Kahn, y Gene Hackman. El guión fue escrito por Brooks y Wilder. Es una parodia del cine de terror, en particular de las adaptaciones cinematográficas de la novela de Mary Shelley, Frankenstein, en concreto las producidas por Universal hacia las cuales esta película hace un cariñoso homenaje. Esto se refleja en el hecho de que la mayoría de las piezas del laboratorio son las mismas que las usadas en la película Frankenstein de 1931. Para reflejar más eficazmente la atmósfera de aquellas viejas películas, Brooks rodó la suya en blanco y negro.

Sillas de montar calientes (1974) una vez que la genial producción de Mel Brooks comienza, la lógica se pierde en una tempestad de gags, humor, juegos de palabras, peleas y espectaculares asaltos. Cleavon Little interpretando al nuevo sheriff, Gene Wilder como Waco Kid, el propio Brooks en el papel del necio gobernador y Madeline Kahn protagonizando una brillante parodia de Marlene Dietrich con la que obtuvo una nominación al Oscar de la Academia. De alguna manera, el Viejo Oeste ya nunca será el mismo.

La última locura (1976) para mi esta película es como un homenaje satírico al cine mudo norteamericano, en el que grandes estrellas como Paul Newman, James Caan, Liza Minnelli, Anne Bancroft, Marcel Marceau o Burt Reynolds se autoparodian.

La loca historia del mundo (1981) en esta divertida versión de la historia del mundo, Mel Brooks demuestra que nada es sagrado y ofrece una visión hilarante de lo que realmente ha pasado a través del tiempo. Es una visión irreverente de la evolución de la historia, desde la aparición del primer hombre hasta la Revolución Francesa. La Última Cena es captada a través de los ojos de un atormentado camarero. El Imperio Romano es más alocadamente corrompido de lo que DeMille jamás pudiera soñar. Se divulgan los secretos de la Revolución Francesa. E incluso los ritos tribales del hombre prehistórico.

La loca historia de las galaxias (1987) se trata de una parodia de numerosas películas, principalmente las de La Guerra de las Galaxias, Star Trek, Alien, El planeta de los simios, El mago de Oz, El puente sobre el río Kwai y Acorralado. Escenas miticas como la respiración de Lord Casco Oscuro, el peinado del desierto y decenas mas la convierten en un clasico de la comedia.

Hay otro director que también voy a nombrar porque ha llenado la gran pantalla de comedias muy conocidas como Los cazafantasmas o Los gemelos golpean dos veces, es Ivan Reitman sus primeros éxitos como director fueron las comedias Los incorregibles Albóndigas y El pelotón chiflado, que convirtieron a Bill Murray en una estrella. En 1984, Reitman realizó la exitosa película, Los Cazafantasmas película de 1984 de fantasía con algunos toques de ficción acerca de tres parapsicólogos quienes fueron expulsados de la Columbia University en Nueva York, debido a sus estudios y prácticas poco ortodoxas. Comienzan su propio negocio trabajando como cazafantasmas, e investigando fenómenos paranormales usando tecnología sofisticada para intentar capturar las manifestaciones ectoplasmáticas. La película fue un éxito de taquilla y se registró como la comedia más taquillera de la década.

La secuela de Los cazafantasmas fue titulada sencillamente Cazafantasmas II con el mismo elenco; Dan Aykroyd, Bill Murray, Harold Ramis, Ernie Hudson,Sigourney Weaver, Annie Potts y Rick Moranis, pero donde combatían al espíritu de un antiguo tirano eslavo. La película se estrenó en 1989 pero tuvo menos éxito de taquilla que su predecesora. Además, ha dirigido y producido Los Gemelos Golpean dos Veces, film que introdujo a Arnold Schwarzenegger en los papeles cómicos y ha dirigido también a Robert Redford y Daryl Hannah en Peligrosamente Juntos.

En 1979 y en 1989, por las películas Desmadre a la americana y Los gemelos golpean dos veces en la que Schwarzenegger y DeVito son dos hermanos completamente diferentes, separados al nacer tras un experimento científico fallido, y que desde niños han creído que eran huérfanos. Una vez adultos descubren su verdadero origen y parentesco, partiendo a la búsqueda de su madre biológica… obtuvo el Premio de la Selección del Público.

Luego están por supuesto muchas más comedias:

Bitelchus: personaje creado por el cineasta Tim Burton. Beetlejuice es un difunto que vive en el "No-Mundo", recreación del mundo real según la visión de los muertos. Beetlejuice trabaja precisamente como "exorcista de los vivos", es decir, ayuda a los fantasmas a echar de su hogar, o de cualquier otro lugar, a cualquier ser vivo que les pueda molestar. Este disparatado personaje fue el protagonista de una película con su nombre: Beetlejuice, estrenada en el año 1988, dirigida por su propio creador, Tim Burton, y protagonizada por el actor Michael Keaton, Winona Ryder, Jeffrey Jones, Catherine O´Hara... La película, de un delirante humor negro, fue un gran éxito por aquel año,recaudando solo en Estados Unidos 73 millones de dolares. Para mi una de las películas cómicas que más me han gustado de este director, aunque cuando la vi en el cine era un niño me asustó bastante esta película por los monstruos y fantasmas y recuerdo perfectamente que salí del cine aterrorizado pero mi madre y mi abuela partiéndose de risa, yo no entendía nada…ahora si lo entiendo.

La película narra la historia de una joven pareja (interpretada por Alec Baldwin y Geena Davis) que, luego de adquirir una hermosa casa en las afueras de la ciudad, sufre un accidente de coche en el que mueren, sin ellos sospecharlo. Un matrimonio nuevo, formado por la extravagante escultora Delia y su apocado marido Charles, junto con su hija Lydia, compra la casa y los fantasmas se ven deshauciados contra su voluntad, por lo que, tras descubrir su nueva naturaleza, piden ayuda a Beetlejuice, un desagradable, gritón y chapucero fantasma que tratará de echar a los vivos de la casa utilizando sus poco recomendables métodos.

Los fantasmas atacan al jefe es una comedia de 1988 que moderniza la novela de Charles Dickens, Cuento de Navidad. El film está producido y dirigido por Richard Donner, escrito por Mitch Glazer y Michael O’Donoghue y con Bill Murray en el papel principal. Un alto ejecutivo de una cadena de televisión es un déspota sin sentimientos. Además, odia las Navidades y hace todo lo posible por explotar a sus trabajadores. Un día, se le aparecen tres fantasmas uno del presente, otro del pasado y uno del futuro, que le hacen reflexionar sobre su actual vida.

Aterriza como puedas: Está protagonizada por Robert Hays, Julie Hagerty, Leslie Nielsen, Robert Stack, Lloyd Bridges, Peter Graves, Kareem Abdul-Jabbar y Lorna Patterson, producida y dirigida por Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker. Se estrenó en Estados Unidos el 27 de junio de 1980. Esta es la primera película que este trío dirigió en colaboración. Es una parodia de los filmes del genero de desastres que estuvieron de moda a finales de la década de 1970 (entre ellas la conocida Aeropuerto 75), pero especialmente de la película de 1957 Zero Hour!, a la que parodian casi palabra por palabra. Para poder hacer esto, los productores de Aterriza como puedas compraron los derechos de Zero Hour!.

Mira quien habla: es una divertidísima película que da voz a los pensamientos y preocupaciones de un bebé llamado Mickey, al que nadie excepto el público puede oír. Las situaciones más cómicas se suceden mientras su madre intenta encontrar un papá adecuado para él. Pero Mickey parece tenerlo muy claro, quiere que su papá sea James, un niñero muy especial. Fue protagonizada por John Travolta (James Ubriacco) y Kirstie Alley (Mollie). Bruce Willis interpretó la voz del hijo ilegítimo de Mollie, Mikey. La película también cuenta con las apariciones de George Segal como el cliente de Mollie, Albert, que también es el padre biológico de Mikey. Fue dirigida por Amy Heckerling.

De pelo en pecho, es una película protagonizada por Michael J. Fox que se estrenó en 1985, el mismo año que el gran éxito Regreso al futuro, también protagonizada por Fox. Scott Howard es un chico que va al instituto, y juega al baloncesto en el equipo, aunque nunca han ganado el campeonato. Es un chico un poco inseguro, la chica que le gusta, la típica rubia mala, pasa de él. Sus amigos y él van a una fiesta pero Scott se va a casa porque se encuentra mal; descubre que es hombre-lobo. Al utilizar sus poderes y convertirse delante de sus amigos empieza a ganar partidos y ser la estrella del instituto, pero sus mejores amigos no ven bien este cambio.

Entre pillos anda el juego: Comedia dirigida por John Landis en la que dos hombres de negocios sostienen distintas tesis sobre las condiciones de la naturaleza humana. Para uno es cuestión de genética, para el otro es cuestión de educación. Para corroborar sus teorías hacen una apuesta para lo cual cambian los destinos de dos personas socialmente antagónicas. Parábola social sobre la naturaleza humana y la educación. Una de las mejores comedias de Landis y un excelente ritmo y un reparto muy adecuado.

Loca Academia de Policía es el título de una larga serie de películas de cine de comedia, así como de la primera entrega de la saga. La serie comenzó con la película Loca Academia de Policía (1984), que comenzaba con una historia en la cual la alcaldesa Mary Sue Beal había anunciado una nueva campaña para reclutar personas para el departamento de policía aceptando a todos los reclutas que lo deseen. La película seguía a un grupo de extraños reclutas y sus intentos para probar ser capaces de ser oficiales de policía. El personaje principal, Carey Mahoney (Steve Guttenberg), era un delincuente reincidente que era obligado a unirse a la academia como castigo por sus delitos. La primera película de la serie recaudó 81,2 millones de dólares sólo en América del Norte. El resto de películas de la saga recaudaron unos 150 millones en total.

Superdetective en Hollywood es una película estadounidense del género comedia, dirigida por Martin Brest y protagonizada por Eddie Murphy, la cual fue nominada a un Oscar. La película disparó a Murphy al estrellato internacional donde se consolidó como un actor importante. El film ganó el premio People’s Choice Award en la categoría Película Cinematográfica Favorita (1985) y fue nominada para un premio Globo de Oro por Mejor Película Cinematográfica – Comedia/Musical (1985). La película generó ganancias estimadas en dólares estadounidenses 234 millones en las taquillas, acercándose estrechamente al segundo mayor éxito de 1984 (siguiendo a Los cazafantasmas).

La Gran Aventura de Pee-wee es una película de 1985, dirigida por Tim Burton, y escrita por Paul Reubens, Phil Hartman, y Michael Varhol. La música original de la película fue compuesta por Danny Elfman. La película lleva el subtítulo "La historia de un rebelde y su bicicleta". Pee-Wee tiene una flamante bicicleta roja y blanca que es la envidia de los niños del barrio. Uno de ellos, su vecino Francis, intenta comprársela, pero Pee-Wee se niega. Pero algo terrible ocurre: Mientras Pee-Wee compra una bocina nueva, alguien le roba la bicicleta. En ese momento emprenderá una búsqueda incansable para encontrarla. Obtuvo un sorprendente éxito de taquilla, aunque como era de esperar dejó a la crítica dividida, algo que es normal en el cine de Tim Burton.

La mujer de rojo: Teddy Pierce (Gene Wilder) lo tiene aparentemente todo: una buena esposa, hijos, amigos y un buen puesto de trabajo en una agencia de publicidad. Un día se cruza con una mujer que viste un provocativo vestido de seda rojo. Teddy descubre que la chica es la modelo seleccionada por su agencia para una nueva campaña publicitaria. A partir de este momento, el sueño de Teddy será tener una aventura con ella. "Remake de ‘Un elefante se equivoca enormemente’, de Yves Robert, 1977.

Cortocircuito es una comedia de ciencia ficción de 1986 protagonizada por Ally Sheedy y Steve Guttenberg, y dirigida por John Badham. Está coprotagonizada por Fisher Stevens, Austin Pendleton y G. W. Bailey, con Tim Blaney poniendo la voz al robot Número 5. La historia trata de un robot llamado Número 5. Más tarde toma el nombre de Johnny 5 uno de los cinco prototipos de robots destinados para el uso del Ejército de los EE UU. Durante una demostración de los prototipos en los terrenos de la compañía propietaria de los robots, Laboratorios Nova, en Damon, cae un rayo sobre Número 5 y altera su programa, causando un mal funcionamiento. El robot escapa entonces de los terrenos de la compañía. Número 5 recaba en la casa de una amante de los animales, Stephanie Speck en Astoria, quien inicialmente cree que se trata de un visitante extraterrestre, hasta que se da cuenta de que se trata de un robot fabricado por Nova. Una secuela, Cortocircuito 2, fue realizada en 1988.

Cita a ciegas es una película de 1987 dirigida por Blake Edwards. Walter Davis (Bruce Willis) le da permiso a su hermano, Ted (Phil Hartman) para que organice una cita a ciegas con la prima de su esposa, Nadia (Kim Basinger). El acude con temor y descubre que Nadia es callada y tímida, pero Walter queda encantado con la chica que es un bellezón y los dos experimentan cierta incomodidad el uno con el otro. Sin embargo, según va avanzando la velada, Nadia comienza a beber y no obstante, la chica no tolera el alcohol y cuando bebe, pierde por completo el control y comienza a comportarse de una manera salvaje. Para emperorar la situación, el celoso ex-novio de Nadia y acechador, David, (John Larroquette) provoca más tensión al acechar a la pareja durante toda la noche.

Big: Josh Baskin tiene trece años pero, cansado de que las chicas no le hagan caso y de que sus padres le traten como a un niño, desea ser mayor. Una noche encuentra en una feria una vieja máquina en la que, echando una moneda, puedes pedir un deseo. Como era de esperar, Josh pide ser mayor. A la mañana siguiente, el niño se verá inmerso en un cuerpo de adulto, aunque descubrirá los problemas que conlleva asumir todas esas responsabilidades sin ninguna experiencia previa.

Socios y sabuesos: Scott Turner (Tom Hanks) es un detective de la policía obsesionado por el orden y la limpieza. Su vida cotidiana, aburrida y rutinaria, va a cambiar cuando le toca ocuparse de un caso de asesinato en el que el único testigo resulta ser Hooch; el tal Hooch resulta ser un perro con malas pulgas, desaseado, vulgar y desagradable, sobre todo para el detective. Pronto Turner descubre que hasta ese desharrapado chucho puede también ser el mejor amigo de un hombre como él.

Esta casa es una ruina es una película de 1986 dirigida por Richard Benjamin y protagonizada por Tom Hanks que interpreta a Walter que es un abogado de grupos de Rock and roll. Su pareja Anna trabaja en una orquesta de música clásica. Durante casi un año viven juntos en el apartamento del ex marido de Anna, Max. Pero ahora Max ha vuelto a casa y la pareja tiene que irse. Aunque estén sin dinero saben cómo obtenerlo, y descubren lo que parece una auténtica ganga, una gran mansión a un precio muy bajo. El problema es que ellos desconocen que la casa está prácticamente en ruinas y los esfuerzos para renovarla resultan desastrosos. Finalmente, la decisión de comprar y renovar la casa afecta la relación de la pareja.

Cuando Harry encontró a Sally: Estando en la universidad, Harry Burns (Billy Cristal) y Sally Albright (Meg Ryan) se conocen fortuitamente cuando ella se ofrece para llevarle en su coche en un viaje, entablando ambos una conversación sobre la amistad entre personas de diferente sexo. La charla acaba en discusión, pero entre ellos nace algo "especial". Así pasan los años, convertidos en un hombre y una mujer que se han pasado mucho tiempo intentando averiguar cómo seguir siendo amigos. Sin embargo, Harry tiene una firme creencia: que dos personas de sexo opuesto no pueden ser simplemente amigos; la relación siempre acaba en la cama o en el altar.

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CINE BÉLICO (1ª Parte – AÑOS 70 y 80)

El cine bélico está representado por películas que centran sus historias en guerras. Desde su invención, quedó patente que el cine podía ser un medio que permitiese llegar a grandes cantidades de gente de una manera rápida y relativamente sencilla. Estas cualidades convirtieron el invento de los hermanos Lumière en una herramienta al servicio de los gobiernos y de sus máquinas de propaganda.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los países beligerantes siguieron utilizando la gran pantalla como vía para transmitir a sus tropas y habitantes el devenir de la campaña y conciencia de las necesidades para la victoria en el conflicto. Estos mensajes, generalmente en forma de noticiario, dieron un salto cualitativo en los EE. UU., donde se decidió utilizar el enorme potencial que ofrecía Hollywood, como una gigantesca agencia publicitaria.

En esta época, numerosos actores y directores contribuyeron al esfuerzo de guerra, realizando su trabajo habitual, ya fuese animando a las tropas o realizando documentales o películas que sirviesen para elevar la moral de los estadounidenses. El tipo de cine realizado en aquellos momentos está cargado (de un contenido propagandístico) y en las películas se tiende a mostrar el heroico sacrificio de los militares estadounidenses y sus aliados al hacer frente a las malvadas potencias del eje, enemigas de la paz, la democracia y la libertad.

Tras la guerra, el género bélico pierde su fuerza y no es hasta después de transcurridos unos años, cuando en los 60 una serie de grandes producciones que recreaban las grandes batallas de la contienda vuelven a revitalizar este tipo de cine. Las películas de esta época ya no hacen tanto hincapié en el sacrificio, aunque sí nos siguen mostrando a sus protagonistas como unos héroes convencidos de la bondad de sus creencias y seguros de que están haciendo lo correcto para mejorar el mundo.

Los violentos de Kelly es un película de guerra americana del año 1970, dirigida por Brian G. Hutton, y protagonizada por Clint Eastwood, Donald Sutherland, Telly Savalas, Don Rickles, y Carroll O’Connor. El original argumento de ésta película trata sobre un grupo de soldados americanos cínicos y hartos de la guerra que se embarca en un arriesgado plan para atracar un banco francés repleto de lingotes de oro situado tras las líneas enemigas.

El mayor acierto de esta película, aparte de retratar a un grupo de personajes muy bien definididos (cínicos, buscavidas, pesimistas, o alucinados), radica en una brillante combinación de eficaz puesta en escena, buenas escenas de acción y un corrosivo sentido del humor, desmitificador de la épica que suele rodear las historias del género bélico.

La guerra de Murphy es una película anglosajona de 1971 dirigida por Peter Yates, protagonizada por Peter O’Toole, como Murphy, y ambientada al final de la II Guerra Mundial. El argumento se basó en la novela del mismo título de Max Catto.

La parte del submarino alemán fue rodada con un submarino venezolano, USS Tilefish (SS-307)

Se desarrolla en la última etapa de la Segunda Guerra Mundial. Un submarino alemán (U-boat) hunde el barco donde viaja Murphy, en aguas sudamericanas del delta del Orinoco. Todos los tripulantes se ahogan menos Murphy (Peter O’Toole), y desde ese momento no piensa más que en la venganza hacia los nazis. De esta manera, mientras los alemanes se centran en reparar su submarino, Murphy tiene como único objetivo impedírselo.

Waterloo:Famosa producción de Dino de Laurentiis sobre las guerras napoleónicas, con un extenso reparto de primeras figuras de la época, miles de extras del ejército soviético y dirigido por Sergei Bondarchuk, que dos años antes había conseguido el Oscar a la mejor película extranjera para la Unión Soviética con "Guerra y Paz", adaptación de la novela de Tolstói. Dirigida por el soviético Sergei Bondarchuk y estrenada en 1970. Fue una coproducción soviético-italiana.

La película trata sobre la última batalla de Napoleón Bonaparte (Rod Steiger), la batalla de Waterloo, que significó su caída definitiva tras el periodo de inflexión conocido como los Cien Días.

La cruz de hierro de 1977 trata sobre un escuadrón de soldados alemanes, capitaneados por un duro oficial, lucha por sobrevivir en su enfrentamiento contra el ejército ruso en el frente este durante la Segunda Guerra Mundial. Con guión de uno de los responsables de "Casablanca" (1942), se trata de la única incursión del director Sam Peckinpah en el cine bélico. Defensor de mostrar la violencia como instinto natural del hombre, el fuerte contenido de algunas escenas le hicieron mercedor del apodo de "el sanguinario Sam" con el que fue bautizado. Protagonizada por James Coburn, James Mason, Maximilian Schell, David Warner, Senta Berger y Klaus Löwitch.

El cazador: Pensylvania, en un pueblo de emigrantes lituanos, la vida de un grupo de amigos quedará marcada al marchar tres de ellos al Vietnam. Tras ser capturados son obligados a participar en el macabro juego de la ruleta rusa, a pesar de escapar ninguno logrará superarlo. Hábilmente el director y el guionista Deric Washburn inciden en la pacífica vida de juergas y días de caza del grupo de amigos durante la primera hora la película y las repercusiones del regreso del personaje de Mike Vromsky ( Robert De Niro) como contrapunto y consecuencia respectivamente de la breve, en metraje, pero absolutamente precisa y demoledora descripción de esa máquina de destruir cuerpos y almas que es la guerra.

La ruleta rusa, metáfora de la actitud estadounidense en el conflicto, es tratada con realismo y crudeza, siendo destacable, por supuesto, el último duelo entre Mike y Nick interpretado por Christopher Walken en el que no se sabe si el premio es la vida o es la muerte. Walken ganaría la estatuilla al mejor actor secundario, dentro de un reparto en el que destacan también la bellísima Meryl Streep y el tristemente fallecido John Cazale con un personaje a la altura del patéticamente mítico Fredo Corleone. Sobre todos, claro está, la imponente figura de Robert De Niro, perfecto en el papel de un hombre impermeable aunque completamente destrozado por dentro.

Apocalypse Now es una película bélica dirigida por Francis Ford Coppola en 1979. El guión se basaba en la novela El corazón de las tinieblas (Heart of Darkness) de Joseph Conrad, aunque trasladando la acción a la invasión estadounidense de Vietnam. Ganó dos Oscar, a la mejor fotografía y al mejor sonido, y obtuvo seis candidaturas, al mejor director, a la mejor película, al mejor actor de reparto (Robert Duvall), al mejor guión adaptado, a la mejor dirección artística y al mejor montaje. También fue merecedora de la Palma de Oro del Festival de Cannes de ese año. En 2001 Coppola presentó, también en el Festival de Cannes, un nuevo montaje de la película, ampliada hasta las tres horas y media de duración, con el nombre de Apocalypse Now Redux. Si la primera película se convirtió en una película de culto, la versión de 2001 logró no defraudar a la crítica ni a los antiguos admiradores.

El capitán Willard (Martin Sheen) es enviado a Vietnam a un lugar de la jungla donde deberá localizar y matar al Coronel Kurtz (Marlon Brando), un ex boina verde que ha organizado su propio ejército y se deja adorar por los nativos. A medida que se adentra en la jungla en su viaje por el río, Willard se ve afectado fuertemente por los poderes de la naturaleza, por diversos conflictos bélicos, y por las infecciones y enfermedades. Sus compañeros se encuentran bajo el efecto de las drogas o sus propios miedos. Poco a poco Willard se convierte en un hombre similar a aquél que tiene que matar.

Otra vez, debido a la impopularidad de la guerra de Vietnam, el tema bélico cae, y no es hasta los 80 cuando vuelve a resurgir, al principio con películas más cercanas a la aventura en la que el héroe estadounidense vence en la pantalla como no pudo hacerlo en la selva.

El leon del desierto:Enfurecido y harto por los 20 años de lucha entre los patriotas beduinos y los colonizadores italianos, Benito Mussolini ordena al General Graziani capturar al líder de la resistencia: Omar Mukhtar.

La arrogancia del general imperialista chocará con el idealismo del líder beduino, por lo que, tras la grave derrota de las tropas italianas con un alto balance de heridos y muertos, empieza un reinado de terror en el que las tropas italianas no van sólo en contra de la guerrilla, sino también de la población civil.

A pesar de las duras represalias, la voluntad de los beduinos no flaquea. Desesperados por obtener la victoria y la aprobación de Mussolini, Graziani ordena aislar la población, prohibiendo cualquier entrada de abastecimientos e iniciándose así uno de los cercos más dramáticos de la historia. Protagonizada por Anthony Quinn, Oliver Reed, Irene Papas, Rod Steiger, John Gielgud, Raf Vallone, Andrew Keir y Gastone Moschin.

Evasión o victoria es una película de 1981 sobre un grupo de prisioneros aliados en una campo de concentración nazi durante la Segunda Guerra Mundial. La película fue dirigida por John Huston y protagonizada por Michael Caine y Sylvester Stallone. La película está basada en una presunta fuga en medio de un partido de fútbol. Es por ello, que el film cuenta con grandes figuras del fútbol como Bobby Moore, Paul Van Himst, Osvaldo Ardiles, Kazimierz Deyna y Pelé.

Un oficial alemán visita el campo de concentración de Gensdorff. Un grupo de prisioneros se encuentra jugando al fútbol, y al oficial, que fue jugador antes de la guerra, se le ocurre organizar un encuentro entre una selección alemana y los prisioneros. Los aliados en un principio se niegan, pero comprenden que puede ser una ocasión única para evadirse… por lo que terminan por aceptar el reto.

Acorralado: es la primer película donde aparece el personaje del atormentado veterano de la guerra de Vietnam, John Rambo, protagonizada por Sylvester Stallone como Rambo, Brian Dennehy como sheriff Will Teasle y Richard Crenna como Coronel Samuel Trautman.

Basada en la novela de David Morrell, Primera sangre (1972), la película, que no es del todo fiel a la novela original, fue dirigida por Ted Kotcheff, producida por Mario Kassar y Andrew G. Vajna, y estrenada el sábado 22 de octubre de 1982. John Rambo, antiguo boina verde miembro de las Fuerzas Especiales y con la Medalla de Honor del Congreso, tiene problemas para adaptarse a la vida civil y vagabundea por Estados Unidos; va a visitar a un antiguo compañero de armas y recibe la noticia de que éste ha muerto como consecuencia de los efectos de la guerra. A pocos días, la policía detiene a Rambo por vagabundo y se ensaña con él. Entonces recuerda las torturas que sufrió en Vietnan y reacciona violentamente.

Un pequeño grupo de policías sale en su busca para capturarle, pero son todos eliminados por Rambo, al ser especialista en técnicas de guerrilla. Entonces, el sheriff Teasle decide llamar a la Guardia Nacional. El antiguo oficial al mando de Rambo, el coronel Sam Traumann, advierte a las autoridades del riesgo de intentar capturar a Rambo, dada su experiencia en combate.

Revolución: En 1776 la guerra de Independencia de las colonias americanas contra la metrópoli, Inglaterra, acaba de estallar. Esta contienda es ajena a Tom Dobb (Al Pacino) que, junto a su hijo Ned, de catorce años, se gana la vida comerciando a lo largo del río con su modesta barcaza, constituyendo ésta su única vivienda. Un día, al llegar a los muelles de la ciudad, se encuentra con Daisy McConnahay, hija de un rico comerciante y entusiasta defensora de la causa americana. Azuzados por ella, los miembros del Ejército continental requisan la embarcación de Dobb para transportar tropas, dándole a cambio un "recibo" de dudoso valor. Tentado por las promesas de dinero y tierras, el joven Ned se une a los voluntarios americanos. Ante tal decisión, a Tom sólo le queda alistarse también con el fin de proteger a su hijo.

Rambo: First Blood Part II dirigida por George P. Cosmatos y estrenada el 24 de mayo de 1985, la segunda película de la saga de Rambo. Esta película muestra a Rambo (Sylvester Stallone) liberado de la cárcel (por sus delitos en la primera parte) por una orden federal y encargado de comprobar si en Vietnam aún quedan prisioneros de guerra estadounidenses. La misión parte de la convicción de que Rambo demostrará que la hipótesis de que aún quedan prisioneros es imposible, y el gobierno podrá zanjar la cuestión.

La película contó con un enorme presupuesto, 44 millones de dólares, y resultó un gran éxito. Con una recaudación de más de 150 millones, fue la segunda película más taquillera de 1985 (la primera fue Regreso al futuro). Esta película llamó la atención al entonces presidente Ronald Reagan, que elogió a Stallone por personificar a Rambo como símbolo del ejército de los Estados Unidos.

Fue elegida como Peor Película en los premios Razzie de 1985. También ganó en las categorías de Peor Actor, para Sylvester Stallone, Peor Guión, para Sylvester Stallone y James Cameron, y Peor Canción Original, para Peace in Our Life.

Platoon (1987): ganó 4 Oscar a la mejor película, al mejor director, al mejor montaje, y al mejor sonido. Nominados al mejor guión original, fotografía y actores secundarios (Willem Dafoe y Tom Berenger). 8 nominaciones en 1987 en el Festival de Berlín: Oso de Plata: Mejor director. Oliver Stone aúna su propia experiencia personal como soldado en la guerra de Vietnam, sus dotes de guionista y su innegable talento visual para rodar una brillante y potente película bélica sobre las andanzas de un pelotón americano en la guerra de Vietnam. Aquí Stone se centra en la crudeza de las batallas, y en la lucha interna entre las propias fuerzas americanas representadas por los sargentos Barnes y Elías (dos perfectos Dafoe y Berenger).

Un joven soldado norteamericano es enviado a la frontera entre Vietnam y Camboya para incorporarse a un pelotón que se encuentra allí destacado. Al poco de llegar, descubre la crueldad que supone esta guerra, y no sólo por los duros enfrentamientos con el enemigo, sino por las relaciones entre los propios compañeros.

Salvador: Oliver Stone sigue con su cine comprometido al narrar en "Salvador" la tragedia de las guerras civiles acontecidas en Centroamérica en los años ochenta. Inspirado en un hecho real, este duro drama recoge la experiencia personal de Richard Boyle, reportero norteamericano, durante su estancia en El Salvador en los inicios de la década de los años 80. El fuerte impacto que le causa desvelar poco a poco la cruda realidad que descubre por él mismo, y en la que sin darse cuenta estará cada vez más comprometido, hará que tome partido y llegue a sus propias conclusiones. Protagonizada por James Woods, John Savage, James Belushi, Michael Murphy, Elpidia Carrillo, Tony Plana, Colby Chester y Cindy Gibb.

La chaqueta metálica: película dirigida por Stanley Kubrick que mostraba con un claro mensaje pacifista, su particular visión del conflicto del Vietnam con guión del propio director, ayudado por Michael Herr y Gustav Hasford, el film, que se aposenta en una novela de Hasford denominada "The Short-Timers", se estructura en dos partes bien diferenciadas.

Absorbente y virulento retrato de un campamento de inexpertos marines, centrando la acción en tres caracteres desemejantes: un despótico y detestable instructor (incorporado por R. Lee Erney, antiguo marine en la vida real), un recluta regordete e inadaptado apodado "Patoso" (Vincent D’Onofrio) y el personaje central de la película , bautizado en el pelotón como "Bufón" (Matthew Modine), definido como manifestante concurrente de la locura bélica.

Good Morning, Vietnam es una película dirigida por Barry Levinson. Adrian Cronauer (Robin Williams) es un disc-jockey del Ejército del Aire de EEUU que viaja a Saigón con el objetivo de entretener a los soldados desplegados en Vietnam. En contraste con sus aburridos antecesores, Cronauer es pura dinamita, sus comentarios irreverentes, sus tacos e improperios y sus críticas al vicepresidente, le hacen ganarse el aprecio de las tropas. Al principio todo es diversión, pero poco a poco los jefes se darán cuenta de que sus comentarios a cerca de la guerra no son políticamente correctos.

El imperio del sol es una película de corte bélico, de gran belleza fotográfica y escénica y excelente argumento, producida y dirigida por Steven Spielberg. Está basada en el libro homónimo de J. G. Ballard escrito en el año 1984. La película de realización estadounidense fue estrenada en 1987. Está protagonizada por un entonces desconocido actor Christian Bale.

Es el año 1939, una familia inglesa acomodada vive en un exclusivo barrio de Shanghai (China), la vida es idílica, los empleados chinos mantienen el estándar de vida; sin embargo, todo cambia, la ocupación japonesa obliga a todos los extranjeros a abandonar China por un plazo determinado, expirado este plazo serán considerados enemigos.

La familia tiene un hijo, James (Christian Bale), un chico muy ingenuo pero inteligente que adora los aviones japoneses, y su curiosidad lo mete en más de un problema. La familia tiene que abandonar la ciudad y no sólo pierde sus posesiones durante la toma de Shanghai por los japoneses, sino que extravía a su hijo, James durante el éxodo. Después de pasar muchos periplos James, el hijo perdido, se allega a un par de americanos renegados y de dudosa calaña que van a dar al campo de concentración de Soo Chow, cercano a un aeropuerto militar chino ocupado por los japoneses. El norteamericano renegado muy particular se erige como líder de los anglodescendientes del campo (John Malkovich) y utiliza a James como estafeta. Con el tiempo, James se gana el respeto y reconocimiento de todos en el campo.

Rambo III, es la tercera película de la saga First Blood y la secuela de Rambo: First Blood Part II. Es una película de acción, estrenada el 25 de mayo de 1988.

La película trata sobre Rambo (Sylvester Stallone) en una misión en Afganistán. El Coronel Trautman (Richard Crenna) ha sido capturado mientras trataba de suministrar armas a los Muyahidines afganos para su lucha contra la Unión Soviética. Rambo es enviado para rescatarle, y sólo Rambo es capaz de salvarle de las atrocidades de la ocupación soviética. Con la ayuda de los Muyahidines Rambo rescata a Trautman y elimina a todos los comandos soviéticos de la región.

Bat*21 película bélica basada en hechos reales en la cual un aviador norteamericano cae con su avión en territorio del Vietcong. Sus compañeros tratarán de rescatarlo antes de que lo encuentre el ejército enemigo… y de que la zona sea bombardeada.

Película protagonizada por Gene Hackman, Danny Glover, Jerry Reed, David Marshall Grant, Erich Anderson y Clayton Rohner.

Corazones de hierro es una película estadounidense dirigida por Brian De Palma. Testigo de un crimen brutal durante la guerra de Vietnam, el soldado Eriksson (Michael J. Fox) se ve obligado a enfrentarse al resto de sus compañeros y al sargento Meserve (Sean Penn), un hombre enérgico y carismático desquiciado por el horror y la brutalidad de la guerra. Basada en una historia real contada en un artículo de un periódico americano. La película ayuda a reflexionar sobre el horror de la guerra y la vida de los combatientes, así como también de la propia naturaleza humana ante situaciones límite.

Romero: Interesante filme de protesta social que escarba en la vida y milagros del arzobispo salvadoreño Oscar Romero. Excelente Raul Juliá, un guión muy sólido y una dirección sumamente correcta. En 1977, en vísperas de las elecciones presidenciales de El Salvador, el candidato Ernesto Claramont promete a la multitud que no se repetirán los fraudes anteriores. Al día siguiente, el obispo católico Monseñor Óscar Romero y el padre Rutilio Grande atraviesan el barrio de chabolas de Aguilares, una comunidad en la que van de la mano la pobreza y la opresión gubernamental. Grande ha alertado a su gente para que acudan a votar, y él y Romero observan una comunidad de base que se encrespa desafiante ante la injusticia de la situación. De repente se informa a los dos religiosos que un autobús que transportaba votantes rurales ha sido atacado con armas de fuego. En el lugar de los hechos, el oficial al mando de una compañía de la Guardia Nacional sostiene que ha detenido el autobús para proteger a sus ocupantes de los guerrilleros comunistas.

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CINE CIENCIA-FICCIÓN (1ª Parte – AÑOS 70 y 80)

El cine de ciencia ficción es un género cinematográfico que utiliza representaciones especulativas basadas en la ciencia de fenómenos imaginarios como extraterrestres, planetas alienígenas y viajes en el tiempo, a menudo junto con elementos técnológicos como naves espaciales futuristas, robots y otras tecnologías. El cine de ciencia ficción se ha utilizado en ocasiones para comentarios críticos de aspectos políticos o sociales, y la exploración de cuestiones filosóficas como la definición de ser humano.

 

El género ha existido desde los comienzos del cine mudo, cuando el Le Voyage dans la Lune (1902) de Georges Méliès asombró a su audiencia con sus efectos fotográficos. Desde la década de 1930 hasta la de 1950, el género constía principalmente en películas de serie B de bajo presupuesto. Tras el hito de Stanley Kubrick de 2001: Una odisea del espacio de 1968, el cine de ciencia ficción fue tomado más en serio. A finales de la década de 1970, películas de presupuesto alto con efectos especiales se convirtieron en populares entre la audiencia. Películas como Star Wars o Encuentros en la tercera fase allanaron el camino de éxitos de ventas en las siguientes décadas como E. T.: El extraterrestre (1982). Películas como 2001 una odisea del espacio, Blade Runner y Tron examinaron los peligros de la tecnología avanzada.

Tron fue la primera película de Disney en la que se utilizó la animación por ordemador

En comparación con la década anterior, en los años 1960 hubo relativamente pocas películas de ciencia ficción, pero algunas de esas películas transformaron el género. 2001: Una odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick trajo un nuevo realismo al género con sus efectos visuales innovadores y un retrato realista del viaje espacial además de su influencia al género con su historia épica y sus aspectos filosóficos. Otras películas de la década fueron Fahrenheit 451 (1966) y El planeta de los simios (1968), que proporcionaban críticas sociales, y la extravagante Barbarella (1968), con Jane Fonda, que explorada el lado más infantil de la ciencia ficción.

Durante la década de 1970, gracias a los viajes tripulados a la Luna, resurgió el interés del cine de ciencia ficción. Solaris de Andrei Tarkovsky utilizaba técnicas visuales y comentarios filosóficos que recordaba a la película de Kubrick. Las películas de comienzos de la década exploraron el tema de la paranoia, en el que se representaba a la humanidad bajo la amenaza ecológica o tecnológica de su propia creación, en títulos como THX 1138 (1971), La naranja mecánica (1971), Silent Running (1972) y Almas de metal (1973). Tambíen hubo películas de suspense como Soylent Green (1973) y Futureworld (1976) que es la segunda parte de Almas de metal. En Logan’s Run se representaba a una sociedad libertina que practicaba la eutanasia como una forma de control de población y en The Stepford Wives anticipaba una reacción del movimiento de liberación de la mujer, de cuya película veríamos un remake a modo de comedia protagonizado por Nicole Kidman en Las mujeres perfectas.

La naranja mecánica: En una futurista Gran Bretaña, Alex y sus drugos, una banda de jóvenes delincuentes, salen cada noche para disfrutar de la ‘vieja ultraviolencia’ y saciar su apetito sexual violando a indefensas mujeres. A razón de un pequeño problema dentro de la banda, Alex es traicionado por sus drugos y dejado a merced de la policía, la cual lo lleva a una prisión de alta seguridad donde Alex tiene que pasar una larga temporada. Pero un día se le presenta la oportunidad de acortar su estancia presentándose como voluntario a la nueva ‘terapia de aversión’, con la que se asegura que después de dos semanas la maldad ya no existirá dentro de su ser. Y así es. Es tal la ‘terapia de aversión’ que el pobre Alex, al menor signo de violencia siente nauseas y unas ganas terribles de morirse. Pero la sociedad no ha olvidado, y los muchos crímenes que cometió en su época dorada se cobrarán su venganza.

En 1977 se estrenaron Star Wars y Encuentros en la tercera fase que fueron grandes éxitos en taquilla y trajeron un aumento importante de películas de ciencia ficción. Además, Star Wars ayudó a difuminar la distinción entre géneros de fantasía, ciencia ficción y superhéroes. En 1979, Star Trek: La película trajo por primera vez una serie de televisión al cine. Las películas de Ridley Scott, como Alien y Blade Runner, presentaban un futuro caótico, oscuro y sucio y representaba a los extraterrestres y cyborgs como hostiles y peligrosos. En comparación, la película de Steven Spielberg, E. T.: El extraterrestre, uno de los mayores éxitos de los años 1980, presentaba a los extraterrestres como seres benignos y amistosos. También existen películas en las que los extraterrestres son hostiles llegan e intentan suplantar a la humanidad. Los extraterrestres pueden tener una fuerza abrumadora o aparentemente inofensivos. Alguna de estas películas sobre este tema es La invasión de los ultracuerpos (1978) cuyo film es ya un remake del ya conocido film del mismo título del año 1956.

Las adaptaciones de presupuestos altos de Dune de Frank Herbert y la secuela de 2001, 2010: Odisea dos, fueron fracasos en taquilla lo que disuadió a los productores a invertir en literatura de ciencia ficción. Durante la segunda mitad de la década de 1980, los principales contribuidores del género fueron James Cameron con The Terminator (1984) y Aliens, el regreso (1986) y Paul Verhoeven con RoboCop (1987) película que nunca me ha llegado a gustar personalmente. También se comenzó a utilizar la animación para el género de ciencia ficción, con ejemplos en la película manga japonesa Akira (1988) y la francesa Gandahar (1988).

 

MUCHAS OTRAS PELÍCULAS DEL GÉNERO DE CIENCIA-FICCIÓN

 

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CINE DRAMÁTICO (1ª Parte – AÑOS 70 y 80)

El género cinematográfico dramático siempre plantea conflictos entre los personajes principales de la narración fílmica provocando una respuesta emotiva en el espectador, conmoviendo a éste, debido a que interpela a su sensibilidad. Los problemas de los personajes están relacionados con la pasión o problemas interiores. La temática de este tipo de películas es diversa, pero su eje principal es el amor. Cuando esto último es bastante exagerado, al drama se le conoce por melodrama: En él, los personajes quedan limitados al carácter simplista de buenos o malos. La mayoría de las películas promueven la moralidad como eje central y, por ello, tienen una dimensión didáctica acusada. La presencia de la música y la fotografía acentúan la credibilidad de la obra.

 

El Padrino I es una película estadounidense de 1972 basada en el libro de Mario Puzo y dirigida por Francis Ford Coppola. La película cuenta con actores de la talla de Marlon Brando, Al Pacino, Robert Duvall, Diane Keaton y James Caan, y la historia data de finales de 1945 hasta 1955. Fue escogida como la tercera mejor película en la historia cinematográfica americana (detrás de Ciudadano Kane y Casablanca) por American Film Institute. Posteriormente, fue re-escogida en la segunda plaza tras Ciudadano Kane. Fue la primera de una trilogía completada por El Padrino II (1974) y El Padrino III (1990). Ganadora de tres Premios Oscar en 1973, a la mejor película, mejor guión de Mario Puzo y Francis Ford Coppola y mejor actor para Marlon Brando.

 

Presenta un retrato preciso y profundo de una época y un ambiente, pero sobre todo es una crítica subrepticia a la sociedad norteamericana, las relaciones intrafamiliares, la práctica política y sus esquemas morales tratados sutilmente como trasfondo del guión mediante asuntos relativos al mundo de la mafia, la inmigración, la relación de pareja, los sistemas de dominación familiares, la violencia criminal y su asociación política.

Parte del atractivo visual y estilístico de la obra consiste en la interpretación de la figura de Michael Corleone. En la secuencia inicial de la película Michael se nos presenta con rostro angelical, incluso Coppola emplea filtros especiales que reducen sus arrugas y combinados con la iluminación y el maquillaje nos enseñan un Michael mucho más joven, recién abandonada la adolescencia. El brutal cambio que se opera en su alma cuando asume la herencia de sangre de los Corleone se refleja también en su rostro, que en la última escena es ya el de un hombre maduro, complejo, que mira directamente a los ojos y miente con todo su corazón.

Se ha llegado a criticar al director por ofrecer una imagen demasiado atractiva del mundo de la mafia.

El Padrino II es la continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la sucesión en la familia a cargo de Michael Corleone protagonizado de nuevo por el genial Al Pacino y los orígenes del patriarca, el ya fallecido Don Vito interpretado por un grandioso Robert De Niro, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos donde empezó a hacerse un nombre comenzando desde lo más bajo. Parecía "El Padrino" un film insuperable, pero el maestro Francis, consciente de su estado de forma, vuelve a deslumbrarnos entregando esta segunda parte que a mi modo de ver es muchísimo mejor que la primera parte. Es más compleja en estructura y, sobre todo, moralmente más interesante; narra cómo Pacino comienza un proceso autodestructivo de su familia intentando, precisamente, la salvación de la misma. Al igual que en la primera parte, podríamos hablar de su mítico reparto, de la música de Rota, de la maravillosa fotografía de Gordon Willis… pero la arriesgadísima jugada de Coppola fue alternar, magistralmente, la historia presente y pasada de la familia Corleone. Ya no estaba Brando, pero de Niro realizó una interpretación perfecta. Pacino siguió, por su parte, agrandando su mito como actor y su imperio como Padrino… con un alto precio.

Interiores: es un giro en la carrera de Woody Allen, dejando la comedia a un lado y metiéndose de lleno al melodrama, en un claro ejercicio fílmico que emula a su ídolo, el cineasta sueco Ingmar Bergman. Una familia formada por tres hermanas se ve en el doloroso proceso de la separación de sus padres. Con personajes bien construidos que se relacionan entre sí en espacios bellamente decorados y que en la superficie parecen estar bien, pero es precisamente en este hecho en el que la carga emotiva de los personajes se intensifica.

Se trata, además, del primer film en el que Allen sólo dirige, pero no actúa. A pesar de que fue fríamente recibida, la película obtuvo cinco nominaciones al Oscar. Woody Allen bromea que "es una película para europeos", acostumbrados a un cine más profundo, complejo en temáticas e incluso con un ritmo más lento.

Annie Hall es una excelente película de Woody Allen que significó un giro en su carrera cinematográfica, hasta ese momento marcada por obras de mayor carácter cómico y un contenido y estructura menos elaborado.

Se trata de una de las películass de Woody Allen mejor acogidas por Hollywood (por no decir la única) en toda su carrera ya que obtuvo cuatro premios Oscar a la mejor película, al mejor director, al mejor guión original y a la mejor actriz principal (Diane Keaton) y una nominación para Allen como mejor actor. Fue la segunda vez en la historia en la que una misma persona (Allen) era nominada para tres galardones (director, actor y guión), algo que sólo  había ocurrido hasta ese momento con Orson Welles por Ciudadano Kane.

Alvy Singer (Woody Allen) es un comediante de clubs nocturnos que a los 40 años hace un repaso de su vida tras romper con su última novia, Annie (Diane Keaton). Cuenta sus amores, sus matrimonios y en especial la relación con ella, a la que conoce tras un partido de tenis. Alvy es un tipo especial, algo neurótico, dominado por una serie de obsesiones que acaban por destruir cada una de sus relaciones.

La Rosa Púrpura de El Cairo: Son los tiempos de la Depresión y Cecilia se desloma trabajando como camarera en Nueva Jersey mientras su marido se dedica a hacer el vago. Su única vía de escape es el cine, al que acude una y otra vez para refugiarse de la realidad y soñar con un mundo de champagne, smokings y fiestas elegantes. Una noche, uno de los personajes de su película favorita, La rosa púrpura de El Cairo, se fija en ella y atraviesa la pantalla para conocerla. Interesantísima película, llena de imaginación y sentido del humor al más puro estilo Allen, con un reparto muy acertado Mia Farrow, Jeff Daniels y Danny Aiello para un mítico largometraje.

September: Allen nos introduce en las raíces de la soledad, aunque sea en una casa llena de gente. La protagonista, Lane (Mia Farrow), es una mujer depresiva, solitaria y con problemas económicos. Tras varios intentos de suicidio se ha ido a vivir al campo, a una antigua casa familiar. Tiene como inquilino a un escritor que busca tranquilidad para su novela. Uno de sus vecinos, un hombre maduro y viudo, está enamorado de ella, pero Lane cree tener futuro con el escritor. Este por su parte sólo se fija en una amiga de Lane, que está momentáneamente separada de su marido. Cuando están a punto de terminar las vacaciones y se acerca septiembre, llegan a la casa la madre de Lane y su actual marido. La tensión a la que se siente sometida Lane, centro de atención por sus problemas y catalizador de las relaciones entre los demás personajes, la hará replantearse nuevamente sus prioridades y su propia existencia.

Recuerdos cuenta la historia de Sandy Bates, director de cine especializado en comedias, asiste a una retrospectiva sobre su obra en un hotel de la costa. Mientras a su alrededor todo el mundo quiere conocerle y colmarle de halagos, Bates se refugia en su interior para repasar los instantes más significativos de su vida sentimental y buscar un sentido a su papel dentro de un mundo que cada vez le resulta más extraño e inhóspito.

Otra mujer: El escritor y director Woody Allen nos trae un poderoso drama, en el que nos muestra a una experta profesora de Filosofía que se encuentra a punto de conocerse a sí misma. Haciendo gala de un espectacular reparto, película estilísticamente rica y técnicamente perfecta, transcurre entre pasado y presente, diálogo y narración, realidad y metáfora, para conseguir una lucidez y composición prácticamente desconocidos en el cine americano. Inteligente, preparada y felizmente casada, Marion considera su vida plenamente llena… hasta que un casual encuentro con una turbadora desconocida le ofrece una breve pero desgarradora oportunidad para vislumbrar su propio vacío. Vagando a la deriva en un matrimonio sin amor y negando sus sentimientos por otro hombre, Marion queda conmocionada cuando conoce la infidelidad de su marido. Asumiendo esto como la señal definitiva para cambiar su vida, Marion se enfrenta entonces a toda la verdad de sus necesidades emocionales… y a la temible intensidad de una pasión que ha ignorado durante demasiado tiempo.

Alguien voló sobre el nido del cuco es una película basada en la novela One Flew Over the Cuckoo’s Nest de Ken Kesey. La película, dirigida por Milos Forman cuenta con interpretaciones del grandioso y magnífico Jack Nicholson como Randall McMurphy y Louise Fletcher como la temible enfermera jefe. Cabe destacar apariciones de actores ya muy conocidos algunos secundones y otros no tanto como es el caso de Danny DeVito con pelo y todo en la cabeza, un magnífico Christopher Lloyd y un desconocido Vincent Schiavelli.

El graduado: película basada en la novela del mismo nombre de Charles Webb. Ganó un Oscar y obtuvo seis nominaciones, entre ellas la de Dustin Hoffman como mejor actor. Benjamin (Dustin Hoffman) acaba de graduarse de la universidad y vuelve a casa a pasar unas vacaciones. El matrimonio Robinson, amigos de sus padres desde hace años, se interesa por él. El marido quiere que salga con su hija Elaine (Katherine Ross), mientras que su esposa, la señora Robinson (Anne Bancroft) desea tener relaciones sexuales con él. Después de encontrarse varias veces con la señora Robinson, quien le prohíbe ver a su hija, Benjamin se enamora de Elaine. Cuando todo sale a la luz, Benjamin se encuentra solo y abandonado. Aun así, lucha para ver a Elaine y expresarle sus sentimientos.

La banda sonora de esta película está compuesta por canciones del dúo Simon and Garfunkel que fueron compuestas por Paul Simon. La mayoría de las canciones ya habían sido publicadas anteriormente, menos el éxito "Mrs. Robinson" que fue escrito para la película.

Cowboy de medianoche es una película basada en la novela del mismo nombre de James Leo Herlihy. Un relato ácido y desesperado de dos jóvenes que intentan salir de su condición de marginados. La banda sonora incluye la canción "Everybody’s Talking" de Harry Nilsson. El filme ganó tres Oscar, a la mejor película, al mejor director, y al mejor guión adaptado, y obtuvo otras cuatro nominaciones, al mejor actor principal (Jon Voight), al mejor actor principal (Dustin Hoffman), a la mejor actriz de reparto (Sylvia Miles), y al mejor montaje. Además és la única película con calificación X que ha conseguido el Premio Oscar a la mejor película. Un jóven tejano viaja a New York para hacer fortuna como gigoló. Vestido de Cowboy intentará vivir de sus artes amatorias con mujeres adineradas de la ciudad. Sin embargo los sueños del autoproclamado “vividor”, se toparán con una cruda realidad que terminará compartiendo con un ladronzuelo de poca monta al parecer enfermo de tuberculosis.

Acción ejecutiva antecedente de la teoría de la conspiración de JFK (1991) de Oliver Stone, en esta fábula política se intenta elaborar una versión de cómo fue realmente el asesinato de Kennedy. Lo más relevante del asunto consiste en el guión de Dalton Trumbo, célebre por ser encarcelado durante la "Caza de Brujas" en los años 50 y ganador de dos Oscar por Vacaciones en Roma (1953) y El bravo (1956), aunque no pudo ser acreditado en ninguno de ellos por ser un proscrito en Hollywood.

 

Rodada en forma de docudrama, utilizando imágenes de archivo, fue una de las películas políticas en las que intervino Burt Lancaster, siempre dispuesto a causas liberales como el apoyo a los derechos civiles, concienciación contra el racismo y apoyo incondicional al Partido Demócrata.

Agnes de Dios cuenta la historia de Jennifer Tilly una monja que asegura haber sido visitada por Dios, y haberse quedado posteriormente embarazada. Fonda es una psiquiatra que decide investigar los misteriosos asuntos del convento para llegar al fondo del asunto, descubriendo unos secretos donde el asesinato parece no ser el único pecado. Película nominada a tres oscars de mejor actriz (Anne Bancroft), mejor actriz secundaria (Meg Tilly) y mejor banda sonora.

Alicia ya no vive aquí: Alice Hyatt, casada con un repartidor y madre de un rebelde hijo de once años, lleva una vida mediocre en Socorro (Nuevo México). Un día, conversando con su confidente y vecina, recibe la noticia de que su marido ha fallecido en un accidente de tráfico. A partir de ese instante se plantea cambiar totalmente de vida y, tras vender sus escasas pertenencias, se pone junto a su hijo camino de Monterrey (California), su tierra natal y el único lugar donde Alice puede convertir el sueño de su vida en realidad: continuar con la carrera musical que llevaba antes de casarse. La vida en la carretera le hará plantearse lo que ha sido por ahora su vida y lo que le queda, y si debe dejar de lado sus deseos para poder seguir criando a su hijo. Pelicula dirigida por Martin Scorcesse

Amadeus es una película estadounidense del año 1984 dirigida por Milos Forman, donde se narra la vida del compositor austriaco Wolfgang Amadeus Mozart desde el punto de vista de su más conocido enemigo, el también compositor Antonio Salieri. La película está basada en el guión escrito por Peter Shaffer, basado en su propia obra de teatro "Amadeus". La película cuenta la increíble historia de Wolfgang Amadeus Mozart, contada a través de flash-back por su mayor enemigo, Antonio Salieri (F. Murray Abraham).

 

 

 

En la película vemos los momentos más importantes en la vida de Mozart: la competitividad con Salieri, su matrimonio con Constanze Weber (Elizabeth Berridge), sus apuros económicos, la etapa de óperas bufas, el Don Giovanni dedicado a su padre…

 

Bajo el fuego: El famoso fotógrafo Russel Price (Nick Nolte) se encuentra en la Nicaragua de 1979 para realizar un reportaje sobre la guerra civil contra el presidente Somoza. Le cuesta informar con neutralidad a la vista de la crueldad de la lucha de la población civil contra el ejército. Cuando la guerilla le encarga una fotografía de uno de sus líderes, del cual se dice que está muerto, Price se ve involucrado en los acontecimientos. Tiene que ocultarse para que no le encuentre el ejército. Fue tremendamente polémica al ser estrenada en 1983, cuando Nicaragua era punto de atención permanente de la política exterior norteamericana después de que Alexander Haig trazara la famosa raya en el mapa de Panamá para señalar "hasta aquí llega nuestra zona de seguridad" y que convirtió la región en escenario preferente de operaciones encubiertas y no tan encubiertas en apoyo de antiguas fuerzas somozistas reconvertidas en batallones contrarevolucionarios (‘contras’), con el fin de derrocar a las nuevas autoridades sandinistas establecidas en Managua y evitar así que su experiencia inspirara a las naciones vecinas.

 

Es sin duda la mejor película de Roger Spottiswoode, un realizador que después se perdería entre títulos comerciales que aportarían poco a su filmografía pero que en esta ocasión nos ofreció una obra que gana en intensidad según se va desarrollando la trama y que mantiene el interés de principio a fin ayudado por una impresionante banda sonora compuesta por Jerry Goldsmith.

Carros de fuego: En Gran Bretaña, en el año 1920, Harold Abrahams y Eric Lidell estaban hechos para correr. No sólo una razón les llebaba a correr más rápido que ningún otro hombre. Sus motivos eran tan diferentes como sus pasados; cada uno tenía su propio Dios, sus propias creencias y su propio empuje hacia el triunfo.

El club de los poetas muertos ganó un Oscar al mejor guión original y cuatro nominaciones, incluyendo mejor película y mejor actor (Robin Williams) es un drama universitario en el que un grupo de alumnos de un estricto colegio privado descubrirán la poesía, el significado de "Carpe Diem" -aprovechar el momento- y la importancia de perseguir los sueños gracias a un excéntrico profesor de métodos poco convencionales que les despierta las mentes. Excelente guión, espléndidamente interpretada por Robin Williams. Es una de las primeras películas en la que vi como protagonista a Williams sin tener que protagonizar ningún perosnaje cómico sino dramático.

Rain Man es uno de los mejores dramas protagonizado por Dustin Hoffman, con la interpretación también de Tom Cruise el cual no llega a las suelas de los zapatos del genial Hoffman el cual obtuvo un Oscar y un Globo de Oro por su increíble interpretación, quizá la más difícil de su deslumbrante carrera.

Charlie Rabbitt (Cruise), un joven sin corazón, espera recibir una considerable herencia tras la muerte de su padre, del que estaba distanciado. Sin embargo, alguien a quien Charlie no ha tenido en absoluto en cuenta, su hermano mayor Raymond (Hoffman), recluido en una institución médica, recibe toda la fortuna en el testamento.

Raymond en un "autista" con capacidad mental limitada en algunos aspectos, pero con dotes de genio en otros. Charlie le secuestra y durante el largo y accidentado trayecto en coche de regreso a Los Angeles, ambos aprenden mucho sobre la vida. Los hermanos van superando la desconfianza mutua y forjan una profunda relación a medida que comparten dolorosos recuerdos, los problemas del presente y la posibilidad de un brillante futuro juntos.

Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert De Niro. Esta cinta narra las peripecias de un ex-combatiente de Vietnam, Travis Bickle (Robert de Niro), quien comienza a trabajar como taxista en la ciudad de New York, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. Esta gran película obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes y es hoy considerada como una de las mejores de su década. En su reparto también figuran Harvey Keitel, Cybill Shepherd, una destacada Jodie Foster, con solo catorce años.

La fuerza del cariño cuenta la historia de una madre y su hija atraviesan por todo tipo de momentos; buenos y malos, tiernos y crueles, se enfrentan y se aman, en una comedia melodramática que, gracias a un brillante guión que evoca tanto lágrimas como sonrisas -todas muy calculadas pero efectivas-, consiguió un apabullante éxito de taquilla, crítica y público. Ganó cinco Oscars a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz (Shirley MacLaine), al mejor actor secundario (Jack Nicholson), y al mejor guión adaptado y obtuvo seis otras nominaciones, al mejor actor de reparto (John Lithgow), a la mejor actriz principal (Debra Winger), a la mejor dirección artística, a la mejor música, al mejor montaje, y al mejor sonido. Luego en los 90 se rodaría una segunda parte con MacLaine interpretando el mismo personaje.

Randle McMurphy cumple una larga condena en una granja-prisión y se las ingenia para ser trasladado a una institución psiquiátrica. Una vez allí, avisado por el resto de los pacientes sobre los tiránicos métodos de la enfermera jefe, Randle decide declarar la guerra a la señorita Ratchel. Tras una explosión de cólera de Randle, le aplican un tratamiento de electroshock. Pero para entonces ya se ha ganado a los internos…

Toro Salvaje narra la historia de Jake la Motta un joven boxeador que se entrena duramente, ayudado por su hermano y manager Joey, para convertirse en el número uno de los pesos medios. Pero sus complejos psicológicos y sexuales le llevan a manifestar su agresividad tanto dentro como fuera del ring. En medio de esta tormenta interior se encuentra su hermano, convertido en víctima de la enfermiza paranoia y los celos de Jake. Pronto consigue ver hecho realidad tan ansiado sueño, pero el triunfo y el éxito convierten su vida en una pesadilla. Por un lado, su matrimonio cada vez marcha peor debido a sus salidas nocturnas con otras mujeres; por otro, la mafia le presiona para que amañe combates. Película ganadora de dos Oscars al mejor actor (Robert De Niro) y al mejor montaje.

El color púrpura es una película que nunca me llegó a gustar por mucho que la dirigiera Steven Spielberg en el año 1985. La historia se centra en la vida de Celie, una joven muchacha de color, a principios del siglo XX. Celie tiene 14 años y esta embarazada de su propio padre. Partiendo de este momento, así se cuenta su difícil existencia durante treinta años más, El padre de Celie la vende a un hombre el cual la maltrata y la tiene esclava durante la mayor parte de su vida, en los que es separada de su hermana Nety, que es llevada a África.

Aquí podemos destacar las actuaciones de una aun desconocida (al menos para mi) Whoopi Goldberg descubierta por Steven Spielberg en este film, dando a conocer a todo un portento y genio del arte dramático. Nominada al Oscar y galardonada con el Globo de Oro por este papel, entre otros premios y a otro desconocido Danny Glover, como el marido maltratador.

Magnolias de acero es una comedia dramática coral que refleja una historia cotidiana, de amores y desamores entre un grupo de amigas en una pequeña ciudad norteamericana. En el centro de este grupo está Shelby Eatenton, recientemente casada y felizmente embarazada, sino fuera por el hecho de que su diabetes puede hacer peligrar la vida de su hijo. Ante esta posibilidad, ella busca el refugio en sus amigas. Cabe destacar un gran reparto en el cual aparecen Sally Field, Julia Roberts, Daryl Hannah, Dolly Parton, Shirley MacLaine, Janine Turner, Tom Skerritt, Kevin J. O’Connor, Jonathan Ward, Sam Shepard. Es una obra de teatro de gran éxito que fue llevada al cine por Herbert Ross, especialista en adaptar obras de Broadway.

Barry Lyndon es una película dirigida por Stanley Kubrick en el año 1975, y protagonizada por Ryan O’Neal y Marisa Berenson. Está basada en la novela del mismo título de William Makepeace Thackeray. Ganó cuatro Oscar, a la mejor dirección artística, a la mejor fotografía, al mejor vestuario y a la mejor música, y fue nominada a tres, a la mejor película, al mejor director y al mejor guión adaptado.

Redmond Barry (Ryan O’Neal) es un joven irlandés, decidido a convertirse en un hombre rico e importante. Se alista en el ejército británico y participa en la Guerra de los Siete Años en el continente europeo. Pronto deserta y se pasa al ejército prusiano, donde le convierten en espía. Después conoce a un caballero que se dedica al juego, y que le enseña el arte de las cartas. Barry usa todas las estratagemas y mentiras para subir en la escala social y se casa con Lady Lyndon (Marisa Berenson), una rica condesa. Adopta ese nombre y como Barry Lyndon se establece en Inglaterra, siendo un hombre rico e influyente. Sin embargo, con el tiempo su fortuna cambiará, por el intentar poseer un titulo de nobleza, cual su esposa tiene.

Uno de los nuestros: Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, es testigo de la vida de poder, honor y respeto que llevan los gangsters que habitan en su barrio, en una zona de Brooklyn donde son mayoría los emigrantes, y que está bajo la protección del patriarca de la família Pauline, Paul Cicero. Henry, a sus trece años de edad, desistirá de seguir yendo a clase, y fascinado por tal vida mafiosa, entrará a formar parte de la organización, comenzando por ser un mero chico de los recados para ir ascendiendo de posición a medida que fortalece la confianza que en él depositan los integrantes del hampa local, como el irlandés Jimmy Conway o el italoamericano Tommy de Vito, adentrándose cada vez en negocios más turbios. Ganadora de un Oscar al mejor actor secundario (Joe Pesci)

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CINE DE TERROR (1ª Parte – AÑOS 70 y 80)

El cine de terror es un género cinematográfico que se ha caracterizado por provocar en el espectador unas sensaciones de pavor, miedo, disgusto, repugnancia (aunque la repugnancia se la dejaría al género gore) u horror. Sus argumentos frecuentemente desarrollan la súbita intrusión en un ámbito de normalidad de alguna fuerza, evento o personaje de naturaleza maligna, a menudo de origen criminal o sobrenatural.

El cine de terror se basa de la literatura de las supersticiones o de leyendas tradicionales, así como de temores y pesadillas nacidos de contextos socioculturales mucho más actuales y precisos. Por una parte, de la novela de terror, nacida en la segunda mitad del siglo XVIII; por otra, de la tradición oral del cuento de miedo, ampliamente desarrollada en las sociedades rurales de todas las culturas. De aquí, en último término, surgirán los elementos y personajes básicos utilizados en las películas de este género: los vampiros, el hombre lobo, los monstruos, fantasmas, brujas, zombis, así como las desdichadas réplicas humanas, a lo Frankenstein.

Otras señas de identidad del género son un uso muy particular de la iluminación, que muchas veces tiende a inspirarse en la pintura romántica alemana del siglo XIX, la cual se caracteriza por el recurso frecuente al claroscuro, a los contrastes de colores y los tonos penumbrosos, efectos muy apreciables en el cine expresionista de los primeros años (Murnau, Fritz Lang). Los espacios o escenarios más visitados serán la noche, la casa abandonada, el castillo, las ruinas, el laboratorio lúgubre, el bosque o el erial sombrío, el jardín decadente, que han terminado conformando un catálogo de "lugares" comunes. Asimismo, nunca debe faltar una banda sonora densa y sugerente (El resplandor, Psicosis, Tiburón…), junto a unos escalofriantes efectos de sonido (El exorcista, Alien, Drácula de Coppola…).

El público se siente atraído hacia este tipo de películas precisamente por los estímulos emocionales novedosos e intensos que recibe, es decir, lo insólito-escabroso inscrito momentáneamente en la rutina diaria. Los efectos fisiológicos que experimenta el espectador horrorizado en su butaca incluyen fuertes subidas de adrenalina, con dilatación de pupilas, aceleramiento cardíaco y respiratorio, y sudor frío, todo lo cual por lo común se cierra con un desahogo final, en el cual, de acuerdo con el remate que haya tenido la historia, reinará el consuelo o el desconsuelo.

El motor sensacionalista en estas películas es, en muchos casos, la exhibición de la crueldad, humana, bestial o sobrenatural, como representación del Mal, en cualquiera de sus muchas variantes, y esto explica que la gran competencia comercial en esta industria haya generado una escalada indiscriminada de contenidos truculentos en el género a lo largo de los últimos años.

Aparte del Mal y muy ligado a él, lo oculto o misterioso, como es lógico, define también al cine de terror como género, y lo hace tanto en el plano arquetípico como en su desarrollo escenográfico. Lo oculto sugerido sirve tanto para referirse a la temática del cine de terror (lo oculto del inconsciente criminal, lo oculto de los monstruos siempre escondidos en las entrañas de la sociedad, lo oculto de nuestras tendencias y deseos más inconfesables…), como a su caracterización y puesta en escena, a veces tendente, como en el suspense, a escatimar información al atribulado personaje, información ya conocida por el público, que, impotente en su butaca, espera angustiado acontecimientos. Otras veces se procede a la ocultación y sugerencia a través de la exacerbación engañosa del decorado, de la manipulación de la fotografía, del maquillaje, etc., o por medio de la más pura y simple privación de los elementos implicados, como en la técnica del fuera de campo (la escena terrorífica transcurre fuera del objetivo de la cámara, la cual se centra en sus aledaños; el espectador únicamente "la escucha" o imagina); la interposición del personaje entre la cámara y el elemento terrorífico, etc.

A principios de los años setenta encontramos dos ejemplos muy notables: El exorcista (William Friedkin, 1973), considerada por muchos críticos la película más terrorífica de la historia del cine, y la técnicamente magistral Tiburón (1975), de Steven Spielberg. El exorcista es una de las pocas películas del género que tuvo una buena acogida por parte del público, hasta el extremo de llegar a convertirse en un fenómeno cultural.

Probablemente, buena parte de su éxito se sustenta en la austeridad y realismo de la historia, así como en la dicotomía que en ella se plantea entre la ciencia y el laicismo contemporáneo, por un lado, y formas de creencia y religiosidad con carácter terrible aparentemente ya superadas. Inspirada en un supuesto hecho real, consiguió dos Oscar y cuatro Globos de Oro. Muchos años después, se reestrenó en cines con un nuevo montaje, que incluía escenas descartadas; a destacar la de la niña bajando las escaleras a cuatro patas con el torso del pecho hacia arriba y espalda hacia abajo como si de una araña se tratase (espeluznante totalmente)

En 1977 apareció una secuela llamada Exorcista II- El Hereje, misma que no tuvo éxito en taquilla, y que fue considerada como una pésima película, con una trama y diálogos ridículos en demasía y que creo qu eni merece la pena que recordemos ni quemencionemos.

En 1990, un tercer capítulo fue traído de la mano del mismo William Peter Blatty, creador de la original, basándose ésta vez en su novela Legión. (cual fue la verdadera secuela de el exorcista, con la historia del Padre Dyer y el Teniente Kinderman, y el reencuentro con quien creían muerto: el Padre Karras) Para William Peter Blatty la secuela a esta pelicula seria "The Ninth Configuration", llamada aquí El Exorcista III dirigida por él mismo en la que se cuenta la historia del astronauta amigo de la madre de Regan.

En 1990 salió una película llamada Repossessed (Reposeida), que aunque no es una continuación de la saga, es figurativamente un cuarto capítulo de la historia, ya que es una comedia con la misma secuencia del exorcista donde el actor Leslie Nielsen interpreta al cura que exorciza, y la misma Linda Blair es la poseida, pero ya siendo una mujer casada y con hijos, no se le puede considerar directamente un cuarto episodio puesto que el nombre del personaje de la protagonista no es el mismo que en la original (Nancy Aglet).

Una nueva veta explotada por el terror en esta década fue la de los poderes paranormales. El gran precedente en dicho terreno fue el filme

Carrie (1976) película estadounidense dirigida en 1976 basada en la novela de terror de Stephen King del mismo título. Carrie es una adolescente marginada por la influencia perniciosa de su madre –una esquizofrénica con una fuerte obsesión por su propia interpretación de lo bíblico- que la hacen el blanco de burlas en el colegio, ya que no entienden ni su timidez ni su ignorancia. Un acontecimiento para ella traumático –su primera menstruación ocurrida en las duchas, seguida de la burla impiadosa de sus compañeras- desencadena también el desarrollo progresivo de sus poderes telequinéticos, que estallan en todo su esplendor al final de la película, con la realización del baile de fin de año. El personaje está encarnado como una víctima que termina victimizando a su entorno, debido a un complot que corta de cuajo toda reconciliación de Carrie con un mundo “normal” en el que había empezado a depositar sus ilusiones. La película fue dirigida por Brian De Palma, quien posteriormente incursionó en el terror psicológico con Vestida para matar (1980).

La mixtura de terror y ciencia ficción transitada en literatura por Lovecraft, reaparece con la excelente Alien (1979), de Ridley Scott, que narra la terrorífica lucha contra un monstruo extraterrestre indestructible a bordo de un carguero espacial. El filme dio origen a varias secuelas de calidad irregular.

Los años 80 estuvieron acaparados por los seriales de "terror adolescente", cintas sin grandes pretensiones artísticas aunque sí económicas, dirigidos a un público muy determinado. Esta modalidad sigue abarrotando salas en nuestros días. En 1980, se estrenaría Friday the 13th (en España y países hispanohablantes traducido como Viernes 13), de Sean S. Cunningham, arranque de una saga de películas en las que el gestor terrorífico es un salvaje asesino que actúa en la oscuridad. De 1984 es la primera entrega de Pesadilla en Elm Street, firmada por otro especialista, Wes Craven. La precursora de la modalidad había sido Halloween (1978), de John Carpenter, director igualmente muy proclive al género.

La serie Creepshow, de Stephen King y George A. Romero, pertenece también a esta época. Otros filmes interesantes: La cosa (1982), de John Carpenter; Re-animator (1985), de Stuart Gordon; Hellraiser (1987), de Clive Barker. El canadiense David Cronenberg acertó nuevamente de lleno con La mosca (1986, remake de una gran cinta de los años 50 protagonizada por Vincent Price), y con Inseparables (1988). Visualmente muy poderosa, la película de zombis Terroríficamente muertos (1987), de Sam Raimi. Cerraría esta década una de las mejores adaptaciones sobre la obra del novelista Stephen King: El cementerio viviente, de Mary Lambert (1989).

No deben olvidarse otros grandes hitos del cine de terror de calidad surgidos en el último tercio del pasado siglo: La semilla del diablo (1968), de Roman Polanski, La matanza de Texas (1974), de Tobe Hooper, La profecía (1976), de Richard Donner, El resplandor (1980), de Stanley Kubrick, Poltergeist (Tobe Hooper, 1982), Videodrome (David Cronenberg, 1983), etc…

Una de las películas de terror que más marcó mi infancia (y eso que no es que fuese apta para todos los públicos) fue Poltergeist – Fenómenos extraños, la primera vez que vi esta película pasé mucho miedo, sobre todo el mirarme en un espejo no fuese que se me callese la carne a trozos como en la película. Steve y Diane Freeling forman un matrimonio con tres hijos que, de repente, se ven envueltos en el centro de un aterrador fenómeno extraño. La primera en darse cuenta de la situación es la hija pequeña, Carol-Anne, que una noche baja al salón y se acerca a la pantalla de televisión. En ese momento siente la presencia de una fuerza misteriosa detrás de la pantalla. Es a partir de entonces, cuando se desencadenan extraños sucesos que culminan con la desaparición de la pequeña Carol-Anne.

Al parecer la casa había sido construida sobre un cementerio, se suponía que los cadáveres serian re-enterrados en otra parte, pero lo único que hicieron fue, mover las lápidas.

Poltergeist fue estrenada el 4 de junio de 1982 e inmediatamente se convirtió en una de las mejores películas de terror de la década, y tal vez de todos los tiempos. Basada en un episodio de la serie Twilight Zone, llamado "Pequeña niña perdida", Poltergeist hizo que todos lo pensaran dos veces antes de ver la imagen de la estática en televisión.

El filme Poltergeist estuvo a la vanguardia en su época. Fue una producción gigantesca, llena de efectos especiales, que capturó la imaginación de todo tipo de audiencias.

Otra película que me dió escalofrios fue Al final de la escalera en la cual una noche, el compositor John Russell se despierta bañado en sudor como consecuencia de una pesadilla, y vuelve a oír el extraño ruido procedente de una de las habitaciones del piso de arriba. Desde la terrible muerte de su familia, John ha estado viviendo en esa casa solitaria a la que se trasladó con la esperanza de recuperar la paz interior, pero paz es algo que no ha hallado, pues en numerosas ocasiones ha creído ver el cadáver de un joven. Cuando empieza a creer que ha perdido el juicio, registra la casa y descubre una entrada secreta a un antiguo cuarto infantil olvidado desde hace mucho, donde encuentra una silla de ruedas y una caja de música. John siente que allí ha sucedido algo terrible e intenta establecer contacto a través de un médium. La siniestra sesión de espiritismo revela que un espantoso crimen ha quedado sin vengar.

Una de las escenas que se me quedó grabada de esta película es cuando el protagonista tira una pelota no sé si a la basura o a una alcantarilla y en un momento dado en la casa escucha un ruido de algo y cuando se acerca a la escalera ve esa misma pelota bajando por las escaleras

La Profecía es una película de terror de 1976 dirigida por Richard Donner y protagonizada por Gregory Peck, Lee Remick, David Warner, Harvey Stephens, Billie Whitelaw, Patrick Troughton, Martin Benson, y Leo McKern. Está basada en una novela de David Seltzer. La película narra la historia de Damien, un niño que fue adoptado por un embajador de Estados Unidos al momento de nacer. La familia de Damien ignora que él es el hijo de Satanás y está destinado a ser el anticristo.

¿No os recuerda la portada a algo COPIADO?, pues si…Alex de la Iglesia copia parte de esta portada para la suya en El día de la Bestia

El niño que la verdad que es para asustarse con un niño así y con esa mirada empieza a dar muestras de una actitud extraña desde el comienzo de la película cuando una de las niñeras del niño se suicida delante de un montón de personas diciendo al niño que lo hacía por él, luego la aparición de la nueva niñera y el perro que protege al niño, el ataque de los monos en el zoológico cuando ven a Damien y cuando los padres van a la Iglesia y el niño lleno de pavor ataca a sus padres en el coche. El padre se da cuenta por sus propios medios que el niño es el anticristo cuando le corta parte del pelo de su cabeza y ve grabado los tres seis en su cabeza, posteriormente la madre muere en un accidente provocado por el mismo Damien y su bicicleta, lo curioso es que cuando alguien muere delante de él, Damien sonrie o pasa de la persona que muere…y el final de la película pues buenísimo…no lo cuento porque a lo mejor alguien no la ha visto…Es la primera película en mostrar una decapitación.

The Omega Man (El último hombre vivo) de 1971; es una película remake del film El último hombre sobre la Tierra protagonizado en 1964 por Vincent Price, este último basado en la novela I Am Legend (Soy Leyenda) de Richard Matheson. Esta película la protagonizó Charlton Heston siendo un remake que tomó como motor la premisa de la guerra fria y el miedo a los ataques nucleares enfocado en ese entonces en la desaparecida URSS que alcanzan su auge máximo en la Crisis de los misiles en Cuba y que dominaría gran parte de las dos décadas posteriores y que se reflejan burlonamente en producciones como Dr. Strangelove.

Sería en parte influenciada por La noche de los muertos vivientes de 1968 y el subgenero de los zombies aunque no de manera concisa.

Las escenas de la ciudad fueron rodadas en el centro de Los Ángeles. Los productores habían previsto construir grandes decorados con calles y tiendas desiertas, pero resultaron demasiado caros. Por ello se decidió realizar las tomas durante los fines de semana y a primera hora de la mañana.

Sin duda entretenida deja muchos aspectos fuera de la novela como la soledad, la definición del ser y la sociedad (el concepto de vampiro de los "resucitados", el temor a la cruz, el ajo y su perspectiva desde otras culturas), así como el cambio y la desadaptación a un mundo al que se es ajeno y que nos teme porque somos diferentes, del cual, el título aglomera en las palabras finales del libro: I am Legend.

 

MUCHAS OTRAS PELÍCULAS DEL GÉNERO DE TERROR

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ROBERT STEVENSON

Robert Stevenson (1905-1986) para mi uno de los mejores directores que trabajó para Disney fue un cineasta inglés que debutó en 1930 como guionista y en 1932 pasa a la dirección con Happily Ever After. De su etapa británica resalta, sobre todo, El hombre que trocó su mente (The Man Who Changed His Mind, 1936), muy interesante cinta de horror protagonizada por Boris Karloff, para pasar ese mismo año a Estados Unidos con Las minas del rey Salomón (King Solomon’s Mines), país donde ofrecerá películas tan excelentes como Alma rebelde (Jane Eyre, 1944), con Orson Welles.

En 1957 es contratado por la Disney (que es por lo que más vamos a hablar de este estupendo director) para dirigir el simpático western Fiel amigo (Old Yeller, 1957), y el resto de su carrera la desarrollará dentro de la productora, hasta Un candidato muy peludo (The Shaggy D.A., 1976), luego se haría un remake reciente de esta misma película llamado Cariño, estoy hecho un perro con malísimo Tim Allen como protagonista.

Stevenson otorgó su conocimiento del medio a estos filmes, siendo sin duda el mejor de los fijos que trabajó para la Disney, muy por encima de flojos asalariados como Norman Tokar o Bernard McEveety.

No sólo por las películas antes citadas se le conoce, sino por un montón más, películas como Un sabio en las nubes (1961) película protagonizada por Fred Macmurray, película de la que luego la productora Disney haría un remake con Robin Williams llamado Flubber y el profesor chiflado FLUBBER es el nombre original del invento creado por Fred Macmurray en cuya película en su versión en español a tal artilugio lo llamaba GOMABALL. Luego en 1962 dirigió una de las películas que más me han gustado de Stevenson que fue Los hijos del capitán Grant, una película de aventuras protagonizada por Hayley Mills, Maurice Chevallier y Wilfrid Hyde-White como protagonistas en la que dos niños Mary y Robert junto a un profesor francés Jacques Paganel van en busca de su padre el capitán Grant perteneciente al barco Britannia, todo esto acompañado por los efectos especiales acostumbrados de Disney.

Como podemos observar a Disney, sobre todo a este director le gustaba usar la mayoría de las veces a los mismos actores que formaban parte de sus películas, en 1962 hizo la segunda parte de un sabio en las nubes la cual se llamaría Un sabio en apuros también protagonizada por el mismo actor.

La película que supuso para él su obra cumbre fue la inolvidable Mary Poppins dirigida en 1964 y protagonizada por Julie Andrews, Karen Dotrice, Matthew Garber y por los geniales Dick Van Dyke, David Tomlinson, Glynis Johns y Ed Wynn (un secundón muy usado por Disney en sus películas) en una historia en la que se mezclan personajes reales con personajes de animación y unos buenos efectos especiales y una gran banda sonora. Mary Poppins es la nueva niñera de Jane y Michael, cuyo padre ha despedido ya a un sin fin de ellas. A pesar de las reticencias del padre ante las extravagancias de Poppins, los niños vivirán un verdadero cuento de hadas a su lado, pues ella resuelve todos los problemas como si fuera un juego y, acompañados de su amigo Bert, se introducirán en un cuadro y vivirán una apacible tarde de domingo. Gracias a Mary Poppins, el severo padre de los chicos, comprenderá que no ha sido un buen padre para sus hijos, e incrementará sus juegos y atención hacia ellos. Mary Poppins consigue de nuevo su propósito: Hacer feliz a una familia, esta película le valió 5 Oscar uno de ellos el de mejor actriz (Julie Andrews), y los demás a canción, banda sonora original, montaje, efectos visuales icluyendo también hasta 13 nominaciones.

En 1965 dirigió otra de las películas por las que se le conoce: Un gato del FBI también protagonizada por Hayley Mills dueña de un gato callejero llamado M.G. el cual llega con un reloj de pulsera con la palabra HELL (infierno) que en realidad la protagonista descubre que la palabra escrita e inacabada en el reloj es HELP (ayuda) y con un despistado Dean Jones en agente del FBI que se encargará con la ayuda de sus ayudantes perseguir al gato para que les lleven a los secuestradores de la supuesta dueña del reloj, una película policiaca con muchos toques de humor contaba con dos secundones que aprecerían también en varias películas Disney:Elsa Lanchester (la cual veríamos en Mary Poppins como la niñera que se despide por estar harta de los niños) Ed Wynn (el dueño de la relojería) y Roddy McDowall. De esta película la productora Disney también llevó a cabo un remake protagonizado por Christina Ricci y creada exclusivamente para televisión en la cual hace una pequeña aparición Dean Jones.

La tercera película que más me gustó de Stvenson fue El abuelo está loco la cual dirigió en 1966,unos niños (los mismos que participaron en Mary Poppins Karen Dotrice y Matthew Garber) acuden de excursión a un bosque con su abuelo (Walter Brennan actor de los filmes de John Ford y de muchos de los clásicos de Hollywood, en una de sus últimas apariciones en la gran pantalla). Al realizar una parada para merendar, descubren unos habitantes del bosque que hasta el momento habían pasado desapercibidos ante los seres humanos. Se trata de unos pequeños gnomos (el gnomo abuelo es también el actor Walter Brennan y un gnomo secundón que aparece casi al final de la película protagonizado por Ed Wynn) que enseguida se hacen amigos de los niños y del abuelo. Uno de los más entrañables largometrajes de los muchos que realizó para la productora Walt Disney. Contiene una magnífica actuación del veterano Walter Brennan. Y como secundón también muy usado por Disney Richard Deacon al cual pudimos ver en una pequeña aparición como dueño de un cine de automóviles en Un gato del FBI antes mencionada.

En 1967 dirigió Mi amigo el fantasma otra película familiar que contó con la presencia de Dean Jones como el entrenador de un patético grupo de atletismo con el que se propone ganar el ansiado premio de un concurso en el cual el colegio al que pertenece siempre ha participado pero con negativos resultado y con el gran Peter Ustinov como el capitán Barba Negra el cual ayudará a Dean Jones a conseguir sus objetivos ayudándolo para poder librarse del maleficio al que está atado. En esta película se contó con actores como Suzanne Pleshette (con la cual volvería a protagonizar otro film de Disney: Los perros de mi mujer), Elsa Lanchester y Richard Deacon nuevamente. Se van notando los actores tanto principales como secundarios en las películas Disney. La película brinda la peculiaridad de que gran parte de los personajes se pasan la mayor parte el metraje hablando a gritos, ofreciendo un tono histérico, casi psicótico, al conjunto, otorgando, en suma, una extraña atmósfera alucinatoria (lo cual es acrecentado por la surrealista imagen de la mansión de las ancianas, conformada por restos de galeotes hundidos) a esta comedia, como decíamos, amable a priori. Todo ello es adornado por unas pocas y divertidas escenas al más puro estilo slapstick, así el episodio con el guardia de tráfico motorizado, las continuas caídas del camarero en el restaurante (el mismo camarero del cine de automóviles en Un gato del FBI el cual también cae con los pedidos de comida de los clientes del cine), todas las intervenciones fantasmales durante las mini-olimpiadas, o el enfrentamiento final con los gángsters. Y un poético epílogo, con el espectro, una vez deshecha la maldición, regresando a su barco fantasma, tripulado por los espíritus de los marineros que sirvieron con él.

Ahí va ese bólido (1969): Jim Douglas (Dean Jones) es un corredor de "formula uno" que, a pesar de ser excelente piloto, se ha quedado muy atras en todas las competiciones. Apartado de la profesion, necesita un trasto cualquiera para moverse por San Francisco y encuentra un Volkswagen muy antiguo. Pero aquella reliquia, aquella pieza de museo, resulta poseer algo tan misterioso como un corazón, un compartimento tan sensiblemente humano, que acabará resolviendo todos los problemas de Douglas. Aquel misterioso vehículo tiene nombre: se llama Herbie. Michele Lee y Buddy Hackett se unen a Herbie con un malo malísimo David Tomlinson (protagonista de Mary Poppins) en esta acelerada comedia que ya es todo un clásico…parezco un anuncio, ¿no?, de esta película se hizo otro remake por la productora Disney llamada Herbie a tope, ni sé quienes fueron los protagonistas, pasó sin pena ni gloria, como la mayoría de estos remakes. Luego apareció en 1974 la segunda parte llamada Herbie un volante loco

Posteriormente en 1971 dirigió otra de las películas que más me gustaron de este director llamada La bruja novata interpretada por la conocida Angela Lansbury y por los ya conocidos David Tomlinson y Roddy McDowall. Corre el año 1940, la estricta y severa Eglantine Price (Angela Lansbury) es una bruja aficionada que tiene que hacerse cargo, muy a su pesar, de 3 niños que han sido evacuados al pequeño pueblo costero inglés donde ella vive debido a la Segunda Guerra Mundial. Juntos con la ayuda del profesor Browne deberán luchar contra el invasor alemán, empleando para ello todos los trucos de Eglantine.

Estuvo casado con la actriz Anna Lee de 1934 a 1944. Muchas otras películas de Robert Stevenson fueron:

1932 HAPPY EVER AFTER
1933 FALLING FOR YOU (con Jack Hulbert)
1936 EL HOMBRE QUE TOCO SU MENTE 
1936 JACK OF ALL TRADES (con Jack Hulbert)
1936 LA ROSA DE LOS TUDOR
1937 EL TRANSATLANTICO DE LA MUERTE
1937 LAS MINAS DEL REY SALOMON
1937 OWB BOB
1938 EL CASO VARE
1939 LLOVIDA DEL CIELO
1939 VUELTA AL AYER
1940 TOMAS BROWN
1941 SU VIDA INTIMA
1942 JOAN OF PARIS
1947 PASION QUE REDIME
1948 OPIO
1949 I MARRIED A COMMUNIST
1950 DESPACIO,FORASTERO
1951 ODIO Y ORGULLO
1952 LAS VEGAS
1957 JOHNNY TREMAIN
1959 DARBY O’GILL AND THE LITTLE PEOPLE
1960 KIDNAPPED
1963 ZAFARRANCHO EN LA UNIVERSIDAD
1965 THE MONKEY’S UNCLE
1974 LA ISLA DEL FIN DEL MUNDO
1975 ONE OF OUR DINOSAURS IS MISSING
1976 UN CANDIDATO MUY PELUDO

LOS REMAKES DISNEY

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