Una de las razones de esa mezcla es que ahora la mayoría de novelas policíacas que se ven por la televisión, son producidas en Estados Unidos, lugar en el cual se creó la novela negra; sin embargo, aún se conservan los rasgos de análisis y observación de la escuela inglesa, tal vez porque la hacen más interesante.

Analicemos las mejores películas policíacas y de género negro de estos años:

El principiante: Dos policías, uno veterano y con mucho genio, llamado Pulovski, y el otro novato y con problemas personales, llamado Ackerman, deben apresar a los asesinos del primer compañero del policía veterano, pertenecientes a una poderosa organización que se dedica a robar coches de lujo para cambiar sus señas de identidad y venderlos de nuevo. Sin embargo, a pesar de ser distintos, ambos están condenados a entenderse y a colaborar estrechamente para atrapar al cerebro de la banda criminal.

La jungla de cristal 2: El policía del departamento de Los Angeles, teniente John McLane, espera en el aeropuerto de Dulles de Washington a que aterrice el avión en el que viaja su esposa. Mientras tanto, el coronel del ejército Stuart, un militar bien entrando, expulsado del congreso, junto con otros mercenarios profesionales, montan una base de operaciones cerca de dicho aeropuerto, con el objetivo de liberar a un dictador sudamericano derrocado, considerado el mayor traficante del mundo, y que dentro de 58 minutos aterrizará en Dulles en calidad de prisionero político. Stuart anula todos los sistemas que permiten aterrizar a los demás aviones, condenados a permanecer en el aire con el riesgo de agotárseles el combustible. Exige, además, que un Boeing 747 esté a su disposición para huir con el dictador una vez liberado, pero McClane intentará que no prospere.

El silencio de los corderos: El FBI busca a un asesino en serie, apodado Buffalo Bill, que mata a sus víctimas, todas ellas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Para poder atraparlo contactan con Clarice Starling, una brillante licenciada universitaria, experta en conductas psicópatas, que aspira a formar parte del FBI. Siguiendo las instrucciones de su jefe, Jack Crawford, Clarice visita la cárcel de alta seguridad donde el gobierno mantiene encerrado a Hanibal Lecter, antiguo psicoanalista y asesino, dotado de una inteligencia superior a la normal. Su misión será intentar sacarle información sobre los patrones de conducta de “Buffalo Bill”.

Reservoir Dogs: Seis gángsters profesionales son contratados por Joe Cabot (Lawrence Tierney) y su hijo Eddie (Chris Penn) para un trabajo. Ellos no se conocen entre sí y se mantienen en el anonimato, escondidos bajo nombres de colores: Sr. Rosa (Steve Buscemi), Sr. Blanco (Harvey Keitel), Sr. Naranja (Tim Roth), Sr. Marrón (Quentin Tarantino), Sr. Azul (Edward Bunker) y Sr. Rubio (Michael Madsen). Preparan minuciosamente el robo a una joyería, pero la policía aparece inesperadamente en el momento del atraco convirtiéndolo en una masacre. Todo hace sospechar que hay un traidor infiltrado. Reunidos a puerta cerrada en un viejo almacén abandonado, los supervivientes se enfrentan entre sí intentando descubrir quién les ha conducido a esta situación límite. Los únicos nombres que son revelados son el del Sr. Rubio, que es Vic Vega y el del Sr. Blanco, que es Larry Dimmick, debido a que ambos conocían a Joe antes de hacer este trabajo. El del Sr. Naranja también es revelado, el cual es Freddy Newandyk.

Arma Letal 3: Martin Riggs y Roger Murtaugh, la incombustible pareja de policías de Los Angeles, se enfrentan a un difícil caso: armas confiscadas y a punto de ser destruidas han desaparecido de las dependencias oficiales y están llegando a los delincuentes más peligrosos de la ciudad.

Atrapado por su pasado: Carlito Brigante (Al Pacino) es un puertorriqueño, ex convicto por trafico de drogas, que al pasar cinco años en prisión se da cuenta de no querer volver al mundo del hampa, reencontrándose a su paso con viejos amigos como Kleinfeld (Sean Penn) el abogado que hizo posible su salida de la cárcel, Pachanga (Luis Guzmán) a su vez enfrentándose a la sombra de su pasado en un inolvidable personaje llamado Benny Blanco (John Leguizamo) y reafirmando su amor a la hermosísima Gale (Penelope Ann Miller).

El especialista: Un experto en explosivos, antiguo miembro de la CIA, es contratado por una hermosa y misteriosa mujer con objeto de acabar con un grupo de mafiosos que asesinaron a sus padres cuando ella era una niña.

Asesinos Natos: Es violencia y crítica a la violencia en definitiva. Una enamorada pareja de criminales cuya pasión, a parte del amor entre ellos, es asesinar y enorgullecerse de ello superando a sus ídolos como por ejemplo Charles Mandson etc, mientras una sociedad insulsa siente atracción hacia ellos…así se presenta la historia.

El cliente: Un niño ve en los servicios de una estación de autobuses un asesinato. El asesino intenta localizarle ya que además de ser testigo tiene en su poder un botín de un atraco. Una abogada que perdió la custodia de sus propios hijos se encarga de protegerle e investigar para ver quién está detrás del robo.

Pulp Fiction: Para mi una de las mejores películas que haya dirigido Quentin Tarantino, por sus diálogos, por su banda sonora y por su forma de contra la historia. La película comienza con un hombre y una mujer llamados Pumpkin (Tim Roth) y Honey Bunny (Amanda Plummer) en una cafetería, la cual se disponen a atracar. Después de los créditos, la historia sigue con unos «gángsters», Vincent Vega (John Travolta) y Jules Winnfield (Samuel L. Jackson), que son enviados por su jefe, Marsellus Wallace (Ving Rhames), al apartamento de unos rateros llamados Marvin (Phil LaMarr), Brett (Frank Whaley) y Roger (Burr Steers) a recuperar una extraña maleta cuyo contenido nunca es revelado. Al llegar al lugar recuperan la maleta y matan a Roger y a Brett.

Heat: Neil McCauley es un experto ladrón, uno de los mejores. Su filosofía de vida: no atarse en la vida a nada de lo que no te puedas desprender si las cosas se ponen al rojo vivo. Su banda de criminales es un grupo de profesionales muy cualificados que llegan a impresionar incluso al detective Vincent Hanna. Pero Hannah, un hombre cuyo trabajo es el centro de su vida, se obsesiona con ello, poniendo su relación sentimental al borde del desastre. Cuando la banda de McCauley prepara el golpe definitivo y el equipo de Hannah intenta evitarlo, ambos comprenden que se encuentran ante las mentes más brillantes a las que se han enfrentado.

La jungla de cristal 3: Un hombre que se llama a sí mismo “Simon” inicia una oleada de terror por las calles de Nueva York. Hará detonar una serie de bombas por la ciudad a menos que el agente John McClane acceda a jugar a un juego llamado “Simón dice”. Con la ayuda de Zeus, un electricista del Harlem, comienza una trepidante carrera para averiguar las adivinanzas y las intenciones del terrorista.

Dos policias rebeldes: Un alijo de heroína valorado en unos 100 millones de dólares es robado del mismísimo depósito de la policía. El caso le será asignado a los agentes Burnett y Lowery, una pareja muy peculiar por los métodos que utilizan. La única pista que tienen para comenzar es la de una testigo que les ayudará a identificar a los atracadores, y a la que tendrán que proteger.

Seven: El detective Somerset (Morgan Freeman), se encuentra a días de jubilarse y le envían como reemplazo al detective David Mills (Brad Pitt). Juntos tendrán que resolver una serie de asesinatos cometidos por un psicópata letrado y metódico llamado John Doe (Kevin Spacey), que se basa en los siete pecados capitales para cometer sus grotescos crímenes. La película comparte trozos de cine negro, de “psycho thriller”, de thriller de asesinos en serie y de las “buddy movies”. A raíz del estreno de Seven se hicieron una serie de películas sobre psicópatas metódicos con un fin “intelectual” en su discurso, pero ninguno de estos filmes llegó a hacer sombra a Seven.

Ejecución inminente: A Steve, periodista “con olfato” pero problemático, le cae sin buscarla la última entrevista que concederá un condenado a muerte. A medida que conoce los detalles que significaron para Frank la condena a la pena capital, crece su convicción de que se ha cometido una monumental injusticia. De modo que, en una carrera contra el reloj, busca las pruebas que demuestren su inocencia.

Hora Punta: Dos detectives diferentes son asignados en un mismo caso. Ambos tendrán que adaptarse a las costumbres del otro para poder concluir su trabajo con éxito, pero no va a ser una tarea fácil. El detective inspector Lee (Jackie Chan) es el rey de las artes marciales y pertenece a la Royal Hong Kong Police. Su pupila preferida es la hija de once años del Cónsul chino, de la cual el inspector Lee es su guardaespaldas y su mejor amigo. Esta muchacha es capturada y llevada a los Estados Unidos por un peligroso grupo criminal. Hasta allí tendrá que viajar el inspector y, donde se unirá a la investigación con un departamento del FBI y, concretamente, al detective James Carter (Tucker), un arrogante e impulsivo agente de policía. La explosiva pareja tendrá que enfrentarse a una banda de criminales muy peligrosa, y contarán con la ayuda de Tania Johnson (Elizabeth Peña), una experta en artefactos explosivos.

Al caer el Sol: Harry Ross, un detective privado ya retirado, se presta a ayudar a unos antiguos amigos, una pareja de actores famosos de Hollywood en apuros. Pronto Ross se verá envuelto en una peligrosa y complicada intriga criminal.

Arma Letal 4: La pareja de policías formada por Martin Riggs y Roger Murtaugh vuelve a la carga para enfrentarse a un capo de la mafia asiática que ha extendido sus actividades a Los Angeles. En la investigación les ayudará un joven policía responsable de los quebraderos de cabeza familiares de Murtaugh, ya que ha dejado embarazada a su hija. En casa de Riggs, las cosas también se complican cuando su compañera espera un hijo y amenaza con hacerle pasar por el altar.

El coleccionista de huesos: Un diabólico asesino anda suelto por las calles de Manhattan. Sus brutales asesinatos dejan un rastro de mensajes crípticos escondidos en la escena del crimen, pistas que solamente una mente brillantes puede resolver. Mientras la ciudad está presa del miedo, Lincoln Rhyme, uno de los criminalistas con más prestigio de Estados Unidos, que ahora sufre las secuelas de un accidente grave en acto de servicio, investiga el caso con la ayuda de Amelia Donaghy, una policía experimentada, pese a su juventud, en la vida callejera neoyorquina. Ambos irán adentrándose poco a poco en la mente de un terrorífico demente, un asesino en serie que no dudará en atacar de nuevo… La próxima vez puede ser demasiado tarde.

Training Day: Alonzo Harris, un policía de Los Ángeles muy condecorado pero corrupto, tiene como nuevo compañero a Jake Hoyt, un agente novato y nuevo compañero de Alonzo que aspira a convertirse en parte de la unidad de Narcóticos.

Hora Punta 2: El detective James Carter se encuentra de vacaciones en Hong Kong con su buen amigo el detective Lee. Mientras Carter está ansioso por dedicarse a la juerga y las mujeres, Lee tiene que enfrentarse con un jefe de las Tríadas, responsable del asesinato de dos funcionarios de la embajada norteamericana. Conforme avancen en la investigación, descubrirán una trama de distribución de billetes falsos.

Deuda de sangre: Terry McCaleb, un veterano investigador del FBI, anda tras la pista de un psicópata apodado por lo medios de comunicación el “asesino del código”. Tras visitar una de las escenas del crimen donde acaba de actuar, Terry le descubre entre la multitud, comenzando una persecución que le provocará un infarto de corazón y su retiro del servicio activo.

Insomnio: Will Dormer, un veterano detective de la policía de Los Angeles, viaja con su compañero Hap a un pequeño pueblo de Alaska para investigar el inquietante asesinato de una adolescente. Bajo la luz perpetua de la región, Dormer y Hap se van acercando al principal sospechoso, el novelista Walter Finch, que vive apartado del pueblo.

Dos policías rebeldes 2: Los detectives de narcóticos Mike Lowrey (Will Smith) y Marcus Burnett (Martin Lawrence) han sido asignados a un nuevo caso en Miami, donde un astuto narcotraficante (Jorge Mollà) ha iniciado una sangrienta guerra. Además la amistad de los dos agentes se complica cuando Mike empieza a sentir algo por la hermana de Marcus.

Hollywood – Departamento de homicidios: Dos agentes de homicidios del cuerpo de policía de Los Ángeles investigan el asesinato de un grupo de raperos durante una actuación. Uno de ellos es Joe Gavilan -un veterano detective con problemas de dinero y tres ex-esposas. El otro es K.C. un joven policía indiscipliando y con pocas luces. Las primeras investigaciones del caso apuntan a un jefe de un sello de rap que se rumorea arregló la muerte de los raperos artistas que se negaron a firmar un contrato con él.

Infiltrados: El Departamento de Policía de Massachussets se ve envuelto en una guerra campal para derrotar a la mayor banda de crimen organizado de la ciudad. La estrategia es terminar con el reinado del poderoso jefe de la mafia Frank Costello (Jack Nicholson) desde dentro. A un joven novato, Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), criado en el sur de Boston, se le encarga infiltrarse en la mafia dirigida por Costello. Mientras Billy intenta ganarse la confianza de Costello, otro joven policía que también ha surgido de las calles del sur, Colin Sullivan (Matt Damon), sube rápidamente de categoría dentro de la policía del Estado. Colin, que se ha ganado un buen puesto en la unidad de Investigaciones Especiales, forma parte de un grupo de oficiales de élite cuya misión es acabar con Costello. Pero lo que sus superiores no saben es que Colin trabaja para Costello, y le mantiene un paso por delante de la policía. Cada uno acaba totalmente consumido por su doble vida. Pero cuando los gángsters y la policía se dan cuenta de que hay un topo entre ellos, Billy y Colin se encuentran en peligro constante de que les cojan y están expuestos al enemigo, y cada uno debe darse prisa en desvelar la identidad del otro para salvarse a sí mismo.

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El cine a partir de los años 70 también cambió, uno de los directores que empezaron a cambiar el estilo de la comedia fue Woody Allen que en 1965 escribió el guión y apareció en un papel secundario en la película ¿Qué tal, Pussycat? (1965), una divertida farsa dirigida por Clive Donner y protagonizada por Peter Sellers, Romy Schneider y Peter O’Toole. Un año después debutó como director en Lili la tigresa (1966), aunque este título es sencillamente una adaptación en inglés de una mala película japonesa con nuevos diálogos escritos por Allen y puestos en boca de los intérpretes nipones.
En 1967 Woody aparecía en la parodia de James Bond, Casino Royale (1967), junto a David Niven, Peter Sellers, Ursula Andress y Orson Welles.

En 1968 rueda su primera película (primera película completamente escrita y dirigida por él y en la que también actúa), Toma el dinero y corre. Al comienzo fue difícil encontrar una productora que financiara el proyecto (costaba dos millones de dólares), Después de éste éxito, a Allen no le costó trabajo encontrar algún estudio que siguiera pagando sus películas, en 1970 firma un contrato con United Artists (productora creada por Charles Chaplin), comenzaría a rodar su segunda película Bananas.

El cine bélico está representado por películas que centran sus historias en guerras. Desde su invención, quedó patente que el cine podía ser un medio que permitiese llegar a grandes cantidades de gente de una manera rápida y relativamente sencilla. Estas cualidades convirtieron el invento de los hermanos Lumière en una herramienta al servicio de los gobiernos y de sus máquinas de propaganda.

Durante la Segunda Guerra Mundial, los países beligerantes siguieron utilizando la gran pantalla como vía para transmitir a sus tropas y habitantes el devenir de la campaña y conciencia de las necesidades para la victoria en el conflicto. Estos mensajes, generalmente en forma de noticiario, dieron un salto cualitativo en los EE. UU., donde se decidió utilizar el enorme potencial que ofrecía Hollywood, como una gigantesca agencia publicitaria.

En esta época, numerosos actores y directores contribuyeron al esfuerzo de guerra, realizando su trabajo habitual, ya fuese animando a las tropas o realizando documentales o películas que sirviesen para elevar la moral de los estadounidenses. El tipo de cine realizado en aquellos momentos está cargado (de un contenido propagandístico) y en las películas se tiende a mostrar el heroico sacrificio de los militares estadounidenses y sus aliados al hacer frente a las malvadas potencias del eje, enemigas de la paz, la democracia y la libertad.

Tras la guerra, el género bélico pierde su fuerza y no es hasta después de transcurridos unos años, cuando en los 60 una serie de grandes producciones que recreaban las grandes batallas de la contienda vuelven a revitalizar este tipo de cine. Las películas de esta época ya no hacen tanto hincapié en el sacrificio, aunque sí nos siguen mostrando a sus protagonistas como unos héroes convencidos de la bondad de sus creencias y seguros de que están haciendo lo correcto para mejorar el mundo.

Los violentos de Kelly es un película de guerra americana del año 1970, dirigida por Brian G. Hutton, y protagonizada por Clint Eastwood, Donald Sutherland, Telly Savalas, Don Rickles, y Carroll O’Connor. El original argumento de ésta película trata sobre un grupo de soldados americanos cínicos y hartos de la guerra que se embarca en un arriesgado plan para atracar un banco francés repleto de lingotes de oro situado tras las líneas enemigas.

Otra vez, debido a la impopularidad de la guerra de Vietnam, el tema bélico cae, y no es hasta los 80 cuando vuelve a resurgir, al principio con películas más cercanas a la aventura en la que el héroe estadounidense vence en la pantalla como no pudo hacerlo en la selva.

El leon del desierto:Enfurecido y harto por los 20 años de lucha entre los patriotas beduinos y los colonizadores italianos, Benito Mussolini ordena al General Graziani capturar al líder de la resistencia: Omar Mukhtar.

La arrogancia del general imperialista chocará con el idealismo del líder beduino, por lo que, tras la grave derrota de las tropas italianas con un alto balance de heridos y muertos, empieza un reinado de terror en el que las tropas italianas no van sólo en contra de la guerrilla, sino también de la población civil.

Evasión o victoria es una película de 1981 sobre un grupo de prisioneros aliados en una campo de concentración nazi durante la Segunda Guerra Mundial. La película fue dirigida por John Huston y protagonizada por Michael Caine y Sylvester Stallone. La película está basada en una presunta fuga en medio de un partido de fútbol. Es por ello, que el film cuenta con grandes figuras del fútbol como Bobby Moore, Paul Van Himst, Osvaldo Ardiles, Kazimierz Deyna y Pelé.

Un oficial alemán visita el campo de concentración de Gensdorff. Un grupo de prisioneros se encuentra jugando al fútbol, y al oficial, que fue jugador antes de la guerra, se le ocurre organizar un encuentro entre una selección alemana y los prisioneros. Los aliados en un principio se niegan, pero comprenden que puede ser una ocasión única para evadirse… por lo que terminan por aceptar el reto.

Acorralado: es la primer película donde aparece el personaje del atormentado veterano de la guerra de Vietnam, John Rambo, protagonizada por Sylvester Stallone como Rambo, Brian Dennehy como sheriff Will Teasle y Richard Crenna como Coronel Samuel Trautman.

El género ha existido desde los comienzos del cine mudo, cuando el Le Voyage dans la Lune (1902) de Georges Méliès asombró a su audiencia con sus efectos fotográficos. Desde la década de 1930 hasta la de 1950, el género constía principalmente en películas de serie B de bajo presupuesto. Tras el hito de Stanley Kubrick de 2001: Una odisea del espacio de 1968, el cine de ciencia ficción fue tomado más en serio. A finales de la década de 1970, películas de presupuesto alto con efectos especiales se convirtieron en populares entre la audiencia. Películas como Star Wars o Encuentros en la tercera fase allanaron el camino de éxitos de ventas en las siguientes décadas como E. T.: El extraterrestre (1982). Películas como 2001 una odisea del espacio, Blade Runner y Tron examinaron los peligros de la tecnología avanzada.

Tron fue la primera película de Disney en la que se utilizó la animación por ordemador

En comparación con la década anterior, en los años 1960 hubo relativamente pocas películas de ciencia ficción, pero algunas de esas películas transformaron el género. 2001: Una odisea del espacio (1968) de Stanley Kubrick trajo un nuevo realismo al género con sus efectos visuales innovadores y un retrato realista del viaje espacial además de su influencia al género con su historia épica y sus aspectos filosóficos. Otras películas de la década fueron Fahrenheit 451 (1966) y El planeta de los simios (1968), que proporcionaban críticas sociales, y la extravagante Barbarella (1968), con Jane Fonda, que explorada el lado más infantil de la ciencia ficción.

Durante la década de 1970, gracias a los viajes tripulados a la Luna, resurgió el interés del cine de ciencia ficción. Solaris de Andrei Tarkovsky utilizaba técnicas visuales y comentarios filosóficos que recordaba a la película de Kubrick. Las películas de comienzos de la década exploraron el tema de la paranoia, en el que se representaba a la humanidad bajo la amenaza ecológica o tecnológica de su propia creación, en títulos como THX 1138 (1971), La naranja mecánica (1971), Silent Running (1972) y Almas de metal (1973). Tambíen hubo películas de suspense como Soylent Green (1973) y Futureworld (1976) que es la segunda parte de Almas de metal. En Logan’s Run se representaba a una sociedad libertina que practicaba la eutanasia como una forma de control de población y en The Stepford Wives anticipaba una reacción del movimiento de liberación de la mujer, de cuya película veríamos un remake a modo de comedia protagonizado por Nicole Kidman en Las mujeres perfectas.

La naranja mecánica: En una futurista Gran Bretaña, Alex y sus drugos, una banda de jóvenes delincuentes, salen cada noche para disfrutar de la ‘vieja ultraviolencia’ y saciar su apetito sexual violando a indefensas mujeres. A razón de un pequeño problema dentro de la banda, Alex es traicionado por sus drugos y dejado a merced de la policía, la cual lo lleva a una prisión de alta seguridad donde Alex tiene que pasar una larga temporada. Pero un día se le presenta la oportunidad de acortar su estancia presentándose como voluntario a la nueva ‘terapia de aversión’, con la que se asegura que después de dos semanas la maldad ya no existirá dentro de su ser. Y así es. Es tal la ‘terapia de aversión’ que el pobre Alex, al menor signo de violencia siente nauseas y unas ganas terribles de morirse. Pero la sociedad no ha olvidado, y los muchos crímenes que cometió en su época dorada se cobrarán su venganza.

En 1977 se estrenaron Star Wars y Encuentros en la tercera fase que fueron grandes éxitos en taquilla y trajeron un aumento importante de películas de ciencia ficción. Además, Star Wars ayudó a difuminar la distinción entre géneros de fantasía, ciencia ficción y superhéroes. En 1979, Star Trek: La película trajo por primera vez una serie de televisión al cine. Las películas de Ridley Scott, como Alien y Blade Runner, presentaban un futuro caótico, oscuro y sucio y representaba a los extraterrestres y cyborgs como hostiles y peligrosos. En comparación, la película de Steven Spielberg, E. T.: El extraterrestre, uno de los mayores éxitos de los años 1980, presentaba a los extraterrestres como seres benignos y amistosos. También existen películas en las que los extraterrestres son hostiles llegan e intentan suplantar a la humanidad. Los extraterrestres pueden tener una fuerza abrumadora o aparentemente inofensivos. Alguna de estas películas sobre este tema es La invasión de los ultracuerpos (1978) cuyo film es ya un remake del ya conocido film del mismo título del año 1956.

Las adaptaciones de presupuestos altos de Dune de Frank Herbert y la secuela de 2001, 2010: Odisea dos, fueron fracasos en taquilla lo que disuadió a los productores a invertir en literatura de ciencia ficción. Durante la segunda mitad de la década de 1980, los principales contribuidores del género fueron James Cameron con The Terminator (1984) y Aliens, el regreso (1986) y Paul Verhoeven con RoboCop (1987) película que nunca me ha llegado a gustar personalmente. También se comenzó a utilizar la animación para el género de ciencia ficción, con ejemplos en la película manga japonesa Akira (1988) y la francesa Gandahar (1988).

MUCHAS OTRAS PELÍCULAS DEL GÉNERO DE CIENCIA-FICCIÓN

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Presenta un retrato preciso y profundo de una época y un ambiente, pero sobre todo es una crítica subrepticia a la sociedad norteamericana, las relaciones intrafamiliares, la práctica política y sus esquemas morales tratados sutilmente como trasfondo del guión mediante asuntos relativos al mundo de la mafia, la inmigración, la relación de pareja, los sistemas de dominación familiares, la violencia criminal y su asociación política.

Parte del atractivo visual y estilístico de la obra consiste en la interpretación de la figura de Michael Corleone. En la secuencia inicial de la película Michael se nos presenta con rostro angelical, incluso Coppola emplea filtros especiales que reducen sus arrugas y combinados con la iluminación y el maquillaje nos enseñan un Michael mucho más joven, recién abandonada la adolescencia. El brutal cambio que se opera en su alma cuando asume la herencia de sangre de los Corleone se refleja también en su rostro, que en la última escena es ya el de un hombre maduro, complejo, que mira directamente a los ojos y miente con todo su corazón.

Se ha llegado a criticar al director por ofrecer una imagen demasiado atractiva del mundo de la mafia.

El Padrino II es la continuación de la saga de los Corleone con dos historias paralelas: la sucesión en la familia a cargo de Michael Corleone protagonizado de nuevo por el genial Al Pacino y los orígenes del patriarca, el ya fallecido Don Vito interpretado por un grandioso Robert De Niro, primero en Sicilia y luego en Estados Unidos donde empezó a hacerse un nombre comenzando desde lo más bajo. Parecía "El Padrino" un film insuperable, pero el maestro Francis, consciente de su estado de forma, vuelve a deslumbrarnos entregando esta segunda parte que a mi modo de ver es muchísimo mejor que la primera parte. Es más compleja en estructura y, sobre todo, moralmente más interesante; narra cómo Pacino comienza un proceso autodestructivo de su familia intentando, precisamente, la salvación de la misma. Al igual que en la primera parte, podríamos hablar de su mítico reparto, de la música de Rota, de la maravillosa fotografía de Gordon Willis… pero la arriesgadísima jugada de Coppola fue alternar, magistralmente, la historia presente y pasada de la familia Corleone. Ya no estaba Brando, pero de Niro realizó una interpretación perfecta. Pacino siguió, por su parte, agrandando su mito como actor y su imperio como Padrino… con un alto precio.

Interiores: es un giro en la carrera de Woody Allen, dejando la comedia a un lado y metiéndose de lleno al melodrama, en un claro ejercicio fílmico que emula a su ídolo, el cineasta sueco Ingmar Bergman. Una familia formada por tres hermanas se ve en el doloroso proceso de la separación de sus padres. Con personajes bien construidos que se relacionan entre sí en espacios bellamente decorados y que en la superficie parecen estar bien, pero es precisamente en este hecho en el que la carga emotiva de los personajes se intensifica.

Se trata, además, del primer film en el que Allen sólo dirige, pero no actúa. A pesar de que fue fríamente recibida, la película obtuvo cinco nominaciones al Oscar. Woody Allen bromea que "es una película para europeos", acostumbrados a un cine más profundo, complejo en temáticas e incluso con un ritmo más lento.

Annie Hall es una excelente película de Woody Allen que significó un giro en su carrera cinematográfica, hasta ese momento marcada por obras de mayor carácter cómico y un contenido y estructura menos elaborado.

Se trata de una de las películass de Woody Allen mejor acogidas por Hollywood (por no decir la única) en toda su carrera ya que obtuvo cuatro premios Oscar a la mejor película, al mejor director, al mejor guión original y a la mejor actriz principal (Diane Keaton) y una nominación para Allen como mejor actor. Fue la segunda vez en la historia en la que una misma persona (Allen) era nominada para tres galardones (director, actor y guión), algo que sólo  había ocurrido hasta ese momento con Orson Welles por Ciudadano Kane.

Alvy Singer (Woody Allen) es un comediante de clubs nocturnos que a los 40 años hace un repaso de su vida tras romper con su última novia, Annie (Diane Keaton). Cuenta sus amores, sus matrimonios y en especial la relación con ella, a la que conoce tras un partido de tenis. Alvy es un tipo especial, algo neurótico, dominado por una serie de obsesiones que acaban por destruir cada una de sus relaciones.

La Rosa Púrpura de El Cairo: Son los tiempos de la Depresión y Cecilia se desloma trabajando como camarera en Nueva Jersey mientras su marido se dedica a hacer el vago. Su única vía de escape es el cine, al que acude una y otra vez para refugiarse de la realidad y soñar con un mundo de champagne, smokings y fiestas elegantes. Una noche, uno de los personajes de su película favorita, La rosa púrpura de El Cairo, se fija en ella y atraviesa la pantalla para conocerla. Interesantísima película, llena de imaginación y sentido del humor al más puro estilo Allen, con un reparto muy acertado Mia Farrow, Jeff Daniels y Danny Aiello para un mítico largometraje.

September: Allen nos introduce en las raíces de la soledad, aunque sea en una casa llena de gente. La protagonista, Lane (Mia Farrow), es una mujer depresiva, solitaria y con problemas económicos. Tras varios intentos de suicidio se ha ido a vivir al campo, a una antigua casa familiar. Tiene como inquilino a un escritor que busca tranquilidad para su novela. Uno de sus vecinos, un hombre maduro y viudo, está enamorado de ella, pero Lane cree tener futuro con el escritor. Este por su parte sólo se fija en una amiga de Lane, que está momentáneamente separada de su marido. Cuando están a punto de terminar las vacaciones y se acerca septiembre, llegan a la casa la madre de Lane y su actual marido. La tensión a la que se siente sometida Lane, centro de atención por sus problemas y catalizador de las relaciones entre los demás personajes, la hará replantearse nuevamente sus prioridades y su propia existencia.

Recuerdos cuenta la historia de Sandy Bates, director de cine especializado en comedias, asiste a una retrospectiva sobre su obra en un hotel de la costa. Mientras a su alrededor todo el mundo quiere conocerle y colmarle de halagos, Bates se refugia en su interior para repasar los instantes más significativos de su vida sentimental y buscar un sentido a su papel dentro de un mundo que cada vez le resulta más extraño e inhóspito.

Otra mujer: El escritor y director Woody Allen nos trae un poderoso drama, en el que nos muestra a una experta profesora de Filosofía que se encuentra a punto de conocerse a sí misma. Haciendo gala de un espectacular reparto, película estilísticamente rica y técnicamente perfecta, transcurre entre pasado y presente, diálogo y narración, realidad y metáfora, para conseguir una lucidez y composición prácticamente desconocidos en el cine americano. Inteligente, preparada y felizmente casada, Marion considera su vida plenamente llena… hasta que un casual encuentro con una turbadora desconocida le ofrece una breve pero desgarradora oportunidad para vislumbrar su propio vacío. Vagando a la deriva en un matrimonio sin amor y negando sus sentimientos por otro hombre, Marion queda conmocionada cuando conoce la infidelidad de su marido. Asumiendo esto como la señal definitiva para cambiar su vida, Marion se enfrenta entonces a toda la verdad de sus necesidades emocionales… y a la temible intensidad de una pasión que ha ignorado durante demasiado tiempo.

Alguien voló sobre el nido del cuco es una película basada en la novela One Flew Over the Cuckoo’s Nest de Ken Kesey. La película, dirigida por Milos Forman cuenta con interpretaciones del grandioso y magnífico Jack Nicholson como Randall McMurphy y Louise Fletcher como la temible enfermera jefe. Cabe destacar apariciones de actores ya muy conocidos algunos secundones y otros no tanto como es el caso de Danny DeVito con pelo y todo en la cabeza, un magnífico Christopher Lloyd y un desconocido Vincent Schiavelli.

El graduado: película basada en la novela del mismo nombre de Charles Webb. Ganó un Oscar y obtuvo seis nominaciones, entre ellas la de Dustin Hoffman como mejor actor. Benjamin (Dustin Hoffman) acaba de graduarse de la universidad y vuelve a casa a pasar unas vacaciones. El matrimonio Robinson, amigos de sus padres desde hace años, se interesa por él. El marido quiere que salga con su hija Elaine (Katherine Ross), mientras que su esposa, la señora Robinson (Anne Bancroft) desea tener relaciones sexuales con él. Después de encontrarse varias veces con la señora Robinson, quien le prohíbe ver a su hija, Benjamin se enamora de Elaine. Cuando todo sale a la luz, Benjamin se encuentra solo y abandonado. Aun así, lucha para ver a Elaine y expresarle sus sentimientos.

La banda sonora de esta película está compuesta por canciones del dúo Simon and Garfunkel que fueron compuestas por Paul Simon. La mayoría de las canciones ya habían sido publicadas anteriormente, menos el éxito "Mrs. Robinson" que fue escrito para la película.

Cowboy de medianoche es una película basada en la novela del mismo nombre de James Leo Herlihy. Un relato ácido y desesperado de dos jóvenes que intentan salir de su condición de marginados. La banda sonora incluye la canción "Everybody’s Talking" de Harry Nilsson. El filme ganó tres Oscar, a la mejor película, al mejor director, y al mejor guión adaptado, y obtuvo otras cuatro nominaciones, al mejor actor principal (Jon Voight), al mejor actor principal (Dustin Hoffman), a la mejor actriz de reparto (Sylvia Miles), y al mejor montaje. Además és la única película con calificación X que ha conseguido el Premio Oscar a la mejor película. Un jóven tejano viaja a New York para hacer fortuna como gigoló. Vestido de Cowboy intentará vivir de sus artes amatorias con mujeres adineradas de la ciudad. Sin embargo los sueños del autoproclamado “vividor”, se toparán con una cruda realidad que terminará compartiendo con un ladronzuelo de poca monta al parecer enfermo de tuberculosis.

Acción ejecutiva antecedente de la teoría de la conspiración de JFK (1991) de Oliver Stone, en esta fábula política se intenta elaborar una versión de cómo fue realmente el asesinato de Kennedy. Lo más relevante del asunto consiste en el guión de Dalton Trumbo, célebre por ser encarcelado durante la "Caza de Brujas" en los años 50 y ganador de dos Oscar por Vacaciones en Roma (1953) y El bravo (1956), aunque no pudo ser acreditado en ninguno de ellos por ser un proscrito en Hollywood.

Rodada en forma de docudrama, utilizando imágenes de archivo, fue una de las películas políticas en las que intervino Burt Lancaster, siempre dispuesto a causas liberales como el apoyo a los derechos civiles, concienciación contra el racismo y apoyo incondicional al Partido Demócrata.

Agnes de Dios cuenta la historia de Jennifer Tilly una monja que asegura haber sido visitada por Dios, y haberse quedado posteriormente embarazada. Fonda es una psiquiatra que decide investigar los misteriosos asuntos del convento para llegar al fondo del asunto, descubriendo unos secretos donde el asesinato parece no ser el único pecado. Película nominada a tres oscars de mejor actriz (Anne Bancroft), mejor actriz secundaria (Meg Tilly) y mejor banda sonora.

Alicia ya no vive aquí: Alice Hyatt, casada con un repartidor y madre de un rebelde hijo de once años, lleva una vida mediocre en Socorro (Nuevo México). Un día, conversando con su confidente y vecina, recibe la noticia de que su marido ha fallecido en un accidente de tráfico. A partir de ese instante se plantea cambiar totalmente de vida y, tras vender sus escasas pertenencias, se pone junto a su hijo camino de Monterrey (California), su tierra natal y el único lugar donde Alice puede convertir el sueño de su vida en realidad: continuar con la carrera musical que llevaba antes de casarse. La vida en la carretera le hará plantearse lo que ha sido por ahora su vida y lo que le queda, y si debe dejar de lado sus deseos para poder seguir criando a su hijo. Pelicula dirigida por Martin Scorcesse

 

Es sin duda la mejor película de Roger Spottiswoode, un realizador que después se perdería entre títulos comerciales que aportarían poco a su filmografía pero que en esta ocasión nos ofreció una obra que gana en intensidad según se va desarrollando la trama y que mantiene el interés de principio a fin ayudado por una impresionante banda sonora compuesta por Jerry Goldsmith.

Carros de fuego: En Gran Bretaña, en el año 1920, Harold Abrahams y Eric Lidell estaban hechos para correr. No sólo una razón les llebaba a correr más rápido que ningún otro hombre. Sus motivos eran tan diferentes como sus pasados; cada uno tenía su propio Dios, sus propias creencias y su propio empuje hacia el triunfo.

El club de los poetas muertos ganó un Oscar al mejor guión original y cuatro nominaciones, incluyendo mejor película y mejor actor (Robin Williams) es un drama universitario en el que un grupo de alumnos de un estricto colegio privado descubrirán la poesía, el significado de "Carpe Diem" -aprovechar el momento- y la importancia de perseguir los sueños gracias a un excéntrico profesor de métodos poco convencionales que les despierta las mentes. Excelente guión, espléndidamente interpretada por Robin Williams. Es una de las primeras películas en la que vi como protagonista a Williams sin tener que protagonizar ningún perosnaje cómico sino dramático.

Rain Man es uno de los mejores dramas protagonizado por Dustin Hoffman, con la interpretación también de Tom Cruise el cual no llega a las suelas de los zapatos del genial Hoffman el cual obtuvo un Oscar y un Globo de Oro por su increíble interpretación, quizá la más difícil de su deslumbrante carrera.

Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert De Niro. Esta cinta narra las peripecias de un ex-combatiente de Vietnam, Travis Bickle (Robert de Niro), quien comienza a trabajar como taxista en la ciudad de New York, incorporándose a la turbia vida nocturna de la ciudad. Esta gran película obtuvo la Palma de Oro del Festival de Cannes y es hoy considerada como una de las mejores de su década. En su reparto también figuran Harvey Keitel, Cybill Shepherd, una destacada Jodie Foster, con solo catorce años.

La fuerza del cariño cuenta la historia de una madre y su hija atraviesan por todo tipo de momentos; buenos y malos, tiernos y crueles, se enfrentan y se aman, en una comedia melodramática que, gracias a un brillante guión que evoca tanto lágrimas como sonrisas -todas muy calculadas pero efectivas-, consiguió un apabullante éxito de taquilla, crítica y público. Ganó cinco Oscars a la mejor película, al mejor director, a la mejor actriz (Shirley MacLaine), al mejor actor secundario (Jack Nicholson), y al mejor guión adaptado y obtuvo seis otras nominaciones, al mejor actor de reparto (John Lithgow), a la mejor actriz principal (Debra Winger), a la mejor dirección artística, a la mejor música, al mejor montaje, y al mejor sonido. Luego en los 90 se rodaría una segunda parte con MacLaine interpretando el mismo personaje.

Randle McMurphy cumple una larga condena en una granja-prisión y se las ingenia para ser trasladado a una institución psiquiátrica. Una vez allí, avisado por el resto de los pacientes sobre los tiránicos métodos de la enfermera jefe, Randle decide declarar la guerra a la señorita Ratchel. Tras una explosión de cólera de Randle, le aplican un tratamiento de electroshock. Pero para entonces ya se ha ganado a los internos…

Toro Salvaje narra la historia de Jake la Motta un joven boxeador que se entrena duramente, ayudado por su hermano y manager Joey, para convertirse en el número uno de los pesos medios. Pero sus complejos psicológicos y sexuales le llevan a manifestar su agresividad tanto dentro como fuera del ring. En medio de esta tormenta interior se encuentra su hermano, convertido en víctima de la enfermiza paranoia y los celos de Jake. Pronto consigue ver hecho realidad tan ansiado sueño, pero el triunfo y el éxito convierten su vida en una pesadilla. Por un lado, su matrimonio cada vez marcha peor debido a sus salidas nocturnas con otras mujeres; por otro, la mafia le presiona para que amañe combates. Película ganadora de dos Oscars al mejor actor (Robert De Niro) y al mejor montaje.

El color púrpura es una película que nunca me llegó a gustar por mucho que la dirigiera Steven Spielberg en el año 1985. La historia se centra en la vida de Celie, una joven muchacha de color, a principios del siglo XX. Celie tiene 14 años y esta embarazada de su propio padre. Partiendo de este momento, así se cuenta su difícil existencia durante treinta años más, El padre de Celie la vende a un hombre el cual la maltrata y la tiene esclava durante la mayor parte de su vida, en los que es separada de su hermana Nety, que es llevada a África.

Aquí podemos destacar las actuaciones de una aun desconocida (al menos para mi) Whoopi Goldberg descubierta por Steven Spielberg en este film, dando a conocer a todo un portento y genio del arte dramático. Nominada al Oscar y galardonada con el Globo de Oro por este papel, entre otros premios y a otro desconocido Danny Glover, como el marido maltratador.

Magnolias de acero es una comedia dramática coral que refleja una historia cotidiana, de amores y desamores entre un grupo de amigas en una pequeña ciudad norteamericana. En el centro de este grupo está Shelby Eatenton, recientemente casada y felizmente embarazada, sino fuera por el hecho de que su diabetes puede hacer peligrar la vida de su hijo. Ante esta posibilidad, ella busca el refugio en sus amigas. Cabe destacar un gran reparto en el cual aparecen Sally Field, Julia Roberts, Daryl Hannah, Dolly Parton, Shirley MacLaine, Janine Turner, Tom Skerritt, Kevin J. O’Connor, Jonathan Ward, Sam Shepard. Es una obra de teatro de gran éxito que fue llevada al cine por Herbert Ross, especialista en adaptar obras de Broadway.

Barry Lyndon es una película dirigida por Stanley Kubrick en el año 1975, y protagonizada por Ryan O’Neal y Marisa Berenson. Está basada en la novela del mismo título de William Makepeace Thackeray. Ganó cuatro Oscar, a la mejor dirección artística, a la mejor fotografía, al mejor vestuario y a la mejor música, y fue nominada a tres, a la mejor película, al mejor director y al mejor guión adaptado.

Redmond Barry (Ryan O’Neal) es un joven irlandés, decidido a convertirse en un hombre rico e importante. Se alista en el ejército británico y participa en la Guerra de los Siete Años en el continente europeo. Pronto deserta y se pasa al ejército prusiano, donde le convierten en espía. Después conoce a un caballero que se dedica al juego, y que le enseña el arte de las cartas. Barry usa todas las estratagemas y mentiras para subir en la escala social y se casa con Lady Lyndon (Marisa Berenson), una rica condesa. Adopta ese nombre y como Barry Lyndon se establece en Inglaterra, siendo un hombre rico e influyente. Sin embargo, con el tiempo su fortuna cambiará, por el intentar poseer un titulo de nobleza, cual su esposa tiene.

Uno de los nuestros: Henry Hill, hijo de padre irlandés y madre siciliana, es testigo de la vida de poder, honor y respeto que llevan los gangsters que habitan en su barrio, en una zona de Brooklyn donde son mayoría los emigrantes, y que está bajo la protección del patriarca de la família Pauline, Paul Cicero. Henry, a sus trece años de edad, desistirá de seguir yendo a clase, y fascinado por tal vida mafiosa, entrará a formar parte de la organización, comenzando por ser un mero chico de los recados para ir ascendiendo de posición a medida que fortalece la confianza que en él depositan los integrantes del hampa local, como el irlandés Jimmy Conway o el italoamericano Tommy de Vito, adentrándose cada vez en negocios más turbios. Ganadora de un Oscar al mejor actor secundario (Joe Pesci)

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El cine de terror se basa de la literatura de las supersticiones o de leyendas tradicionales, así como de temores y pesadillas nacidos de contextos socioculturales mucho más actuales y precisos. Por una parte, de la novela de terror, nacida en la segunda mitad del siglo XVIII; por otra, de la tradición oral del cuento de miedo, ampliamente desarrollada en las sociedades rurales de todas las culturas. De aquí, en último término, surgirán los elementos y personajes básicos utilizados en las películas de este género: los vampiros, el hombre lobo, los monstruos, fantasmas, brujas, zombis, así como las desdichadas réplicas humanas, a lo Frankenstein.

Otras señas de identidad del género son un uso muy particular de la iluminación, que muchas veces tiende a inspirarse en la pintura romántica alemana del siglo XIX, la cual se caracteriza por el recurso frecuente al claroscuro, a los contrastes de colores y los tonos penumbrosos, efectos muy apreciables en el cine expresionista de los primeros años (Murnau, Fritz Lang). Los espacios o escenarios más visitados serán la noche, la casa abandonada, el castillo, las ruinas, el laboratorio lúgubre, el bosque o el erial sombrío, el jardín decadente, que han terminado conformando un catálogo de "lugares" comunes. Asimismo, nunca debe faltar una banda sonora densa y sugerente (El resplandor, Psicosis, Tiburón…), junto a unos escalofriantes efectos de sonido (El exorcista, Alien, Drácula de Coppola…).

El público se siente atraído hacia este tipo de películas precisamente por los estímulos emocionales novedosos e intensos que recibe, es decir, lo insólito-escabroso inscrito momentáneamente en la rutina diaria. Los efectos fisiológicos que experimenta el espectador horrorizado en su butaca incluyen fuertes subidas de adrenalina, con dilatación de pupilas, aceleramiento cardíaco y respiratorio, y sudor frío, todo lo cual por lo común se cierra con un desahogo final, en el cual, de acuerdo con el remate que haya tenido la historia, reinará el consuelo o el desconsuelo.

El motor sensacionalista en estas películas es, en muchos casos, la exhibición de la crueldad, humana, bestial o sobrenatural, como representación del Mal, en cualquiera de sus muchas variantes, y esto explica que la gran competencia comercial en esta industria haya generado una escalada indiscriminada de contenidos truculentos en el género a lo largo de los últimos años.

Aparte del Mal y muy ligado a él, lo oculto o misterioso, como es lógico, define también al cine de terror como género, y lo hace tanto en el plano arquetípico como en su desarrollo escenográfico. Lo oculto sugerido sirve tanto para referirse a la temática del cine de terror (lo oculto del inconsciente criminal, lo oculto de los monstruos siempre escondidos en las entrañas de la sociedad, lo oculto de nuestras tendencias y deseos más inconfesables…), como a su caracterización y puesta en escena, a veces tendente, como en el suspense, a escatimar información al atribulado personaje, información ya conocida por el público, que, impotente en su butaca, espera angustiado acontecimientos. Otras veces se procede a la ocultación y sugerencia a través de la exacerbación engañosa del decorado, de la manipulación de la fotografía, del maquillaje, etc., o por medio de la más pura y simple privación de los elementos implicados, como en la técnica del fuera de campo (la escena terrorífica transcurre fuera del objetivo de la cámara, la cual se centra en sus aledaños; el espectador únicamente "la escucha" o imagina); la interposición del personaje entre la cámara y el elemento terrorífico, etc.

A principios de los años setenta encontramos dos ejemplos muy notables: El exorcista (William Friedkin, 1973), considerada por muchos críticos la película más terrorífica de la historia del cine, y la técnicamente magistral Tiburón (1975), de Steven Spielberg. El exorcista es una de las pocas películas del género que tuvo una buena acogida por parte del público, hasta el extremo de llegar a convertirse en un fenómeno cultural.

Carrie (1976) película estadounidense dirigida en 1976 basada en la novela de terror de Stephen King del mismo título. Carrie es una adolescente marginada por la influencia perniciosa de su madre –una esquizofrénica con una fuerte obsesión por su propia interpretación de lo bíblico- que la hacen el blanco de burlas en el colegio, ya que no entienden ni su timidez ni su ignorancia. Un acontecimiento para ella traumático –su primera menstruación ocurrida en las duchas, seguida de la burla impiadosa de sus compañeras- desencadena también el desarrollo progresivo de sus poderes telequinéticos, que estallan en todo su esplendor al final de la película, con la realización del baile de fin de año. El personaje está encarnado como una víctima que termina victimizando a su entorno, debido a un complot que corta de cuajo toda reconciliación de Carrie con un mundo “normal” en el que había empezado a depositar sus ilusiones. La película fue dirigida por Brian De Palma, quien posteriormente incursionó en el terror psicológico con Vestida para matar (1980).

La mixtura de terror y ciencia ficción transitada en literatura por Lovecraft, reaparece con la excelente Alien (1979), de Ridley Scott, que narra la terrorífica lucha contra un monstruo extraterrestre indestructible a bordo de un carguero espacial. El filme dio origen a varias secuelas de calidad irregular.

Los años 80 estuvieron acaparados por los seriales de "terror adolescente", cintas sin grandes pretensiones artísticas aunque sí económicas, dirigidos a un público muy determinado. Esta modalidad sigue abarrotando salas en nuestros días. En 1980, se estrenaría Friday the 13th (en España y países hispanohablantes traducido como Viernes 13), de Sean S. Cunningham, arranque de una saga de películas en las que el gestor terrorífico es un salvaje asesino que actúa en la oscuridad. De 1984 es la primera entrega de Pesadilla en Elm Street, firmada por otro especialista, Wes Craven. La precursora de la modalidad había sido Halloween (1978), de John Carpenter, director igualmente muy proclive al género.

La serie Creepshow, de Stephen King y George A. Romero, pertenece también a esta época. Otros filmes interesantes: La cosa (1982), de John Carpenter; Re-animator (1985), de Stuart Gordon; Hellraiser (1987), de Clive Barker. El canadiense David Cronenberg acertó nuevamente de lleno con La mosca (1986, remake de una gran cinta de los años 50 protagonizada por Vincent Price), y con Inseparables (1988). Visualmente muy poderosa, la película de zombis Terroríficamente muertos (1987), de Sam Raimi. Cerraría esta década una de las mejores adaptaciones sobre la obra del novelista Stephen King: El cementerio viviente, de Mary Lambert (1989).

No deben olvidarse otros grandes hitos del cine de terror de calidad surgidos en el último tercio del pasado siglo: La semilla del diablo (1968), de Roman Polanski, La matanza de Texas (1974), de Tobe Hooper, La profecía (1976), de Richard Donner, El resplandor (1980), de Stanley Kubrick, Poltergeist (Tobe Hooper, 1982), Videodrome (David Cronenberg, 1983), etc…

Una de las películas de terror que más marcó mi infancia (y eso que no es que fuese apta para todos los públicos) fue Poltergeist – Fenómenos extraños, la primera vez que vi esta película pasé mucho miedo, sobre todo el mirarme en un espejo no fuese que se me callese la carne a trozos como en la película. Steve y Diane Freeling forman un matrimonio con tres hijos que, de repente, se ven envueltos en el centro de un aterrador fenómeno extraño. La primera en darse cuenta de la situación es la hija pequeña, Carol-Anne, que una noche baja al salón y se acerca a la pantalla de televisión. En ese momento siente la presencia de una fuerza misteriosa detrás de la pantalla. Es a partir de entonces, cuando se desencadenan extraños sucesos que culminan con la desaparición de la pequeña Carol-Anne.

Al parecer la casa había sido construida sobre un cementerio, se suponía que los cadáveres serian re-enterrados en otra parte, pero lo único que hicieron fue, mover las lápidas.

Poltergeist fue estrenada el 4 de junio de 1982 e inmediatamente se convirtió en una de las mejores películas de terror de la década, y tal vez de todos los tiempos. Basada en un episodio de la serie Twilight Zone, llamado "Pequeña niña perdida", Poltergeist hizo que todos lo pensaran dos veces antes de ver la imagen de la estática en televisión.

El filme Poltergeist estuvo a la vanguardia en su época. Fue una producción gigantesca, llena de efectos especiales, que capturó la imaginación de todo tipo de audiencias.

Otra película que me dió escalofrios fue Al final de la escalera en la cual una noche, el compositor John Russell se despierta bañado en sudor como consecuencia de una pesadilla, y vuelve a oír el extraño ruido procedente de una de las habitaciones del piso de arriba. Desde la terrible muerte de su familia, John ha estado viviendo en esa casa solitaria a la que se trasladó con la esperanza de recuperar la paz interior, pero paz es algo que no ha hallado, pues en numerosas ocasiones ha creído ver el cadáver de un joven. Cuando empieza a creer que ha perdido el juicio, registra la casa y descubre una entrada secreta a un antiguo cuarto infantil olvidado desde hace mucho, donde encuentra una silla de ruedas y una caja de música. John siente que allí ha sucedido algo terrible e intenta establecer contacto a través de un médium. La siniestra sesión de espiritismo revela que un espantoso crimen ha quedado sin vengar.

Una de las escenas que se me quedó grabada de esta película es cuando el protagonista tira una pelota no sé si a la basura o a una alcantarilla y en un momento dado en la casa escucha un ruido de algo y cuando se acerca a la escalera ve esa misma pelota bajando por las escaleras

La Profecía es una película de terror de 1976 dirigida por Richard Donner y protagonizada por Gregory Peck, Lee Remick, David Warner, Harvey Stephens, Billie Whitelaw, Patrick Troughton, Martin Benson, y Leo McKern. Está basada en una novela de David Seltzer. La película narra la historia de Damien, un niño que fue adoptado por un embajador de Estados Unidos al momento de nacer. La familia de Damien ignora que él es el hijo de Satanás y está destinado a ser el anticristo.

¿No os recuerda la portada a algo COPIADO?, pues si…Alex de la Iglesia copia parte de esta portada para la suya en El día de la Bestia

El niño que la verdad que es para asustarse con un niño así y con esa mirada empieza a dar muestras de una actitud extraña desde el comienzo de la película cuando una de las niñeras del niño se suicida delante de un montón de personas diciendo al niño que lo hacía por él, luego la aparición de la nueva niñera y el perro que protege al niño, el ataque de los monos en el zoológico cuando ven a Damien y cuando los padres van a la Iglesia y el niño lleno de pavor ataca a sus padres en el coche. El padre se da cuenta por sus propios medios que el niño es el anticristo cuando le corta parte del pelo de su cabeza y ve grabado los tres seis en su cabeza, posteriormente la madre muere en un accidente provocado por el mismo Damien y su bicicleta, lo curioso es que cuando alguien muere delante de él, Damien sonrie o pasa de la persona que muere…y el final de la película pues buenísimo…no lo cuento porque a lo mejor alguien no la ha visto…Es la primera película en mostrar una decapitación.

The Omega Man (El último hombre vivo) de 1971; es una película remake del film El último hombre sobre la Tierra protagonizado en 1964 por Vincent Price, este último basado en la novela I Am Legend (Soy Leyenda) de Richard Matheson. Esta película la protagonizó Charlton Heston siendo un remake que tomó como motor la premisa de la guerra fria y el miedo a los ataques nucleares enfocado en ese entonces en la desaparecida URSS que alcanzan su auge máximo en la Crisis de los misiles en Cuba y que dominaría gran parte de las dos décadas posteriores y que se reflejan burlonamente en producciones como Dr. Strangelove.

Sería en parte influenciada por La noche de los muertos vivientes de 1968 y el subgenero de los zombies aunque no de manera concisa.

Las escenas de la ciudad fueron rodadas en el centro de Los Ángeles. Los productores habían previsto construir grandes decorados con calles y tiendas desiertas, pero resultaron demasiado caros. Por ello se decidió realizar las tomas durante los fines de semana y a primera hora de la mañana.

Sin duda entretenida deja muchos aspectos fuera de la novela como la soledad, la definición del ser y la sociedad (el concepto de vampiro de los "resucitados", el temor a la cruz, el ajo y su perspectiva desde otras culturas), así como el cambio y la desadaptación a un mundo al que se es ajeno y que nos teme porque somos diferentes, del cual, el título aglomera en las palabras finales del libro: I am Legend.

MUCHAS OTRAS PELÍCULAS DEL GÉNERO DE TERROR

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Robert Stevenson (1905-1986) para mi uno de los mejores directores que trabajó para Disney fue un cineasta inglés que debutó en 1930 como guionista y en 1932 pasa a la dirección con Happily Ever After. De su etapa británica resalta, sobre todo, El hombre que trocó su mente (The Man Who Changed His Mind, 1936), muy interesante cinta de horror protagonizada por Boris Karloff, para pasar ese mismo año a Estados Unidos con Las minas del rey Salomón (King Solomon’s Mines), país donde ofrecerá películas tan excelentes como Alma rebelde (Jane Eyre, 1944), con Orson Welles.

En 1957 es contratado por la Disney (que es por lo que más vamos a hablar de este estupendo director) para dirigir el simpático western Fiel amigo (Old Yeller, 1957), y el resto de su carrera la desarrollará dentro de la productora, hasta Un candidato muy peludo (The Shaggy D.A., 1976), luego se haría un remake reciente de esta misma película llamado Cariño, estoy hecho un perro con malísimo Tim Allen como protagonista.

Stevenson otorgó su conocimiento del medio a estos filmes, siendo sin duda el mejor de los fijos que trabajó para la Disney, muy por encima de flojos asalariados como Norman Tokar o Bernard McEveety.

No sólo por las películas antes citadas se le conoce, sino por un montón más, películas como Un sabio en las nubes (1961) película protagonizada por Fred Macmurray, película de la que luego la productora Disney haría un remake con Robin Williams llamado Flubber y el profesor chiflado FLUBBER es el nombre original del invento creado por Fred Macmurray en cuya película en su versión en español a tal artilugio lo llamaba GOMABALL. Luego en 1962 dirigió una de las películas que más me han gustado de Stevenson que fue Los hijos del capitán Grant, una película de aventuras protagonizada por Hayley Mills, Maurice Chevallier y Wilfrid Hyde-White como protagonistas en la que dos niños Mary y Robert junto a un profesor francés Jacques Paganel van en busca de su padre el capitán Grant perteneciente al barco Britannia, todo esto acompañado por los efectos especiales acostumbrados de Disney.

Como podemos observar a Disney, sobre todo a este director le gustaba usar la mayoría de las veces a los mismos actores que formaban parte de sus películas, en 1962 hizo la segunda parte de un sabio en las nubes la cual se llamaría Un sabio en apuros también protagonizada por el mismo actor.

La película que supuso para él su obra cumbre fue la inolvidable Mary Poppins dirigida en 1964 y protagonizada por Julie Andrews, Karen Dotrice, Matthew Garber y por los geniales Dick Van Dyke, David Tomlinson, Glynis Johns y Ed Wynn (un secundón muy usado por Disney en sus películas) en una historia en la que se mezclan personajes reales con personajes de animación y unos buenos efectos especiales y una gran banda sonora. Mary Poppins es la nueva niñera de Jane y Michael, cuyo padre ha despedido ya a un sin fin de ellas. A pesar de las reticencias del padre ante las extravagancias de Poppins, los niños vivirán un verdadero cuento de hadas a su lado, pues ella resuelve todos los problemas como si fuera un juego y, acompañados de su amigo Bert, se introducirán en un cuadro y vivirán una apacible tarde de domingo. Gracias a Mary Poppins, el severo padre de los chicos, comprenderá que no ha sido un buen padre para sus hijos, e incrementará sus juegos y atención hacia ellos. Mary Poppins consigue de nuevo su propósito: Hacer feliz a una familia, esta película le valió 5 Oscar uno de ellos el de mejor actriz (Julie Andrews), y los demás a canción, banda sonora original, montaje, efectos visuales icluyendo también hasta 13 nominaciones.

En 1965 dirigió otra de las películas por las que se le conoce: Un gato del FBI también protagonizada por Hayley Mills dueña de un gato callejero llamado M.G. el cual llega con un reloj de pulsera con la palabra HELL (infierno) que en realidad la protagonista descubre que la palabra escrita e inacabada en el reloj es HELP (ayuda) y con un despistado Dean Jones en agente del FBI que se encargará con la ayuda de sus ayudantes perseguir al gato para que les lleven a los secuestradores de la supuesta dueña del reloj, una película policiaca con muchos toques de humor contaba con dos secundones que aprecerían también en varias películas Disney:Elsa Lanchester (la cual veríamos en Mary Poppins como la niñera que se despide por estar harta de los niños) Ed Wynn (el dueño de la relojería) y Roddy McDowall. De esta película la productora Disney también llevó a cabo un remake protagonizado por Christina Ricci y creada exclusivamente para televisión en la cual hace una pequeña aparición Dean Jones.

La tercera película que más me gustó de Stvenson fue El abuelo está loco la cual dirigió en 1966,unos niños (los mismos que participaron en Mary Poppins Karen Dotrice y Matthew Garber) acuden de excursión a un bosque con su abuelo (Walter Brennan actor de los filmes de John Ford y de muchos de los clásicos de Hollywood, en una de sus últimas apariciones en la gran pantalla). Al realizar una parada para merendar, descubren unos habitantes del bosque que hasta el momento habían pasado desapercibidos ante los seres humanos. Se trata de unos pequeños gnomos (el gnomo abuelo es también el actor Walter Brennan y un gnomo secundón que aparece casi al final de la película protagonizado por Ed Wynn) que enseguida se hacen amigos de los niños y del abuelo. Uno de los más entrañables largometrajes de los muchos que realizó para la productora Walt Disney. Contiene una magnífica actuación del veterano Walter Brennan. Y como secundón también muy usado por Disney Richard Deacon al cual pudimos ver en una pequeña aparición como dueño de un cine de automóviles en Un gato del FBI antes mencionada.

En 1967 dirigió Mi amigo el fantasma otra película familiar que contó con la presencia de Dean Jones como el entrenador de un patético grupo de atletismo con el que se propone ganar el ansiado premio de un concurso en el cual el colegio al que pertenece siempre ha participado pero con negativos resultado y con el gran Peter Ustinov como el capitán Barba Negra el cual ayudará a Dean Jones a conseguir sus objetivos ayudándolo para poder librarse del maleficio al que está atado. En esta película se contó con actores como Suzanne Pleshette (con la cual volvería a protagonizar otro film de Disney: Los perros de mi mujer), Elsa Lanchester y Richard Deacon nuevamente. Se van notando los actores tanto principales como secundarios en las películas Disney. La película brinda la peculiaridad de que gran parte de los personajes se pasan la mayor parte el metraje hablando a gritos, ofreciendo un tono histérico, casi psicótico, al conjunto, otorgando, en suma, una extraña atmósfera alucinatoria (lo cual es acrecentado por la surrealista imagen de la mansión de las ancianas, conformada por restos de galeotes hundidos) a esta comedia, como decíamos, amable a priori. Todo ello es adornado por unas pocas y divertidas escenas al más puro estilo slapstick, así el episodio con el guardia de tráfico motorizado, las continuas caídas del camarero en el restaurante (el mismo camarero del cine de automóviles en Un gato del FBI el cual también cae con los pedidos de comida de los clientes del cine), todas las intervenciones fantasmales durante las mini-olimpiadas, o el enfrentamiento final con los gángsters. Y un poético epílogo, con el espectro, una vez deshecha la maldición, regresando a su barco fantasma, tripulado por los espíritus de los marineros que sirvieron con él.

Ahí va ese bólido (1969): Jim Douglas (Dean Jones) es un corredor de "formula uno" que, a pesar de ser excelente piloto, se ha quedado muy atras en todas las competiciones. Apartado de la profesion, necesita un trasto cualquiera para moverse por San Francisco y encuentra un Volkswagen muy antiguo. Pero aquella reliquia, aquella pieza de museo, resulta poseer algo tan misterioso como un corazón, un compartimento tan sensiblemente humano, que acabará resolviendo todos los problemas de Douglas. Aquel misterioso vehículo tiene nombre: se llama Herbie. Michele Lee y Buddy Hackett se unen a Herbie con un malo malísimo David Tomlinson (protagonista de Mary Poppins) en esta acelerada comedia que ya es todo un clásico…parezco un anuncio, ¿no?, de esta película se hizo otro remake por la productora Disney llamada Herbie a tope, ni sé quienes fueron los protagonistas, pasó sin pena ni gloria, como la mayoría de estos remakes. Luego apareció en 1974 la segunda parte llamada Herbie un volante loco

Posteriormente en 1971 dirigió otra de las películas que más me gustaron de este director llamada La bruja novata interpretada por la conocida Angela Lansbury y por los ya conocidos David Tomlinson y Roddy McDowall. Corre el año 1940, la estricta y severa Eglantine Price (Angela Lansbury) es una bruja aficionada que tiene que hacerse cargo, muy a su pesar, de 3 niños que han sido evacuados al pequeño pueblo costero inglés donde ella vive debido a la Segunda Guerra Mundial. Juntos con la ayuda del profesor Browne deberán luchar contra el invasor alemán, empleando para ello todos los trucos de Eglantine.

Estuvo casado con la actriz Anna Lee de 1934 a 1944. Muchas otras películas de Robert Stevenson fueron:

1932 HAPPY EVER AFTER
1933 FALLING FOR YOU (con Jack Hulbert)
1936 EL HOMBRE QUE TOCO SU MENTE 
1936 JACK OF ALL TRADES (con Jack Hulbert)
1936 LA ROSA DE LOS TUDOR
1937 EL TRANSATLANTICO DE LA MUERTE
1937 LAS MINAS DEL REY SALOMON
1937 OWB BOB
1938 EL CASO VARE
1939 LLOVIDA DEL CIELO
1939 VUELTA AL AYER
1940 TOMAS BROWN
1941 SU VIDA INTIMA
1942 JOAN OF PARIS
1947 PASION QUE REDIME
1948 OPIO
1949 I MARRIED A COMMUNIST
1950 DESPACIO,FORASTERO
1951 ODIO Y ORGULLO
1952 LAS VEGAS
1957 JOHNNY TREMAIN
1959 DARBY O’GILL AND THE LITTLE PEOPLE
1960 KIDNAPPED
1963 ZAFARRANCHO EN LA UNIVERSIDAD
1965 THE MONKEY’S UNCLE
1974 LA ISLA DEL FIN DEL MUNDO
1975 ONE OF OUR DINOSAURS IS MISSING
1976 UN CANDIDATO MUY PELUDO

LOS REMAKES DISNEY